재즈: 그것이 무엇인지, 어떤 방향으로, 누가 연주하는지. 재즈 음악, 그 특징 및 개발 역사.

블루스

(멜랑콜리, 슬픔) - 원래 - 미국 흑인의 솔로 서정적 노래, 나중에 - 음악의 방향.

20세기의 20년대에는 3행에 해당하는 12마디 주기를 기반으로 클래식 블루스가 형성되었습니다. 시적 형태. 블루스는 원래 흑인이 흑인을 위해 연주한 음악이었습니다. 블루스는 미국 남부에서 출현한 후 전국으로 퍼지기 시작합니다.

블루스 멜로디는 문답 구조와 블루스 프렛의 사용이 특징입니다.

블루스는 재즈와 팝 음악의 형성에 지대한 영향을 미쳤으며 블루스 요소는 20세기 작곡가들에 의해 사용되었습니다.

고풍스러운 재즈

고대(초기) 재즈- 지난 세기 중반부터 미국 남부의 여러 주에서 존재해 온 가장 오래되고 전통적인 재즈 유형을 지칭합니다.

고대 재즈는 특히 19세기의 흑인과 크리올 행진 밴드의 음악으로 대표되었습니다.

고풍 재즈의 시대는 뉴올리언스(클래식) 스타일의 출현에 앞서 있었습니다.

뉴 올리언스

재즈 자체가 시작된 미국 본토는 노래와 음악의 도시인 뉴 올리언스로 간주됩니다.
재즈가 미국 전역에서 시작되었다고 주장하지만, 이 도시뿐만 아니라 이곳에서 가장 강력하게 발전했습니다. 또한 모든 오래된 재즈 뮤지션들이 뉴올리언스로 간주하는 센터를 가리켰습니다. 뉴올리언스에서는 이 음악적 방향의 발전에 가장 유리한 환경이 개발되었습니다. 많은 음악적 방향과 장르가 이곳에서 활발히 발전했으며 그 요소는 유명한 재즈맨의 작품에 포함되었습니다. 다른 그룹은 자체 음악 방향을 개발했으며 아프리카 계 미국인은 블루스 멜로디, 래그 타임 및 고유 한 전통의 조합에서 아날로그가 없는 새로운 예술을 만들었습니다. 최초의 재즈 레코드는 재즈 예술의 기원과 발전에 있어 뉴올리언스의 특권을 확인시켜줍니다.

딕시랜드

(Country Dixie) - 전통 재즈의 한 종류인 미국 남부 주의 구어체 지정.

대부분의 블루스 가수, 부기우기 피아니스트, 래그타임 연주자 및 재즈 밴드는 남부에서 시카고로 건너왔고 곧 Dixieland라는 별명을 얻게 될 음악을 가져왔습니다.

딕시랜드- 가장 넓은 명칭 음악적 스타일 1917-1923년에 레코드를 녹음한 최초의 뉴올리언스 및 시카고 재즈 뮤지션.

일부 역사가들은 딕시랜드를 백인 뉴올리언스 스타일 밴드의 음악으로만 언급합니다.

Dixieland 음악가들은 고전적인 뉴올리언스 재즈의 부활을 추구했습니다.

이러한 시도는 성공적이었습니다.

부기 우기

흑인 기악의 초기 변종 중 하나인 피아노 블루스 스타일.

광범위한 청중에게 매우 접근하기 쉬운 스타일.

완전한 소리 부기우기 스타일 20세기 초에 "홍키통크"와 같은 저렴한 카페에서 오케스트라 대신 피아니스트를 고용해야 할 필요성 때문에 등장했습니다. 전체 오케스트라를 대체하기 위해 피아니스트들은 리드미컬하게 연주하는 다양한 방법을 발명했습니다.

특징: 즉흥 연주, 기술적 기교, 특정 유형의 반주 - 왼손 부분의 모터 오스티나토 형상, 베이스와 멜로디 사이의 간격(최대 2-3옥타브), 리드미컬한 움직임의 연속성, 페달 사용 거부.

고전 부기 우기의 대표자: Romeo Nelson, Arthur Montana Taylor, Charles Avery, Mid Lux ​​Lewis, Jimmy Yankee.

포크 블루스

주로 도시에 존재하는 클래식 블루스와 대조적으로 미국 흑인 인구의 시골 민속에 기초한 고풍스러운 어쿠스틱 블루스.

포크 블루스- 이것은 일반적으로 전기 악기가 아닌 일종의 블루스입니다. 다양한 연주 및 음악 스타일을 다루며 만돌린, 밴조, 하모니카 및 기타 비전기 저그 밴드(예: 수제) 악기로 연주하는 소박하고 단순한 음악을 포함할 수 있습니다. . 한마디로 인민이, 인민을 위해 연주하는 진정한 민속음악이다.

포크 블루스에는 Blind Lemon Jefferson, Charlie Patton, Alger Alexander보다 영향력 있는 가수가 있습니다.

영혼

(말 그대로 - 영혼); 미국 흑인들의 컬트 음악에서 발전하여 리듬 앤 블루스의 많은 요소를 차용한 20세기 60년대의 가장 대중적인 음악 스타일.

소울 음악에는 여러 방향이 있으며, 그 중 가장 중요한 것은 소위 "멤피스"와 "디트로이트" 소울과 주로 유럽 음악가에게 고유한 "백색" 소울입니다.

펑키 재즈

이 용어는 20세기 50년대 재즈에서 태어났습니다. "funk" 스타일은 "soul" 음악의 직접적인 연속입니다. 리듬 앤 블루스의 한 형태.

나중에 "펑크" 음악이라고 불리는 것의 첫 번째 연주자는 50년대 후반과 60년대 초반에 보다 활기차고 특정한 유형의 재즈를 연주한 재즈맨이었습니다.

펑크는 무엇보다도 댄스 음악으로 음악적 특징을 결정짓습니다.

펑크는 리듬 섹션을 전면에 내세우고 날카롭게 싱코프된 베이스 기타 파트, 구성의 멜로디 테마 기반인 오스티나토 리프, 일렉트로닉 사운드, 신나는 보컬, 빠른 음악 속도가 특징입니다.

James Brown과 George Clinton은 PARLAMENT/FUNKDEIC와 함께 실험적인 펑크 학교를 만들었습니다.

클래식 펑크 녹음은 1960년대와 1970년대로 거슬러 올라갑니다.

무료 펑크

무료 펑크- 펑크 리듬과 전위적인 재즈의 혼합.

Ornette Coleman이 Prime Time을 결성했을 때, 결과는 자유로운 키로 음악을 연주하지만 기이한 펑크 리듬으로 음악을 연주하는 "더블 콰르텟"(2명의 기타리스트, 2명의 베이시스트, 2명의 드러머, 그리고 그의 비올라로 구성)이 되었습니다. Coleman의 밴드의 세 멤버(기타리스트 James Blood Ulmer, 베이시스트 Jamaaladin Takuma, 드러머 Ronald Shannon Jackson)는 나중에 자신의 프리펑크 프로젝트를 조직했으며 프리펑크는 비올리스트 Steve Coleman과 Greg를 포함한 m베이스 연주자의 주요 영향이었습니다. 오스비.
그네

밥- 20세기 중반 40년대 중반까지 발전한 재즈 스타일로 멜로디가 아닌 하모니를 기반으로 한 빠른 속도와 복잡한 즉흥 연주가 특징입니다. 비밥은 재즈에 혁명을 일으켰습니다. boper는 음악이 무엇인지에 대한 새로운 아이디어를 만들었습니다.

비밥 단계는 멜로디 기반의 댄스 음악에서 보다 리듬 기반의 덜 인기 있는 "음악가 음악"으로 재즈의 강조점이 크게 바뀌는 단계였습니다. 밥 음악가들은 멜로디 대신 코드 스트러밍에 기반한 복잡한 즉흥 연주를 선호했습니다.

Bebop은 빠르고 날카로웠으며 "경청자에게 엄격했습니다".

재즈 프로그레시브

비밥의 등장과 함께 재즈 환경에서 프로그레시브 재즈라는 새로운 장르가 발전하고 있다. 이 장르의 가장 큰 차이점은 빅 밴드의 고정된 진부함과 이른바 구식 기술에서 벗어나고자 하는 열망입니다. 심포닉 재즈.

프로그레시브 재즈 음악가들은 스윙 프레이즈 모델을 업데이트하고 개선하기 위해 노력했으며, 작곡의 실천에 음조와 조화 분야에서 유럽 교향곡의 최신 성과를 도입했습니다. "진보"의 발전에 가장 큰 공헌을 한 사람은 Stan Kenton입니다. 그의 첫 오케스트라가 연주하는 음악의 소리는 Sergei Rachmaninov의 스타일에 가까웠고 작곡은 낭만주의의 특징을 지니고 있습니다.

일련의 녹음 된 앨범 "Artistry", "Miles 앞서", "스페인어 그림"은 진보적 인 예술 발전의 일종의 신조로 간주 될 수 있습니다.

(멋진 재즈)은 스윙과 밥의 발전을 바탕으로 20세기 40~50년대에 형성된 모던 재즈 스타일의 하나이다.

최초의 비밥 연주자 중 한 명인 트럼펫 연주자 Miles Davis는 이 장르의 혁신가가 되었습니다.

쿨 재즈는 가볍고 "건조한"음색, 느린 움직임, 공간의 환상을 만드는 얼어 붙은 조화와 같은 특징이 있습니다. 불협화음도 특정 역할을 했지만 동시에 부드럽고 흐릿한 성격에서 달랐습니다.

색소폰 연주자 Lester Young은 처음으로 "쿨"이라는 용어를 만들었습니다.

대부분 유명한 음악가쿨라 - 데이브 브루벡, 스탠 게츠, 조지 시어링, 밀트 잭슨, "쇼티" 로저스 .
주류

(문자 그대로 - 주류); 연주자들이 이 스타일로 확립된 진부한 표현을 피하고 흑인 재즈의 전통을 계속 이어가며 즉흥적 요소를 도입한 스윙의 특정 기간과 관련된 용어입니다.

메인스트림은 단순하지만 표현력이 풍부한 멜로디 라인, 전통적인 하모니, 뚜렷한 추진력이 있는 명확한 리듬이 특징입니다.초기 하드 밥의 특징은 강한 악센트가 있는 리드미컬한 반주의 우세, 억양과 하모니에서 블루스 요소의 강화, 즉흥 연주에서 보컬 원리를 드러내는 경향, 음악 언어의 일부 단순화입니다.

하드 밥의 주요 대표자는 대부분 흑인 음악가입니다.

Art Blakey의 5중주 JAZZ MESSENGERS(1954)는 레코드에 녹음한 이 스타일의 첫 번째 앙상블이었습니다.

기타 주요 음악가: John Coltrane, Sonia Rollins, Henk Mobley, Max Roach…

(말 그대로 융합, 융합) 유럽의 학술 음악과 비유럽 민요의 요소가 결합된 재즈-록을 기반으로 탄생한 모던한 스타일의 디렉션이다. 재즈와 팝, 록의 퓨전에서 출발하여 1960년대 후반 재즈-록이라는 이름으로 음악 장르로서의 퓨전이 등장했다.

상상력과 뛰어난 음악성으로 도입된 혁신 중에는 음악이 어떤 방향으로든 움직일 수 있도록 코드 진행을 포기한 것이 있습니다.

또 다른 변화는 스윙이 재정의되거나 완전히 무시된 리듬 영역에 있습니다. 맥동, 미터는 더 이상 재즈를 읽는 데 필수적인 요소가 아닙니다.

프리 재즈는 오늘날에도 실행 가능한 표현 형태로 계속 존재하며, 사실 더 이상 그 기원의 새벽에 인식되었던 것처럼 논쟁의 여지가 있는 스타일이 아닙니다.

라틴 리듬 요소의 연결은 거의 처음부터 뉴올리언스에서 시작된 문화의 혼합에서 나타났습니다. 재즈의 음악적 라틴 영향은 라틴 아메리카 출신의 일류 즉흥 연주자가 있는 오케스트라와 그룹뿐만 아니라 지역 및 라틴 연주자를 결합하여 가장 흥미진진한 무대 음악의 예를 만들어 냈습니다.

1950년대와 60년대에는 라틴 리듬(주로 보사노바)이 삼바의 브라질 요소와 합성되었습니다. Joao Gilberto와 Antonio Carlos Jobim이 발견한 이 스타일은 하드 밥과 프리 재즈의 대안이 되었습니다.

라틴 재즈의 폴리 리듬 음악의 더 춤을 출 수 있는 특성은 이 스타일의 팬들의 청중을 크게 확장했습니다.재능을 개발하는 방법과 표현 수단이 오늘날 장려되고 있는 다양한 재즈 장르의 결합된 노력으로 인해 예측할 수 없기 때문에 재즈의 추가 발전 가능성은 현재 상당히 큽니다.

주류 -리딩, 20세기 30년대에 등장한 재즈 그룹의 리더들 사이에 등장한 메인 재즈 스타일. 대부분이 빅 밴드였다. 최고의 재즈 뮤지션들이 재즈를 연주하기 위해 다양한 클럽에서 잼을 하곤 했습니다. 소수의 선두 재즈맨들이 연주하고 스튜디오에서 녹음한 이 클럽 재즈는 주류로 알려지게 되었습니다. 이것은 혁신이 없는 전통적인 재즈입니다. 아방가르드 재즈가 시작된 후 주류는 20세기의 70~80년대에만 새로운 품질로 부활했습니다. 오늘날 모던 메인스트림은 전통적인 재즈와는 거리가 먼 모던 재즈 음악을 일컫는다.

재즈 음악캔자스시 1920년대와 1930년대에 개발되었다. 당시는 미국의 경제 위기, 이른바 대공황의 시기였습니다. 이것은 소위 "어반 블루스"라고 불리는 뚜렷한 블루스 색상이 있는 재즈 스타일입니다. 이 스타일의 가장 밝은 대표자는 Walter Page와 Benny Moten, 보컬리스트 Jimmy Rushing, 알토 색소폰 연주자 Charlie Parker의 오케스트라에서 재즈맨으로 경력을 시작한 Count Basie였습니다.

쿨 재즈(쿨 재즈) 1940년대와 1950년대에 형성되었습니다. 이것은 초기 재즈의 특징인 압박감과 약간의 공격성이 없는 보다 미묘한 즉흥 연주가 있는 부드럽고 서정적인 재즈 음악입니다. 쿨 재즈의 대표자는 색소폰 연주자 Lester Young, 트럼펫 연주자 Miles Davis, 트럼펫 연주자 Chit Baker, 재즈 피아니스트 George Shearing, Dave Brubeck, Leni Tristano입니다. 멋진 재즈 스타일의 마스터는 놀라운 비브라폰 연주자 Milt Jackson, 색소폰 마스터 Stan Getz, Paul Desmond였습니다. 스타일을 형성하는 데 중요한 역할은 멜로디스트이자 편곡가인 Ted Dameron, Claude Thornhill, Gil Evans가 담당했습니다.

웨스트 코스트 재즈로스 앤젤레스에서 20 세기의 50 년대에 나타났습니다. 설립자는 유명한 재즈 노넷 Miles Davis의 음악가입니다. 이 스타일은 쿨 재즈보다 더 부드럽습니다. 절대적으로 공격적이고 차분하며 선율적인 음악은 아니지만 즉흥 연주를 위한 거대한 공간이 있습니다. 저명한 웨스트 코스트 재즈 연주자는 Shorty Rogers(트럼펫), Art Pepper, Bud Shenk(색소폰), Shelley Maine(드럼), Jimmy Joffrey(클라리넷)였습니다.

프로그레시브 재즈 1940년대 말경에 형성되었다. 이것은 대부분 실험적인 재즈, 유럽 작곡가의 교향곡적 성취에 초점을 맞춘 음악이며, 음조와 하모니 분야의 실험입니다. 이 스타일의 재즈 음악을 추종하는 사람들은 전통적인 재즈의 딱딱한 기법에서 패턴에서 멀어지는 경향이 있습니다. 그들은 재즈에서 새로운 형태의 스윙을 찾고 적용하는 데 중점을 둡니다. 즉, 다양한 악기로 음악을 연주하는 특정 기법, 다음성 및 리듬 변화입니다. 이 스타일의 발전은 전체 시리즈의 앨범 "Artistry"를 녹음한 피아니스트 Stan Kenton과 그의 오케스트라의 이름과 관련이 있습니다. 편곡자 Pete Rugolo, Boyd Ryburn 및 Gil Evans, 드러머 Shelley Maine, 베이시스트 Ed Safransky, 트롬본 연주자 Kay Winding, 가수 June Christie가 프로그레시브 재즈에 큰 공헌을 했습니다. Gil Evans Big Band와 Miles Davis가 이끄는 음악가는 Miles Ahead, Porgy and Bess, Spanish Drawing과 같은 스타일의 전체 음악 앨범을 녹음했습니다.

모달 재즈 1950년대에 등장했다. 그 모습은 트럼펫 연주자 Miles Davis와 테너 색소폰 연주자 John Coltrane과 같은 실험적인 음악가의 이름과 관련이 있습니다. 이 음악가들은 재즈 멜로디를 만들고 코드를 대체하는 기초가 된 클래식 음악에서 특정 모드를 차용했습니다. 이 재즈 스타일은 음악에 특별한 긴장감을 주는 음조, 아프리카, 인도, 아랍 및 기타 음계의 사용, 규칙성 및 템포의 불변성을 특징으로 합니다. 음악은 프렛 사용을 기반으로 한 멜로디에만 의존하기 시작했습니다.

소울 재즈 1950년대에 등장했다. 소울 재즈는 오르간을 중심 악기로 선택했습니다. 소울 재즈는 블루스와 가스펠을 기반으로 합니다. 이 스타일의 재즈는 특별한 감성, 열정, 빠른 리듬의 사용 및 흥미진진한 음악적 전환, 베이스 인물로 구별됩니다. 이 음악을 듣는 관객들은 확실히 특별한 통일감을 느꼈습니다. 이 스타일은 완전 반대블루스의 슬픈 베이스에 안개가 자욱하고 서정적인 쿨 재즈. 이 스타일의 오르간 스타는 Jimmy McGriff, Charles Erland, Richard "Grove" Holmes, Les McCain, Donald Patterson, Jack McDuff 및 Jimmy "Hammond" Smith였습니다. 소울 재즈 음악을 연주한 음악가들은 트리오나 4중주를 구성했지만 그 이상은 아니었다. 테너 색소폰은 소울 재즈에서 똑같이 중요한 역할을 했습니다. 저명한 색소포니스트에는 Gene Emmons, Eddie Harris, Stanley Turrentine, Eddie "Tetanus" Davis, Houston Person, Hank Crawford, David "Dump" Newman이 있습니다. 소울 재즈는 소울 음악과 유사하지 않습니다. 가스펠과 비밥의 소울 재즈와 리듬 앤 블루스의 소울 음악과 같이 다양한 음악적 방향에서 시작된 음악 스타일은 1960년대에야 정점에 달했습니다.

홈소울 재즈의 한 형태가 되었다. 이 재즈 스타일은 종종 펑키 재즈. 이 스타일은 밝은 댄스 리듬(느리거나 빠름), 서정성, 멜로디의 긍정성으로 구별되며 여기에는 블루스 색조가 있습니다. 만드는 긍정적인 음악입니다. 좋은 분위기관객들에게 가만히 있지 말고 신나는 리듬에 맞춰 움직이라고 촉구한다. 스타일은 즉흥 연주에 낯설지 않지만 집단 사운드에서 두드러지지는 않습니다. 오르간 마스터 Richard "Groove" Holmes와 Shirley Scott, Gene Emmons(테너 색소폰) 및 Leo Wright(플루트, 알토 색소폰)는 이 스타일의 저명한 음악가가 되었습니다.

무료 재즈("The New Thing")코드 진행에서 완전히 자유로운 매우 유연한 음악 형식을 찾는 것을 가능하게 하는 실험의 결과로 20세기의 50년대 후반에 나타났습니다. 게다가 뮤지션들은 스윙을 무시했다. 리듬의 진정한 혁명은 그때까지 재즈 리듬의 기초였던 맥동, 박자 및 그루브에 대한 무관심이었습니다. 이 스타일에서는 보조가 되었습니다. 프리 재즈는 일반적인 음조 시스템을 버리고이 스타일의 음악은 무조입니다. 프리 재즈의 창시자는 색소폰 연주자 Ornette Coleman과 피아니스트 Cecil Taylor, 그리고 나중에 Sun Ra Arkestra와 The Revolutionary Ensemble입니다.

크리에이티브 재즈아방가르드 재즈의 한 종류입니다. 이 스타일은 다른 많은 스타일과 마찬가지로 20세기의 60~70년대 음악가들의 실험적 활동의 결과로 탄생했습니다. 프리재즈와 크게 다르지 않다. 이 음악에서는 주제와 즉흥 연주를 구별하는 것이 불가능했습니다. 즉흥적 요소가 편곡과 합쳐져 매끄럽게 흘러나옵니다. 솔리스트의 즉흥 연주의 시작과 끝이 어디인지 알 수 없었다. 크리에이티브 재즈의 창시자는 피아니스트 레니 트리스타노(Leni Tristano), 색소폰 연주자 지미 조프리(Jimmy Joffrey), 멜로디스트 군터 슐러(Gunter Schuler)였습니다. 이 스타일은 피아니스트 Paul Blay, Andrew Hill, 색소폰 마스터 Anthony Braxton 및 Sam Rivers 및 시카고 아트 앙상블의 음악가가 연주합니다.

융합(합금) 1960년대 재즈가 대중음악, 락과 연결되기 시작하면서 시작된 재즈 스타일로 소울, 펑크, 리듬 앤 블루스의 영향도 받았다. 처음에는 퓨전이라는 이름이 재즈 록에 적용되었으며 그 중 유명한 대표는 밴드 "Eleventh House", "Lifetime"이었습니다. fjn의 모습은 Mahavishnu Orchestra 및 Weather Report 오케스트라와도 관련이 있습니다. Fusion은 재즈, 스윙, 블루스, 록, 팝 뮤직, 리듬 앤 블루스의 융합입니다. 융합은 스펙타클, 불꽃놀이 다양한 스타일. 밝고 다양하며 가볍고 흥미로운 음악입니다. 퓨전은 여러 면에서 실험적이며 성공적입니다. 이 재즈 스타일의 저명한 음악가는 드러머 Ronald Shannon Jackson, 기타리스트 Pat Metheny, John Scofield, John Abercrombie 및 James "Blood" Ulmer입니다., 색소폰 연주자이자 트럼펫 연주자 Ornette Coleman입니다.

포스트 밥 1960년대 대중음악의 부상과 함께 등장한 재즈 스타일이다. 포스트비팝은 펑크(그루브, 소울) 기반으로 개별 요소라틴 음악. 색소폰 연주자 Joe Henderson, 피아니스트 McCoy Tyner, Dizzy Gillespie, 색소폰 연주자 Wayne Shorter가 포스트밥의 대표자가 되었습니다.

애시드 재즈- 1987년에 등장한 재즈 스타일은 아니다. 비밥, 힙합, 소울, 라틴계의 요소가 얽힌 펑크를 기본으로 했다. 이것은 리듬이 있지만 즉흥 연주가 전혀 없는 영국의 댄스 음악입니다. 이것이 많은 사람들이 재즈 스타일 목록에 애시드 재즈를 포함하지 않는 이유입니다. 그루브 콜렉티브(Groove Collective), 구루(Guru), 제임스 테일러(James Taylor)는 물론 창의성 초기의 메데스키(Medeski), 마틴(Martin), 우드(Wood) 트리오는 애시드 재즈의 대표적 대표주자가 되었다.

부드러운 재즈-이 재즈의 친척은 퓨전 스타일을 기반으로 발생했습니다. Smooth Jazz는 솔로와 즉흥 연주가 부족한 것이 특징입니다. 밴드 전체의 사운드는 개별 멤버의 사운드보다 더 중요합니다. 부드러운 재즈는 신디사이저, 비올라, 색소폰-사프라노, 기타, 베이스 기타 및 드럼에서 연주됩니다. 이 스타일의 대표자는 Chris Botti, Dee Dee Bridgewater, Larry Carlton, Stanley Clark, Al Di Meola, Bob James, Al Jarreau, Diana Krall, Bradley Lighton, Lee Ritenur, Dave Gruzin입니다.

재즈(영어 재즈에 따르면)와 같은 음악 스타일은 20세기 초에 유럽과 아프리카 문화가 병합된 결과로 미국에 등장한 후 전 세계에 퍼진 음악 예술의 한 형태입니다.

재즈는 바로 그 유쾌한 음악, 활기차고 활기차고 끊임없이 발전하는 것으로 "흑인" 대륙 주민들의 신성한 리드미컬한 재능, 다양한 드럼을 연주하는 탁월한 기술, 의식과 교회 성가의 매혹적인 소리를 유지하고 있습니다.

여기에 침례교 또는 개신교의 합창 또는 독주 교회 성가를 추가하면 매우 설명할 수 없는 재즈 음악 칵테일이 형성됩니다.

재즈 음악의 기원은 매우 독특합니다. 그것의 발전은 역동적이고 밝았으며 이것은 세계 음악 예술의 형성에 영향을 미친 독특하고 놀라운 사건을 동반했습니다.

재즈 음악의 특징:

• 실신 리듬에 기반한 특정 폴리리듬;
• 비트는 일정한 펄스로 표시됩니다.
• 스윙에서 비트와 약간의 편차가 있으며 일련의 리드미컬한 질감 기술이 잘 추적됩니다.
• 즉흥 연주의 놀라운 속성;
• 밝고 다채로운 조화와 음색 음악 범위.

재즈의 주요 요소로서의 즉흥 연주

재즈 음악은 즉흥 연주와 이전에 생각했던 음악 멜로디의 조합을 기반으로 하며 반드시 적어야 하는 것은 아닙니다. 앙상블의 여러 음악가조차도 독주자의 독특한 소리에도 불구하고 즉흥 연주에 참여할 수 있습니다. 음악 작곡의 일반적인 예술적 이미지는 앙상블 구성원 간의 상호 작용 및 청중과의 연결에 따라 다릅니다.

리드미컬한 소리의 특별한 표현성과 중요성 외에도 아프리카의 뿌리는 이 음악적 방향과 다음과 같은 기타 특징을 가져왔습니다. , 기타, 피아노 또는 다양한 타악기를 연주하는 동안 구어체를 모방합니다.

미래의 재즈 음악의 발전은 음악가들이 점점 더 리드미컬하고 조화롭게 들리는 재즈 모델의 발전으로 인해 일어나기 시작했습니다.

재즈의 역사

위에서 언급했듯이 재즈는 아프리카 문화의 깊이에서 생겨 났으며 아프리카에서 강제로 신대륙 땅으로 가져온 "흑인"대륙 사람들의 음악의 최고의 전통에서 "기른" 값이 싼 노동력그리고 노예가 되었습니다. 종종 그들은 한 특정 부족 출신이 아니었고, 서로의 언어를 알지 못했고, 그들 옆에 사슬로 묶인 “포로로 잡힌 형제”조차 이해할 수 없었습니다. 하지만 살아남기 위해 그들은 서로를 이해하는 법을 배웠고 공통 문화일반 음악 예술을 포함한 전통. 아프리카 멜로디의 연주는 복잡한 리듬의 사용, 특징적인 박수와 발을 구르는 춤 동작이 특징입니다. 그들 모두는 블루스 멜로디와 함께 음악 예술의 새로운 방향의 기초를 형성했습니다.

다른 민족의 문화와 끊임없는 변화와 동화의 대상이 된 아프리카와 유럽 문화 간의 상호 작용의 전체 과정은 18 세기 말에 시작되어 19 세기 내내 계속되었으며 마침내 시작되었습니다. 20세기는 그 당시 음악에서 완전히 새로운 방향의 출현으로 이어졌습니다. 어느 정도 전 세계의 역사는 미국 재즈 출현의 역사와 실질적으로 분리 할 수 ​​​​없습니다.

공식 "탄생"

재즈는 뉴올리언스 시에서 미국 남부의 새로운 음악적 트렌드로 "태어났다". 첫 단계재즈 음악의 발전은 동일한 즉흥 연주가 특징입니다. 작곡트럼펫의 메인 솔리스트, 클라리넷의 음악가, 트롬본의 연주자가 연주합니다. 이 모든 것은 타악기와 함께 행진 음악의 멋진 사운드를 배경으로 합니다.

최초의 재즈 레코드

1917년 2월 26일은 재즈 음악의 발전에서 중요하고 중요한 날짜 중 하나였습니다. 뉴욕시 녹음 스튜디오에 다섯 명의 음악가가 있을 때 전형적인 백인들이 첫 번째 재즈 레코드를 녹음했습니다. 재즈가 탄생하기 전에 재즈와 같은 현상은 지역 음악 민속의 일부로 간주되었으며, 이는 미국 아프리카계 미국인 인구의 제한된 부분의 음악 전통입니다.

이 레코드가 미국 전체에 들린 후(그런데 전설적인 앙상블 "Original Dixieland Jazz Band"였습니다) 이 광대한 나라의 전체 인구는 단순히 이상한 소리에 충격을 받고 기절했습니다. 그때 재즈가 뮤지컬 올림푸스에서 정당한 자리를 차지했고 전 세계에서 승리의 행진을 시작했습니다.

20세기 초반의 재즈

이미 20세기의 20대 초반에 이 특정 스타일의 음악에 내재된 근본적인 특징이 형성되었습니다.

• 이것은 스윙 효과를 만드는 더블 베이스와 타악기의 측정된 맥동입니다.
• 작곡의 거장 연주;
• 사실상 단어가 없는 보컬 즉흥 연주의 특이한 표현.

보컬에서는 개별 음절만 사용되는 경우가 많으며, 이른바 "스카트(skat)"는 실질적으로 의미론적 부하 없이 목소리가 특정 악기로 작용하는 음악 기법입니다.

재즈의 블루스와 스윙

블루스 사운드는 재즈 음악에서도 중요한 위치를 차지합니다. 이미 더 후기이것의 개발 음악 장르뉴올리언스와 시카고의 이 두 단계는 "Dixieland"라는 일반적인 이름으로 불렸습니다.

지난 세기의 20년대에는 미국 재즈에 '스윙'이라는 완전한 체계가 형성되었는데, 이른바 빅밴드라는 새로운 형태의 오케스트라가 결성된 것이 특징이다. 앙상블의 음악가 수의 증가로 인해 더 이상 집단 즉흥 연주를 만들 수 없었고 음표에 녹음된 음악 작업의 배열로 전환해야 했습니다. 그리하여 특별한 작곡가의 기량을 드러내는 편곡의 형성이 시작된 것이다.

빅 밴드

빅 밴드와 같은 음악 앙상블에는 일반적인 다성 악기처럼 개별적으로 들릴 수 있는 특정 섹션과 같은 세 가지 악기 그룹이 포함됩니다.

1. 색소폰 섹션(나중에 클라리넷 섹션이 됨);
2. 소위 "황동" 부분(트럼펫과 트롬본 사용);
3. 리듬 섹션(피아노, 기타, 더블 베이스 및 타악기).

독주

동시에 "코러스" 또는 "정사각형"의 원칙에 따라 솔로 즉흥 연주가 발생했는데, 이는 배경에 대해 연주되는 음악 작품의 주요 주제와 함께 지속 시간, 즉 마디 수에서 동일한 변형입니다. 같은 화음 반주. 음악가이자 즉흥 연주자가 그의 새로운 멜로디 구절을 조정하는 것은 바로 그 사람입니다.

재즈 30년대

지난 세기의 30년대에는 미국 재즈가 점점 더 인기를 얻으면서 32소절의 음악적 연주가 매우 보편화되었습니다. 스윙에서는 솔로이스트의 음악적 즉흥 연주 전반에 걸쳐 음악가가 반복하는 2 또는 4소절의 구인 소위 "리프"가 인기를 얻었습니다.

그러한 최초의 재즈 앙상블 중 하나는 재즈 마스터 Glenn Miller, Duke Ellington, Fletcher Henderson, Count Basie 및 Benny Goodman이 지휘한 유명한 오케스트라였습니다. 그의 작품에서 지난 세기의 40 년대 Duke Ellington은 흑인과 라틴 아메리카 음악 민속의 큰 순환 형태의 전통을 기반으로했습니다.

이미 20세기의 30년대에 미국의 재즈는 상업의 궤도에 올라섰습니다. 매우 인기 있는 것이 더 잘 팔리기 때문입니다. 그런 다음 재즈의 진정한 연인이자 감정가 사이에서 시작 초기에 재즈 이상을 옹호하는 전체 운동이 나타났습니다.

비밥 앤 밥

이 운동의 승리에 큰 역할을 한 것은 40년대 흑인 밴드였습니다. 그들은 멜로디, 팝 및 노래의 춤 가능성과 같은 인기의 모든 추가 속성을 작업에서 폐기했습니다. 음악 테마 자체는 거의 일치하여 거의 원래 형태로 연주되었으며 댄스 구성 요소는 완전히 폐기되었습니다.

이 스타일의 재즈 연주는 이 방향의 발전에 있어 절대적으로 새로운 이정표가 되었으며 "비밥" 또는 "밥"이라고 불렸습니다. Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk와 같은 재능 있는 재즈 뮤지션과 연주자들은 이 방향으로 음악적 실험을 과감하게 수행했습니다. 시간이 지남에 따라 이것은 결실을 맺어 우리 시대에 재즈 팝 및 댄스 스타일과 매우 멀리 연결되어 있는 완전히 새로운 유형의 음악 예술 형성을 위한 토대를 마련했습니다.

20세기의 40년대 후반에서 60년대 중반에 음악의 문체적 방향으로서 재즈의 발전은 두 가지 다른 방향으로 진행되었습니다.

첫 번째 방향은 "cool"(영어에서 멋진) 및 "west coast"(영어에서)와 같은 스타일로 구성됩니다. 서해안), 콘서트 공연이나 다성음악과 같은 진지한 성격의 클래식 음악과 현대 음악을 모두 즐길 수 있는 능력 등의 특징을 갖고 있다.

두 번째 디렉션은 "hardbop"(English hot, energy)의 스타일로 구성되어 있으며 공연 방식인 "soul-jazz"(English soul)에 가깝고 비밥의 기본과 좋은 전통을 결합합니다. 오래된 흑인 민속, 소위 영적이라고 불리는 미국 흑인의 종교적 성가의 선동적인 리듬과 멜로디.

이 두 주류는 반드시 "사각형"으로 나뉘지 않고 자유롭게 즉흥 연주하려는 열망과 서로 다른 박자를 휘두르는 것을 특히 좋아하는 등 많은 유사점을 가지고 있습니다.

재즈 발전의 60년대

60년대 초에는 특정 작곡에 구속되는 형태로도 경계와 제약이 없는 즉흥 연주 분야에서 재즈에서 활발한 실험적 행위가 시작되었으며, 이러한 실험을 프리재즈(Freejazz)라고 불렀다.

모달 원리는 재즈 음악의 연주자와 음악가들 사이에서 점점 더 인기를 얻고 있으며, 이는 "사각형"으로의 명확한 구분이 아니라 음역의 지속적인 선택을 의미합니다.

이러한 사운드 시퀀스를 찾기 위해 음악가는 아시아, 아프리카 민족의 문화, 유럽 국가의 음악적 유산 및 기타 장소에서 해당 사운드 시퀀스를 찾습니다.

퓨전

70년대가 오면 일렉트릭 기타의 시대가 도래하고 이전보다 더 미세한 비트 분할을 기반으로 한 유스 록 음악의 방향성이 발전한다. 이 스타일의 음악을 Fusion(영어 퓨전-합금에서 유래)이라고 합니다.

재즈를 들어라!

따라서 재즈 음악 형성의 역사는 목표를 향한 어렵고 가시적인 길에 관한 전체 역사적 사가라는 것이 밝혀졌습니다. 개인을 하나의 전체로 묶는 것, 타인의 비난과 인정을 두려워하지 않고 앞으로 나아가고 과감하게 실험하게 만드는 것입니다. 그것 놀라운 이야기사람들이 평생 동안 가지고 다니는 음악에 대한 큰 사랑.

모든 것이 이제 막 시작되었기 때문에 완전히 새로운 음악 스타일과 트렌드 형성의 증인이 되는 것은 재즈 뮤지션의 대담하고 어지러운 실험에 큰 기쁨을 느끼고 변함없이 놀라는 일입니다!

재즈세계 음악 문화에서 독특한 현상입니다. 이 다면적 예술 형식은 미국에서 세기의 전환기(XIX 및 XX)에 시작되었습니다. 재즈 음악은 세계 두 지역의 경향과 형식이 융합된 일종의 유럽과 아프리카 문화의 아이디어가 되었습니다. 그 후 재즈는 미국을 넘어 거의 모든 곳에서 인기를 얻었습니다. 이 음악은 아프리카 민요, 리듬 및 스타일을 기반으로 합니다. 재즈의 이러한 방향의 발전의 역사에서 리듬과 화성의 새로운 모델이 마스터되면서 등장한 많은 형식과 형식이 알려져 있습니다.

재즈의 특징

두 가지 음악 문화의 합성은 재즈를 세계 예술에서 근본적으로 새로운 현상으로 만들었습니다. 이 새로운 음악의 구체적인 특징은 다음과 같습니다.

• 폴리리듬을 생성하는 Syncopated 리듬.
• 음악의 리드미컬한 맥동 - 비트.
• 비트 편차 콤플렉스 - 스윙.
• 작곡에서 끊임없는 즉흥 연주.
• 풍부한 하모닉스, 리듬 및 음색.

특히 개발 초기 단계에서 재즈의 기초는 잘 고안된 형식과 결합된 즉흥 연주였습니다(동시에 작곡 형식이 반드시 어딘가에 고정되어 있지는 않았습니다). 그리고 아프리카 음악에서 이 새로운 스타일은 다음과 같은 특징을 가졌습니다.

• 각 악기를 타악기로 이해하기.
• 작곡의 인기 구어체 억양.
• 악기를 연주할 때 대화의 유사한 모방.

일반적으로 재즈의 모든 영역은 고유한 지역적 특징으로 구별되므로 역사적 발전의 맥락에서 고려하는 것이 논리적입니다.

재즈의 등장, 래그타임(1880-1910년대)

재즈는 18세기에 아프리카에서 미국으로 건너온 흑인 노예들 사이에서 시작되었다고 믿어집니다. 사로잡힌 아프리카인들은 한 부족으로 대표되지 않았기 때문에 그들은 상호 언어신세계의 친척들과 함께. 이러한 통합은 미국에서 음악 문화도 포함하는 통합된 아프리카 문화의 출현으로 이어졌습니다. 결과적으로 최초의 재즈 음악이 등장한 것은 1880년대와 1890년대가 되어서였습니다. 이 스타일은 대중적인 댄스 음악에 대한 세계적인 수요에 의해 주도되었습니다. 아프리카의 음악 예술은 이러한 리드미컬한 춤으로 가득 차 있었기 때문에 새로운 방향성이 탄생한 것이다. 귀족을 마스터 할 기회가 없었던 수천 명의 중산층 미국인 고전 무용, 래그타임 스타일로 피아노에 맞춰 춤을 추기 시작했다. Ragtime은 몇 가지 미래 재즈 기반을 음악으로 가져왔습니다. 따라서이 스타일의 주요 대표자 인 Scott Joplin은 "3 대 4"(각각 3 및 4 단위의 리듬 패턴 교차 사운드) 요소의 저자입니다.

뉴올리언스(1910-1920년대)

클래식 재즈는 20세기 초 미국 남부, 특히 뉴올리언스에서 나타났습니다(노예 무역이 남부에서 널리 퍼졌기 때문에 논리적입니다).

아프리카와 크리올 오케스트라가 이곳에서 연주했으며 래그타임, 블루스, 흑인 노동자의 노래의 영향으로 음악을 만들었습니다. 군악대의 많은 악기의 도시에 등장한 후 아마추어 그룹도 등장하기 시작했습니다. 전설적인 뉴올리언스 음악가이자 자신의 오케스트라 창립자인 King Oliver도 독학으로 배웠습니다. 재즈의 역사에서 중요한 날짜는 1917년 2월 26일, Original Dixieland Jazz Band가 자체 축음기 레코드를 발표한 때였습니다. 스타일의 주요 특징은 또한 뉴올리언스에 있었습니다: 타악기의 비트, 훌륭한 솔로, 음절이 있는 보컬 즉흥 연주 - scat.

시카고 (1910-1920년대)

1920년대, 고전으로 "광란의 20년대"라고 불리는 재즈 음악은 점차 대중 문화, "부끄러운" 및 "음란한" 칭호를 잃는다. 오케스트라는 레스토랑에서 공연을 시작하고 남부 주에서 미국의 다른 지역으로 이동합니다. 시카고는 음악가의 무료 야간 공연이 인기를 얻고 있는 북부에서 재즈의 중심지가 되고 있습니다(이러한 쇼 동안에는 즉흥 연주와 타사 솔리스트가 자주 있었습니다). 더 복잡한 편곡이 음악 스타일에 나타납니다. 이 시대의 재즈 아이콘은 뉴올리언스에서 시카고로 이주한 루이 암스트롱이었습니다. 그 후 두 도시의 스타일이 하나의 재즈 음악 장르인 Dixieland로 결합되기 시작했습니다. 이 스타일의 주요 특징은 집단적 즉흥 연주로 재즈의 주요 아이디어를 절대적으로 높였습니다.

스윙과 빅밴드(1930년대-1940년대)

재즈의 인기가 더욱 높아짐에 따라 춤을 출 수 있는 곡을 연주할 대규모 오케스트라에 대한 수요가 발생했습니다. 이것은 리듬에서 양방향으로 특징적인 편차를 나타내는 스윙이 나타나는 방식입니다. 스윙은 그 당시의 주요 문체 방향이되어 오케스트라 작업에서 나타납니다. 가느다란 무용 작곡을 실행하려면 오케스트라의 보다 조화로운 연주가 필요했습니다. 재즈 음악가들은 즉흥 연주 없이(솔리스트 제외) 균등하게 참여해야 했기 때문에 Dixieland의 집단 즉흥 연주는 과거의 일이 되었습니다. 1930년대에는 빅 밴드라고 불리는 그러한 그룹이 번성했습니다. 특징그 시간의 오케스트라는 악기 그룹, 섹션의 경쟁입니다. 전통적으로 색소폰, 트럼펫, 드럼의 세 가지가 있었습니다. 가장 유명한 재즈 뮤지션과 오케스트라는 Glenn Miller, Benny Goodman, Duke Ellington입니다. 후자의 음악가는 흑인 민속에 대한 헌신으로 유명합니다.

비밥(1940년대)

스윙이 초기 재즈의 전통, 특히 고전적인 아프리카 멜로디와 스타일에서 벗어나는 것은 역사 애호가들 사이에서 불만을 불러일으켰습니다. 점점 대중을 위해 일하게 된 빅 밴드와 스윙 연주자들은 소규모 흑인 앙상블의 재즈 음악에 반대하기 시작했습니다. 실험자들은 초고속 멜로디를 도입하고 긴 즉흥 연주, 복잡한 리듬 및 독주 악기의 숙달을 되찾았습니다. 독점적으로 자리 잡은 새로운 스타일은 비밥이라고 불리기 시작했습니다. 찰리 파커(Charlie Parker)와 디지 길레스피(Dizzy Gillespie)와 같은 터무니없는 재즈 뮤지션들이 이 시대의 아이콘이 되었습니다. 재즈의 상업화에 대한 흑인 미국인들의 반란, 이 음악으로 돌아가고자 하는 열망과 친밀함과 독특함이 요점이 되었다. 이 순간부터 이 스타일에서 모던 재즈의 역사가 시작됩니다. 동시에 빅 밴드의 리더들은 큰 홀에서 쉬고 싶어 작은 오케스트라에 온다. 콤보라는 앙상블에서 그러한 음악가는 스윙 스타일을 고수했지만 즉흥 연주의 자유가 주어졌습니다.

쿨 재즈, 하드 밥, 소울 재즈 및 재즈 펑크(1940s-1960s)

1950년대에 재즈와 같은 음악 장르는 두 가지 반대 방향으로 발전하기 시작했습니다. 클래식 음악의 지지자들은 "쿨링" 비밥, 학문적 음악, 동시성, 편곡을 패션계로 되돌려 놓았습니다. 쿨 재즈는 절제, 건조함, 우울함으로 유명해졌습니다. 이 재즈 트렌드의 주요 대표자는 Miles Davis, Chet Baker, Dave Brubeck입니다. 그러나 두 번째 방향은 반대로 비밥의 아이디어를 발전시키기 시작했습니다. 하드 밥 스타일은 흑인 음악의 기원으로 돌아가는 아이디어를 설교했습니다. 전통적인 민속 멜로디, 밝고 공격적인 리듬, 폭발적인 솔로 및 즉흥 연주가 유행으로 돌아왔습니다. 하드 밥 스타일로 Art Blakey, Sonny Rollins, John Coltrane이 알려져 있습니다. 이 스타일은 소울 재즈 및 재즈 펑크와 함께 유기적으로 발전했습니다. 이러한 스타일은 블루스에 접근하여 리드미컬한 연주를 핵심 요소로 만들었습니다. 특히 재즈 펑크는 Richard Holmes와 Shirley Scott에 의해 소개되었습니다.

무료 음악(1960년대-현재)

1950년대 중반의 "재즈 르네상스" 이후, 이 스타일이 다른 스타일의 음악을 따라잡으면서 일종의 재즈의 해방이 있었습니다. 새로운 즉흥 연주, 새로운 장르를 찾기 위한 실험이 수행되었습니다(퓨전 - 록 음악과의 결합 - 재즈 록 및 팝 음악 - 재즈 팝, 프리 재즈 - 톤 및 리듬 조절 거부). 새로운 음악의 제작자는 Ornette Coleman, Cecil Taylor, Pat Metheny, Wayne Shorter, Lee Reitnaur였습니다. 재즈는 또한 소련과 나중에 CIS에서 발전했으며 주요 대표자는 Valentin Parnakh(이 나라 최초의 오케스트라 창시자), Alexander Varlamov, Oleg Lundstrem, Konstantin Orbelyan이었습니다. 에 현대 세계이러한 실험은 재즈 음악에서 계속되고, 완전히 새로운 스타일이 만들어지고 새로운 문화가 산재되고 다른 스타일이 혼합됩니다. 이제 Mats Gustafson, Evan Parker, Benny Green, Chick Corea, Elvin Jones와 같은 재능이 개발되고 있습니다.

19세기와 20세기의 전환기에 음악의 장르는 어떻게 발전하였습니까? 유럽과 아프리카의 두 가지 음악 문화 요소의 합성 결과. 아프리카 요소 중 폴리 리듬, 주요 동기의 반복 반복, 보컬 표현, 즉흥 연주는 일반적인 형태의 흑인 음악 민속과 함께 재즈에 침투했습니다. 의식 춤, 작업 노래, 영적 및 블루스.

단어 재즈, 처음에 "재즈 밴드", 20세기 10년대 중반에 사용되기 시작했습니다. 남부 주에서는 블루스, 래그타임 및 인기 있는 유럽 노래를 주제로 집단 즉흥 연주 과정에서 소규모 뉴올리언스 앙상블(트럼펫, 클라리넷, 트롬본, 밴조, 튜바 또는 더블 베이스, 타악기 및 피아노로 구성)이 만든 음악을 참조합니다. 그리고 춤.

친해지려면 듣고 세자리아 에보라, 및, 및 기타 여러 가지가 있습니다.

그래서 무엇입니까 애시드 재즈? 재즈, 70년대 펑크, 힙합, 소울, 기타 스타일의 요소가 내장된 펑키한 음악 스타일입니다. 샘플링할 수 있고 "라이브"할 수 있으며 마지막 두 가지를 혼합할 수 있습니다.

주로, 애시드 재즈텍스트/단어보다 음악에 중점을 둡니다. 이것은 당신을 움직이는 것을 목표로하는 클럽 음악입니다.

스타일의 첫 싱글 애시드 재즈~였다 "프레드릭은 여전히 ​​누워있다", 작가 갈리아노. 커버버전이였어요 커티스 메이필드 프레디의 죽음영화에서 "슈퍼플라이".

스타일의 촉진과 지원에 큰 기여 애시드 재즈도입 질스 피터슨, KISS FM의 DJ였습니다. 그는 처음으로 설립한 사람 중 한 사람이었습니다. 애시드 재즈상표. 80년대 후반 ~ 90년대 초반에는 많은 연주자들이 있었습니다. 애시드 재즈, "라이브" 명령과 같았습니다. , 갈리아노, 자미로콰이, 돈체리및 스튜디오 프로젝트 - PALm 스킨 프로덕션, 몬도 그로쏘, 아웃사이드,그리고 미래통합당.

물론 이것은 재즈 스타일이 아니라 일종의 재즈 기악 앙상블이지만 여전히 "빅 밴드"가 연주하는 재즈는 개별 재즈 연주자의 배경과 배경에 매우 두드러지기 때문에 테이블에 포함되었습니다. 소그룹.
빅 밴드의 음악가 수는 일반적으로 10명에서 17명 사이입니다.
1920년대 후반에 결성되어 세 개의 오케스트라 그룹: 색소폰 - 클라리넷(릴) 금관 악기(황동, 파이프와 트롬본의 추가 그룹이 눈에 띄었습니다), 리듬 섹션(리듬 섹션 - 피아노, 더블 베이스, 기타, 타악기). 음악의 전성기 빅 밴드, 1930년대 미국에서 시작된 스윙은 스윙에 대한 대중의 열광의 시기와 관련이 있습니다.

이후 현재까지 빅밴드들이 가장 많이 연주하고 있는 음악을 다른 스타일. 그러나 본질적으로 빅 밴드의 시대는 훨씬 더 일찍 시작되어 19세기 후반의 미국 민스트럴 극장 시대로 거슬러 올라갑니다. 듣다 오리지널 딕시랜드 재즈 밴드, 올리버 왕의 크리올 재즈 밴드, 글렌 밀러 오케스트라, 그리고 그의 오케스트라빅 밴드가 연주하는 재즈의 모든 매력을 감상할 수 있습니다.

20세기 초~중반에 발달하여 모던 재즈의 시대를 연 재즈 스타일. 멜로디보다는 하모니의 변화를 바탕으로 빠른 템포와 복잡한 즉흥 연주가 특징이다.
Parker와 Gillespie는 새로운 즉흥 연주에서 비전문가를 막기 위해 초고속 성능을 도입했습니다. 다른 것들 사이, 순도 검증 각인모든 bebopovtsev는 터무니없는 태도가되었습니다. Dizzy Gillespie의 곡선형 트럼펫, Parker와 Gillespie의 행동, Monk의 우스꽝스러운 모자 등
스윙의 편재성에 대한 반응으로 등장한 비밥은 표현 수단을 사용하는 원칙을 계속 발전시켰지만 동시에 여러 반대 경향을 발견했습니다.

주로 대규모 상업 댄스 밴드의 음악인 스윙과 달리 비밥은 재즈에서 실험적이고 창의적인 방향으로 주로 소규모 앙상블(콤보) 및 그 방향으로 반 상업적인 관행과 관련이 있습니다.
비밥 단계는 대중적인 댄스 음악에서 보다 고도로 예술적, 지적이지만 덜 주류적인 "음악가를 위한 음악"으로 재즈의 초점이 크게 바뀌는 것이었습니다. 밥 음악가들은 멜로디 대신 코드 스트러밍에 기반한 복잡한 즉흥 연주를 선호했습니다.
출생의 주요 개시자는 색소폰 연주자, 트럼펫 연주자, 피아니스트였습니다. 버드 파월그리고 외로운 수도사, 드러머 맥스 로치. 네가 원한다면 비밥, 듣다 , 미셸 르그랑, 조슈아 레드만 엘라스틱 밴드, 얀 가바렉, 모던 재즈 콰르텟.

스윙과 밥의 발전을 바탕으로 20세기 40~50년대에 형성된 모던 재즈 양식의 하나이다. 이 스타일의 기원은 주로 흑인 스윙 색소폰 연주자의 이름과 관련이 있습니다. 엘 영, 그는 뜨거운 재즈의 이상적인 사운드와 반대되는 사운드 추출(소위 Lester 사운드)의 "차가운" 방식을 개발했습니다. 그는 또한 처음으로 "쿨"이라는 용어를 도입했습니다. 또한 쿨 재즈의 전제 조건은 다음과 같은 많은 비밥 뮤지션의 작업에서 찾을 수 있습니다. C. 파커, T. 몽크, M. 데이비스, J. 루이스, M. 잭슨다른 사람.

하지만, 멋진 재즈와 상당한 차이가 있습니다 밥. 이것은 과도한 리드미컬한 표현과 억양의 불안정성을 거부하고 특정한 흑인 색상에 대한 의도적인 강조에서 따랐던 뜨거운 재즈의 전통에서 벗어남으로 나타납니다. 이 스타일로 연주: , Stan Getz, Modern Jazz Quartet, Dave Brubeck, Zoot Sims, Paul Desmond.

70년대 초반부터 록 음악이 점차 쇠퇴하고 록 세계에서 아이디어의 흐름이 줄어들면서 퓨전 음악은 보다 직관적이 되었습니다. 동시에 많은 사람들이 일렉트릭 재즈가 더 상업적이 될 수 있다는 것을 깨닫기 시작했고 프로듀서와 일부 음악가는 판매를 늘리기 위해 이러한 스타일의 조합을 찾기 시작했습니다. 그들은 일반 청취자가 더 쉽게 접근할 수 있는 일종의 재즈를 만드는 데 정말로 성공했습니다. 지난 20년 동안 많은 다른 조합이 나타났으며, 이에 대해 발기인과 홍보 담당자는 " 컨템포러리 재즈팝, 리듬 앤 블루스, 그리고 "월드 뮤직"의 요소와 재즈의 "퓨전"을 설명하는 데 사용됩니다.

그러나 "교차"라는 단어가 더 정확하게는 문제의 본질을 나타냅니다. 크로스오버와 퓨전은 목표를 달성했고 특히 다른 스타일에 질린 사람들 덕분에 재즈 관객을 늘렸습니다. 어떤 경우에는 이 음악에 주의를 기울일 필요가 있지만 일반적으로 재즈 콘텐츠가 0으로 줄어듭니다. 크로스오버 스타일의 예는 (Al Jarreau) 및 보컬 녹음(George Benson)에서 (Kenny G), "스파이로 자이라"그리고 " " . 이 모든 것에는 재즈의 영향이 있지만 그럼에도 불구하고 이 음악은 제럴드 올브라이트, 조지 듀크,색소폰 연주자 빌 에반스, 데이브 그루신,.

딕시랜드- 1917년부터 1923년까지 레코드를 녹음한 최초의 뉴올리언스 및 시카고 재즈 뮤지션의 음악 스타일을 가장 광범위하게 지칭합니다. 이 개념은 또한 New Orleans 재즈의 후속 개발 및 부활 기간으로 확장됩니다. 뉴올리언스 부흥 1930년대 이후에도 계속되었다. 일부 역사가들은 딕시랜드뉴올리언스 재즈 스타일로 연주하는 백인 밴드의 음악에만.

다른 형태의 재즈와 달리 음악가의 곡 레퍼토리 딕시랜드 20세기의 첫 10년 동안 작곡된 동일한 곡 내에서 주제의 끝없는 변형을 제공하며 래그타임, 블루스, 1단계, 2단계, 행진곡 및 대중 음악을 포함하여 상당히 제한적이었습니다. 퍼포먼스 스타일 딕시랜드특징은 개별 목소리가 전체 앙상블의 집합적 즉흥 연주로 복잡하게 얽혀 있다는 것입니다. 솔로를 연 솔리스트와 계속 연주를 이어가던 다른 솔리스트들은 말 그대로 4박자 후렴 형식으로 드럼이 연주하는 마지막 프레이즈까지 나머지 금관악기의 '리핑'에 반대했다. 그 결과 전체 앙상블이 응답했습니다.

이 시대의 주요 대표자는 오리지널 Dixieland 재즈 밴드, Joe King Oliver와 그의 유명한 오케스트라, Sidney Bechet, Kid Ory, Johnny Dodds, Paul Mares, Nick LaRocca, Bix Beiderbecke 및 Jimmy McPartland. Dixieland 음악가들은 본질적으로 과거의 클래식 뉴올리언스 재즈의 부활을 찾고 있었습니다. 이러한 시도는 매우 성공적이었으며 후속 세대 덕분에 오늘날까지 계속되고 있습니다. Dixieland 전통의 첫 번째 부흥은 1940년대에 일어났습니다.
다음은 Dixieland를 연주한 재즈맨 중 일부입니다. Kenny Ball, Lu Watters Yerna Buena 재즈 밴드, 터크 머피스 재즈 밴드.

70 년대 초반부터 재즈 스타일 커뮤니티의 별도 틈새 시장은 독일 회사가 차지했습니다. ECM (현대음악판- Publishing House of Contemporary Music)은 아프리카 계 미국인 재즈에 대한 애착이 아니라 다양한 예술적 과제를 해결할 수있는 능력을 공언 한 음악가 협회의 중심이되었습니다. 특정 스타일이지만 창의적인 즉흥적 프로세스와 일치합니다.

그러나 시간이 지남에 따라 회사의 특정 얼굴이 개발되어이 레이블의 아티스트가 대규모의 뚜렷한 문체 방향으로 분리되었습니다. 레이블 설립자 Manfred Eicher는 다양한 재즈 관용구, 세계 민속 및 새로운 학술 음악을 하나의 인상주의 사운드로 결합하여 이러한 수단을 사용하여 깊이와 철학적 이해를 주장할 수 있었습니다. 삶의 가치.

회사의 오슬로에 기반을 둔 메인 녹음 스튜디오는 분명히 스칸디나비아 음악가 목록에서 주도적인 역할을 하고 있습니다. 먼저 노르웨이 사람들은 얀 가바렉, 테르예 립달, 닐스 페터 몰바에르, 아리드 안데르센, 존 크리스텐슨. 그러나 ECM의 지리는 전 세계를 포괄합니다. 여기 유럽인들이 있다 데이브 홀랜드, 토마스 스탠코, 존 서먼, 에버하르트 웨버, 라이너 브루닝하우스, 미하일 알페린비유럽 문화의 대표자 Egberto Gismonti, Flora Purim, Zakir Hussain, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Anouar Brahem그리고 많은 다른 사람들. 덜 대표하는 것은 미국 군단입니다. 잭 드조네트, 찰스 로이드, 랄프 타우너, 레드맨 듀이, 빌 프리셀, 존 아베크롬비, 레오 스미스. 회사 출판물의 초기 혁명적 충동은 시간이 지남에 따라 신중하게 연마된 사운드 레이어와 함께 명상적으로 분리된 열린 형태의 사운드로 바뀌었습니다.

일부 주류 지지자들은 이 방향의 음악가들이 선택한 길을 거부합니다. 그러나 세계 문화로서의 재즈는 이러한 반대에도 불구하고 발전하고 매우 인상적인 결과를 제공합니다.

쿨 스타일의 세련미와 시원함, 미국 동부 해안의 진보적 합리성과는 대조적으로 50년대 초반 젊은 뮤지션들은 이미 지쳐버린 듯한 비밥 스타일을 계속 발전시켰다. 50년대의 특징인 아프리카계 미국인의 자기 인식의 성장은 이러한 추세에 중요한 역할을 했습니다. 아프리카계 미국인 즉흥적 전통을 충실히 유지하는 데 다시 주의를 기울였습니다. 동시에 비밥의 모든 업적은 보존되었지만 하모니 분야와 리듬 구조 분야 모두에서 많은 멋진 업적이 추가되었습니다. 새로운 세대의 음악가들은 원칙적으로 좋은 음악 교육을 받았습니다. 이 전류를 "하드 밥"상당히 많은 것으로 밝혀졌습니다. 트럼펫 연주자들이 합류했다 마일즈 데이비스, 팻 나바로, 클리포드 브라운, 도널드 버드, 피아니스트 외로운 수도사 호레이스 실버, 드러머 아트 블레이크, 색소폰 연주자 소니 롤린스, 행크 모블리, 캐논볼 애덜리, 더블 베이시스트 폴 챔버스그리고 많은 다른 사람들.

새로운 스타일의 개발을 위해 또 다른 기술 혁신이 중요했는데, 이는 장기 재생 레코드의 출현으로 구성되었습니다. 이제 긴 솔로를 녹음할 수 있습니다. 음악가에게 이것은 모든 사람이 오랫동안 완전하고 간결하게 말할 수 없기 때문에 유혹과 어려운 시험이되었습니다. 트럼펫 연주자들은 이러한 장점을 처음으로 활용하여 Dizzy Gillespie의 스타일을 보다 조용하지만 깊이 있는 연주로 수정했습니다. 가장 영향력 있는 사람들은 팻 나바로그리고 클리포드 브라운. 이 음악가들은 고음역의 거장 고속 악절이 아니라 사려 깊고 논리적인 멜로디 라인에 중점을 둡니다.

핫 재즈는 뉴올리언스 재즈 음악가들이 북부, 주로 시카고로 대량 이동하는 것과 동시에 가장 창의적인 활동을 한 두 번째 물결의 뉴올리언스 개척자들의 음악으로 간주됩니다. 이 과정은 미국의 퍼스트(First) 진입으로 인해 스토리빌이 폐쇄된 직후부터 시작됐다. 세계 대전이러한 이유로 뉴올리언스를 군항으로 선언한 것은 재즈 역사에서 이른바 시카고 시대를 표시한 것입니다. 이 학교의 주요 대표자는 Louis Armstrong입니다. King Oliver Ensemble에서 여전히 연주하는 동안 Armstrong은 전통적인 집단 즉흥 연주 방식에서 개별 솔로 파트 연주로 이동하여 재즈 즉흥 연주의 개념에 혁명적인 변화를 가져왔습니다.

이 유형의 재즈의 바로 그 이름은 이러한 솔로 파트의 연주 방식의 감정적 강렬함 특성과 관련이 있습니다. Hot이라는 용어는 원래 1920년대 초에 발생한 솔로에 대한 접근 방식의 차이점을 강조하기 위해 재즈 솔로 즉흥 연주와 동의어였습니다. 나중에 집단 즉흥 연주가 사라지면서 이 개념은 재즈 자료를 연주하는 방식, 특히 연주의 기악 및 보컬 스타일을 결정하는 특수 사운드, 이른바 핫팅(hotting) 또는 핫 인토네이션과 연관되었습니다. 특별한 방법리듬 및 특정 억양 기능.

아마도 재즈 역사상 가장 논쟁적인 운동은 "프리 재즈"의 도래와 함께 등장했을 것입니다. 비록 요소 무료 재즈"실험"이라는 용어 자체가 나타나기 오래 전에 존재했습니다. 콜먼 호킨스, 피 위 러셀, 레니 트리스타노, 그러나 색소폰 연주자와 피아니스트와 같은 개척자들의 노력을 통해 1950년대 말에 이르러서야 세실 테일러, 이 방향은 독립적인 스타일로 형성되었습니다.

이 두 음악가는 다음을 포함하여 다른 사람들과 무엇을 했는지 존 콜트레인, 알버트 오일러그리고 커뮤니티 같은 선라 오케스트라그리고 The Revolutionary Ensemble라는 그룹은 음악의 구조와 느낌의 다양한 변화로 구성되었습니다.
상상력과 뛰어난 음악성으로 도입된 혁신 중에는 음악이 어떤 방향으로든 움직일 수 있도록 코드 진행을 포기한 것이 있습니다. 또 다른 근본적인 변화는 "스윙"이 재정의되거나 완전히 무시되는 리듬 영역에서 발견되었습니다. 즉, 맥동, 박자 및 그루브는 더 이상 재즈를 읽는 데 필수적인 요소가 아닙니다. 또 다른 핵심 구성 요소는 무조성과 관련되었습니다. 이제 음악적 속담은 더 이상 일반적인 음조 체계에 기반을 두지 않았습니다.

날카롭고, 짖고, 경련하는 음들이 이 새로운 사운드 세계를 완전히 채웠습니다. 프리 재즈는 오늘날에도 실행 가능한 표현 형태로 계속 존재하며, 사실 더 이상 시작 초기만큼 논쟁의 여지가 있는 스타일이 아닙니다.

아마도 재즈 역사상 가장 논쟁적인 운동은 "프리 재즈"의 도래와 함께 등장했을 것입니다.

1970년대 유럽의 학술 음악과 비유럽 민요의 요소를 결합한 재즈-록을 기반으로 한 모던 스타일의 디렉션.
재즈 록의 가장 흥미로운 구성은 즉흥 연주, 작곡 솔루션, 록 음악의 화성 및 리듬 원리 사용, 동양의 멜로디와 리듬의 적극적인 구현, 전자 처리 및 합성 수단의 도입이 특징입니다. 소리를 음악으로.

이 스타일에서는 모드 원리의 적용 범위가 확장되었으며 이국적인 모드를 포함하여 다양한 모드 세트가 확장되었습니다. 70 년대에는 재즈 록이 엄청나게 인기를 얻었고 가장 활동적인 음악적 힘이 들어 왔습니다. 다양한 음악적 수단의 합성과 관련하여 더 발전된 재즈-록은 "퓨전"(합금, 퓨전)이라고 불렸습니다. "퓨전"에 대한 추가적인 충동은 (재즈 역사상 최초가 아닌) 유럽 학술 음악에 대한 고개를 끄덕였습니다.

많은 경우에 퓨전은 실제로 재즈와 일반 팝, 가벼운 리듬 및 블루스의 조합이 됩니다. 크로스오버. "Tribal Tech"와 Chick Corea의 앙상블과 같은 드문 경우에 검색이 계속되지만 음악적 깊이와 권한 부여에 대한 Fusion music의 야망은 여전히 ​​성취되지 않고 있습니다. 듣다: Weather Report, Brand X, Mahavishnu Orchestra, Miles Davis, Spyro Gyra, Tom Coster, Frank Zappa, Urban Knights, Bill Evans, from New Niacin, Tunnels, CAB.

현대의 펑키 재즈반주자가 블랙 팝 소울 스타일로 연주하는 반면 솔로 즉흥 연주는 본질적으로 더 창의적이고 재즈적입니다. 이 스타일의 대부분의 색소폰 연주자들은 블루스의 외침과 신음으로 구성된 간단한 프레이즈 세트를 사용합니다. 그들은 "Coasters"의 King Curtis와 같이 리듬 앤 블루스 보컬 녹음에서 색소폰 솔로에서 채택된 전통을 기반으로 합니다. 주니어 워커모타운 레이블의 보컬 그룹들과 함께 데이비드 샌본 Paul Butterfield의 "Blues Band"와 함께. 이 장르의 저명한 인물 - 자주 솔로 연주 스타일 행크 크로포드펑키한 반주와 함께. 음악의 대부분 , 그리고 그들의 학생들은 이 접근법을 사용합니다. , 또한 "의 스타일로 작동합니다. 모던 펑크".

용어에는 두 가지 의미가 있습니다. 첫째, 재즈의 표현수단이다. 기준 공유에서 리듬의 일정한 편차를 기반으로 하는 특징적인 유형의 맥동입니다. 이것은 불안정한 평형 상태에서 큰 내부 에너지의 인상을 만듭니다. 둘째, 1920년대와 30년대 전환기에 흑인과 유럽 스타일의 재즈 음악이 결합된 결과로 형성된 오케스트라 재즈 스타일입니다.

원래 정의 "재즈 록"재즈 즉흥 연주와 록 음악의 에너지 및 리듬이 결합된 것이 가장 분명했습니다. 1967년까지 재즈와 록의 세계는 거의 별개로 존재했습니다. 그러나 이때쯤이면 록이 더욱 창의적이고 복잡해지며 사이키델릭한 록, 소울 음악이 나타납니다. 동시에 일부 재즈 뮤지션들은 순수한 하드밥에 질렸지만, 인지하기 어려운 전위적인 음악을 연주하고 싶지도 않았다. 결과적으로 두 개의 다른 관용구가 아이디어를 교환하고 힘을 합치기 시작했습니다.

1967년부터 기타리스트 래리 코리엘, 비브라포니스트 게리 버튼, 1969년 드러머 빌리 코밤 Brecker 형제가 연주 한 그룹 "Dreams"와 함께 그들은 새로운 스타일을 탐구하기 시작했습니다.
60년대 말까지 Miles Davis는 재즈 록으로 전환할 가능성이 있었습니다. 그는 8/8 리듬과 전자 악기를 사용하여 모달 재즈의 창시자 중 한 사람입니다. 새로운 단계, "Bitches Brew", "In a Silent Way"앨범 녹음. 현재 그와 함께 음악가의 빛나는 은하가 있으며, 그 중 많은 사람들이 나중에 이 방향의 기본 인물이 됩니다(John McLaughlin), 조 자위눌(조 자와눌) 허비 행콕. Davis의 금욕주의, 간결함, 철학적 사색은 새로운 스타일에서 가장 환영받는 것으로 판명되었습니다.

1970년대 초반까지 재즈 록많은 재즈 순수주의자들에게 조롱을 받았지만 독창적인 재즈 스타일이라는 독특한 정체성을 가지고 있었습니다. 새로운 방향의 주요 그룹은 "Return To Forever", "Weather Report", "The Mahavishnu Orchestra", 다양한 앙상블 마일즈 데이비스. 그들은 재즈와 록의 방대한 기술을 결합한 고품질 재즈 록을 연주했습니다. Asian Kung-Fu Generation, Ska - Jazz Foundation, John Scofield Uberjam, Gordian Knot, Miriodor, Trey Gunn, 트리오, Andy Summers, Erik Truffaz- 프로그레시브 음악과 재즈 록 음악이 얼마나 다양한지 이해하려면 반드시 들어야 합니다.

스타일 재즈 랩경의를 표하고 영감을 주기 위해 지난 수십 년간의 아프리카계 미국인 음악을 현재의 새로운 지배적 형태와 결합하려는 시도였습니다. 새로운 삶이것의 첫 번째 요소인 융합으로 들어가고 두 번째 요소의 지평을 확장합니다. 재즈 랩의 리듬은 힙합에서 완전히 차용한 반면 샘플과 사운드 질감은 주로 쿨 재즈, 소울 재즈, 하드 밥에서 가져왔습니다.

이 스타일은 힙합의 가장 쿨하고 가장 유명한 스타일로 많은 아티스트들이 아프리카 중심의 정치적 의식을 보여주며 역사적 진정성을 더했다. 이 음악의 지적인 성향을 감안할 때 재즈 랩이 스트리트 파티에서 즐겨 찾는 음악이 되지 못한 것은 놀라운 일이 아닙니다. 그러나 아무도 그것에 대해 생각하지 않았습니다.

재즈 랩의 대표자들은 스스로를 90년대 초반의 선두 위치에서 랩을 대체한 하드코어/갱스터 운동에 대한 보다 긍정적인 대안의 지지자라고 불렀습니다. 그들은 점점 커져가는 도시 음악 문화의 공격성을 받아들이거나 이해하지 못하는 청취자들에게 힙합을 전파하고자 했습니다. 따라서 재즈 랩은 대부분의 팬을 학생 기숙사에서 찾았고 많은 비평가와 백인 얼터너티브 록 팬도 지원했습니다.

팀 모국어(아프리카 밤바아타)- 이 뉴욕의 아프리카계 미국인 랩 그룹 그룹은 스타일을 대표하는 강력한 힘이 되었습니다. 재즈 랩다음과 같은 그룹을 포함합니다. 퀘스트라는 이름의 부족, 드 라 소울 및 정글형제. 곧 작업을 시작했습니다 디지털 플래닛그리고 갱 스타명성도 얻었다. 90년대 중반에는 얼터너티브 랩이 많은 서브 스타일로 파고들기 시작했고, 재즈 랩은 드물게 새로운 사운드의 요소가 되었습니다.