재즈 음악의 특징과 발전의 역사. 재즈: 그것이 무엇인지, 어떤 방향으로, 누가 연주하는지.

이러한 재즈 스타일의 음악(영어 재즈)은 20세기 초 미국에서 유럽과 아프리카 문화의 융합으로 등장하여 전 세계로 퍼진 음악 예술의 한 형태입니다.

재즈는 "흑인"대륙 주민들의 신성한 리듬 재능, 다양한 드럼 연주의 탁월한 기술, 의식 및 교회 성가의 요염한 소리를 유지하는 생생하고 밝고 끊임없이 진화하는 놀라운 음악입니다.

그리고 여기에 침례교인이나 개신교인의 합창이나 독주 교회 성가를 추가하면 설명할 수 없는 동일한 재즈 뮤지컬 칵테일이 형성되는데, 겉으로는 호환되지 않는 것처럼 보이는 것들이 서로 상호 작용하여 우리에게 이 놀라운 음악을 제공합니다.

기원 재즈 음악매우 특별합니다. 그 발전은 세계 음악 예술의 발전에 영향을 준 독특하고 심지어 기적적인 사건과 함께 역동적이고 활기차게 진행되었습니다.

재즈 음악의 특징:

• 당김음에 기초한 특정 폴리리듬;
• 비트는 일정한 리플로 표시됩니다.
• 스윙에는 비트에서 약간의 편차가 있으며 일련의 리드미컬 한 질감 기술이 명확하게 보입니다.
• 놀라운 즉흥 연주 품질;
• 밝고 다채로운 화음과 음색의 음악적 범위.

재즈의 주요 요소인 즉흥 연주

재즈 음악은 즉흥 연주와 사전에 생각한 음악 멜로디의 조합을 기반으로 하며 반드시 적어 놓을 필요는 없습니다. 솔로 연주자의 뚜렷한 사운드에도 불구하고 앙상블에 속한 여러 연주자가 즉흥 연주에 참여할 수도 있습니다. 음악 작품의 전반적인 예술적 이미지는 앙상블 멤버들 간의 상호 작용 및 청취자와의 연결에 따라 달라집니다.

리듬 사운드의 특별한 표현력과 중요성 외에도 아프리카 뿌리는 이러한 음악적 방향과 기타 특징을 가져왔습니다. 거의 모든 악기를 타악기로 인식하고 리듬을 이길 수 있으며 보컬 연주 중 주로 대화 억양이 있습니다. , 기타, 피아노 또는 다양한 타악기를 연주하는 동안 대화 내용을 일부 모방합니다.

미래의 재즈 음악의 발전은 음악가들이 점점 더 새로운 리듬과 조화로운 재즈 모델을 숙달함으로써 일어나기 시작했습니다.

재즈의 역사

위에서 언급했듯이 재즈는 아프리카 문화의 깊은 곳에서 발생했으며 값싼 가격으로 아프리카에서 신세계 땅으로 강제로 끌려온 "흑인"대륙 사람들의 음악의 최고의 전통에서 "자랐습니다". 노동력그리고 노예가 되었습니다. 종종 그들은 특정 부족 출신이 아니었고, 서로의 언어를 몰랐으며, 옆에 묶인 "포로된 형제"조차 이해하지 못했습니다. 하지만 살아남기 위해 그들은 서로를 이해하는 법을 배웠고, 하나의 온전한 사람이 되는 법을 배웠습니다. 공통문화일반 음악 예술을 포함한 전통. 아프리카 멜로디의 연주는 독특한 박수와 구타를 동반한 복잡한 리듬과 춤 동작을 사용하는 것이 특징입니다. 이들 모두는 블루스 멜로디와 함께 음악 예술의 새로운 방향의 기초를 형성했습니다.

다른 민족의 문화와 끊임없는 변화와 동화를 겪은 아프리카와 유럽 문화 간의 상호 작용의 전체 과정은 18 세기 말에 시작되어 19 세기 내내 계속되었고 마지막으로 20 세기 초에 그 당시 음악에 완전히 새로운 방향이 등장했습니다. 어느 정도 전 세계의 역사는 미국 재즈 출현의 역사와 사실상 분리 될 수 없다는 것이 밝혀졌습니다.

공식 '탄생'

재즈는 미국 남부 뉴올리언스 시에서 새로운 음악 방향으로 "탄생"했습니다. 첫 단계재즈 음악의 발전은 일반적인 즉흥 연주가 특징입니다. 음악 작곡메인 트럼펫 솔리스트, 클라리넷 연주자, 트롬본 연주자가 연주하며, 이 모든 것은 타악기와 결합된 행진 음악의 브라부라 사운드를 배경으로 합니다.

최초의 재즈 음반

재즈 음악의 발전에 있어서 중요하고 중요한 날짜 중 하나는 1917년 2월 26일이었습니다. 전형적인 백인인 5명의 음악가가 뉴욕시의 한 녹음 스튜디오에서 최초의 재즈 음반을 녹음했을 때입니다. 탄생하기 전에 재즈와 같은 현상은 미국의 제한된 아프리카 계 미국인 인구의 음악 전통 인 지역 음악 민속의 일부로 간주되었습니다.

미국 전체가 이 음반을 들은 후(그런데 그것은 전설적인 앙상블 "Original Dixieland Jazz Band"였습니다) 이 거대한 나라의 전체 인구는 특이한 소리에 충격을 받고 깜짝 놀랐습니다. 재즈가 뮤지컬 올림푸스에서 정당한 자리를 차지하고 전 세계적으로 승리의 행진을 시작한 것은 바로 그때였습니다.

20세기 초의 재즈

이미 20세기 초반에 이 특정 음악 스타일에 내재된 기본 특징이 형성되었습니다.

• 이것은 스윙 효과를 생성하는 더블 베이스와 타악기의 측정된 맥동입니다.
• 음악 작품의 뛰어난 연주;
• 거의 말이 없는 보컬 즉흥 연주의 특이한 표현.

보컬에서는 개별 음절만 사용되는 경우가 많습니다. 즉, 의미론적 부하를 거의 전달하지 않고 음성이 특정 악기처럼 작동하는 음악 기술인 소위 "스캣"입니다.

재즈의 블루스와 스윙

블루스 사운드는 재즈 음악에서도 중요한 위치를 차지합니다. 이미 더 많은 말기이 음악 장르의 발전 과정에서 뉴올리언스와 시카고라는 두 무대를 총칭하여 '딕시랜드'라고 불렀다.

지난 세기 20년대 미국 재즈에서는 '스윙'이라는 완전한 시스템이 형성되었으며, 이는 소위 빅 밴드라고 불리는 새로운 유형의 오케스트라가 형성되는 것이 특징입니다. 앙상블의 연주자 수의 증가로 인해 더 이상 집단 즉흥 연주를 할 수 없게 되었고, 음표에 녹음된 편곡으로 전환해야 했습니다. 따라서 편곡의 형성은 특별한 작곡 기술의 발현으로 시작되었습니다.

빅밴드

빅 밴드와 같은 음악 앙상블에는 세 가지 악기 그룹이 포함되며, 각각은 일반적인 다성 악기처럼 개별적으로 소리를 낼 수 있는 특정 섹션이 있습니다.

1. 색소폰 섹션(나중에 클라리넷 섹션이 됨);
2. 소위 "금관" 부분(트럼펫과 트롬본 사용);
3. 리듬 섹션(피아노, 기타, 더블베이스 및 타악기).

독주

동시에, "코러스" 또는 "스퀘어"의 원칙에 따라 만들어진 솔로 즉흥 연주가 발생했습니다. 이는 기간이 동일한 변형입니다. 즉, 배경에 대해 연주되는 음악 작품의 주요 주제가 있는 마디 수에 해당합니다. 같은 화음의 반주. 즉흥 연주자가 자신의 새로운 멜로디 악절을 적용하는 것은 바로 이것입니다.

30년대 재즈

1930년대 미국재즈가 점점 인기를 얻으면서 32마디의 연주가 흔해졌습니다. 스윙에서는 솔리스트의 즉흥 연주 전반에 걸쳐 연주자들이 반복하는 2~4마디의 악구인 소위 "리프"가 인기를 끌었습니다.

최초의 재즈 앙상블 중 하나는 재즈 음악의 거장 Glen Miller, Duke Ellington, Fletcher Henderson, Count Basie 및 Benny Goodman이 지휘한 유명한 오케스트라였습니다. 지난 세기 40년대 듀크 엘링턴(Duke Ellington)은 그의 작업을 흑인과 라틴 아메리카 음악 민속의 대규모 순환 형태의 전통에 기반을 두었습니다.

이미 20세기 30년대에 미국의 재즈는 더 인기 있는 것이 더 잘 팔리기 때문에 상업의 궤도에 올랐습니다. 그런 다음 진정한 재즈 애호가와 감정가들 사이에서 처음부터 재즈 이상을 옹호하는 전체 운동이 나타났습니다.

비밥과 밥

이 운동의 승리에서 큰 역할은 40년대 블랙 밴드가 담당했는데, 그들은 멜로디의 춤성, 다양성 및 노래성 등 불필요한 인기 속성을 모두 작업에서 버렸다. 음악 주제 자체는 거의 단조롭게, 거의 원래 형태로 연주되었으며 댄스 구성 요소는 완전히 폐기되었습니다.

이러한 스타일의 재즈 공연은 이 방향의 발전에 있어 완전히 새로운 이정표가 되었으며 "비밥" 또는 "밥"이라고 불렸습니다. Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk 등 재능 있는 재즈 뮤지션과 연주자들은 이러한 방향으로 대담하게 음악 실험을 진행했습니다. 이것은 결국 결실을 맺어 완전히 새로운 유형의 음악 예술 형성의 토대를 마련했으며, 우리 시대에는 재즈 팝 댄스 스타일과 매우 먼 관계가 있습니다.

20세기 40년대 후반부터 60년대 중반까지 음악의 문체적 방향으로서 재즈의 발전은 두 가지 다른 방향으로 진행되었습니다.

첫 번째 방향은 "cool"(영어로 Cool) 및 "West Coast"(영어로 West Coast)와 같은 스타일로 구성되며 진지한 종류의 클래식 음악과 현대 음악의 경험을 모두 활용할 수 있는 능력과 같은 특징을 가지고 있습니다. , 콘서트 공연이나 다성음악과 같은 것입니다.

두 번째 방향은 "hardbop"(영어 핫, 에너지) 스타일과 유사한 스타일의 공연 "soul-jazz"(영어 Soul)로 구성되며 비밥의 기본과 옛 흑인 민속의 전통을 결합합니다. 소위 영성가라고 불리는 미국 흑인들의 종교적 성가의 불타는 리듬과 멜로디.

이 두 가지 주요 악장은 꼭 "스퀘어"로 구분되지 않는 자유로운 즉흥 연주에 대한 욕구와 서로 다른 음악적 박자 기호를 스윙하려는 특별한 욕구 등 많은 유사점을 가지고 있습니다.

재즈 발전의 60년대

60년대 초반부터 재즈는 특정 작곡에 얽매이는 형태로도 경계나 제한이 없는 즉흥 연주 분야에서 활발하게 실험을 시작했는데, 이러한 실험을 프리재즈(Freejazz)라고 불렀다.

“사각형”으로 명확하게 구분하기보다는 다양한 사운드를 지속적으로 선택하는 모달 원리가 재즈 음악 연주자와 음악가들 사이에서 점점 더 인기를 얻고 있습니다.

이러한 사운드 시퀀스를 찾기 위해 음악가들은 아시아, 아프리카 민족의 문화, 유럽 국가의 음악 유산 및 기타 장소에서 이를 찾습니다.

퓨전

70년대에 이르러 일렉트릭 기타의 시대가 도래하면서 이전보다 더 미세한 비트 분할을 기반으로 한 청소년 록 음악 방향이 발전했습니다. 이 스타일의 음악을 Fusion(영어 융합-합금에서 유래)이라고 불렀습니다.

재즈를 들어보세요!

따라서 재즈 음악 형성의 역사는 목표를 향한 어렵고 험난한 길에 대한 전체적인 역사적 무용담이라는 것이 밝혀졌습니다. 이것은 개인을 하나의 전체로 연결하는 것, 판단을 두려워하지 않고 다른 사람의 인정을받지 않고 앞으로 나아가고 대담하게 실험하게 만드는 것입니다. 이것 놀라운 이야기사람들이 평생 동안 가지고 다니는 음악에 대한 큰 사랑.

우리가 할 수 있는 일은 재즈 뮤지션들의 대담하고 어지러운 실험에 큰 즐거움을 느끼고 변함없이 놀라는 것, 완전히 새로운 음악 스타일과 방향이 형성되는 것을 목격하는 것뿐입니다. 왜냐하면 모든 것이 이제 막 시작되기 때문입니다!

재즈는 19세기 말과 20세기 초 미국에서 시작된 음악 운동이다. 그 출현은 아프리카와 유럽의 두 문화가 얽힌 결과입니다. 이 악장은 미국 흑인의 영성(교회 성가), 아프리카 민속 리듬, 유럽의 조화로운 멜로디를 결합합니다. 그 특징은 다음과 같습니다: 당김음의 원리에 기초한 유연한 리듬, 타악기의 사용, 즉흥 연주, 소리와 역동적인 긴장이 특징인 표현적인 연주 방식, 때로는 엑스터시 지점에 도달함. 재즈는 원래 래그타임(ragtime)과 블루스(blues) 요소의 조합이었습니다. 사실 이 두 가지 방향에서 성장했습니다. 재즈 스타일의 특징은 무엇보다도 재즈 거장의 개별적이고 독특한 연주이며, 즉흥 연주는 이 움직임에 지속적인 관련성을 부여합니다.

재즈 자체가 형성된 이후에도 계속적인 발전과 변용의 과정이 시작되었고, 이로 인해 다양한 방향이 탄생하게 되었다. 현재 약 30개가 있습니다.

뉴올리언스(전통) 재즈.

이 스타일은 일반적으로 1900년에서 1917년 사이에 연주된 재즈를 정확하게 의미합니다. 스토리빌(뉴올리언스의 홍등가)이 개장한 것과 동시에 등장했다고 볼 수 있는데, 이곳은 당김음 음악을 연주하는 음악가들이 항상 일자리를 찾을 수 있는 바와 유사한 시설로 인해 인기를 얻었습니다. 이전에 널리 퍼져 있던 거리 오케스트라는 소위 "스토리빌 앙상블"로 대체되기 시작했으며, 이들의 연주는 전임자에 비해 점점 더 개성을 획득하고 있습니다. 이 앙상블은 나중에 클래식 뉴올리언스 재즈의 창시자가 되었습니다. 이 스타일의 공연자의 생생한 예는 Jelly Roll Morton ( "His Red Hot Peppers"), Buddy Bolden ( "Funky Butt"), Kid Ory입니다. 아프리카 민속 음악을 최초의 재즈 형식으로 전환한 것은 바로 그들이었습니다.

시카고 재즈.

1917년 재즈 음악 발전의 다음 중요한 단계가 시작되었는데, 이는 시카고의 뉴올리언스 출신 이민자들의 출현으로 표시됩니다. 새로운 재즈 오케스트라가 형성되고 있으며, 그 연주는 초기 전통 재즈에 새로운 요소를 도입합니다. 이것이 흑인 음악가들의 핫 재즈와 백인 딕시랜드라는 두 가지 방향으로 나누어지는 시카고 공연 학교의 독립적인 스타일이 나타나는 방식이다. 이 스타일의 주요 특징: 개별 솔로 파트, 뜨거운 영감의 변화(원래의 무료 황홀한 공연이 더욱 긴장되고 긴장감이 넘쳤습니다), 합성(음악에는 전통적인 요소뿐만 아니라 래그타임 및 유명한 미국 히트곡도 포함됨) ) 및 악기 연주의 변화(악기의 역할 및 연주 기술이 변경됨). 이 무브먼트의 기본 인물("What Wonderful World", "Moon Rivers") 및 ("Someday Sweetheart", "Ded Man Blues").

스윙은 시카고 학교에서 직접 성장하여 빅 밴드(오리지널 딕시랜드 재즈 밴드)에 의해 연주되었던 1920년대와 30년대 재즈의 오케스트라 스타일입니다. 서양음악이 우세한 것이 특징이다. 오케스트라에는 색소폰, 트럼펫, 트롬본으로 구성된 별도의 섹션이 등장했습니다. 밴조는 기타, 튜바 및 사소폰(더블베이스)으로 대체됩니다. 음악은 집단 즉흥 연주에서 벗어나 연주자들은 미리 작성된 악보를 엄격하게 준수하여 연주합니다. 특징적인 기술은 리듬 섹션과 멜로디 악기의 상호 작용이었습니다. 이 방향의 대표자: , (“Creole Love Call”, “The Mooche”), Fletcher Henderson (“When Buddha Smiles”), Benny Goodman And His Orchestra, .

비밥(Bebop)은 40년대에 시작된 현대 재즈 운동으로 실험적이고 반상업적인 운동이었습니다. 스윙과는 다르게 좀 더 지적인 스타일이다. 큰 관심복잡한 즉흥 연주에 중점을 두고 있으며 멜로디보다는 조화에 중점을 두고 있습니다. 이 스타일의 음악은 또한 매우 빠른 템포가 특징입니다. 가장 뛰어난 대표자는 Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Max Roach, Charlie Parker ( "Night In Tunisia", "Manteca") 및 Bud Powell입니다.

주류. 세 가지 악장 포함: Stride(북동부 재즈), Kansas City 스타일 및 재즈 서해안. 루이 암스트롱(Louis Armstrong), 앤디 콘돈(Andy Condon), 지미 맥 파트랜드(Jimmy Mac Partland)와 같은 대가들이 이끄는 핫 스트라이드가 시카고에서 최고의 자리를 차지했습니다. 캔자스시티는 블루스 스타일의 서정적인 연극이 특징입니다. 웨스트코스트 재즈는 의 리더십 하에 로스앤젤레스에서 발전했고, 이후 쿨 재즈로 이어졌습니다.

쿨 재즈(cool jazz)는 다이나믹하고 충동적인 스윙과 비밥에 대한 대위법으로 50년대 로스앤젤레스에서 등장했습니다. 레스터 영(Lester Young)은 이 스타일의 창시자로 간주됩니다. 재즈에서는 특이한 사운드 제작 스타일을 도입 한 사람이 바로 그 사람이었습니다. 이 스타일은 교향악 악기를 사용하고 감정을 절제하는 것이 특징입니다. Miles Davis(“Blue In Green”), Gerry Mulligan(“Walking Shoes”), Dave Brubeck(“Pick Up Sticks”), Paul Desmond와 같은 거장은 이러한 맥락에서 흔적을 남겼습니다.

아반떼가르드는 60년대부터 발전하기 시작했습니다. 이 아방가르드 스타일은 원본에서 벗어난 스타일을 기반으로 합니다. 전통적인 요소새로운 기술적 기법과 표현수단을 사용하는 것이 특징입니다. 이 운동의 음악가들에게는 음악을 통한 자기표현이 최우선이었다. 이 악장의 연주자는 Sun Ra(“Kosmos in Blue”, “Moon Dance”), Alice Coltrane(“Ptah The El Daoud”), Archie Shepp입니다.

프로그레시브 재즈는 40년대 비밥과 병행하여 등장했지만 스타카토 색소폰 기술, 리드미컬한 맥동과 심포닉 재즈 요소가 있는 다조성을 복잡하게 엮은 것으로 구별되었습니다. 이 트렌드의 창시자는 Stan Kenton이라고 할 수 있습니다. 저명한 대표자: 길 에반스(Gil Evans)와 보이드 레이번(Boyd Rayburn).

하드밥(Hard bop)은 비밥(Bebop)에 뿌리를 둔 재즈의 일종이다. 디트로이트, 뉴욕, 필라델피아 - 이 스타일은 이 도시에서 탄생했습니다. 공격성에서는 비밥을 연상케하지만 여전히 블루스 요소가 우세합니다. 주요 공연자로는 Zachary Breaux("Uptown Groove"), Art Blakey 및 The Jass Messengers가 있습니다.

소울재즈. 이 용어는 일반적으로 모든 흑인 음악을 설명하는 데 사용됩니다. 전통적인 블루스와 아프리카계 미국인의 민속음악을 활용합니다. 이 음악은 오스티나토 베이스 연주와 리드미컬하게 반복되는 샘플이 특징이며, 이로 인해 다양한 대중에게 폭넓은 인기를 얻었습니다. 이 방향의 히트곡으로는 Ramsey Lewis의 "The In Crowd"와 Harris-McCain의 "Compared To What" 작곡이 있습니다.

그루브(일명 펑크)는 소울의 파생물이지만 리드미컬한 초점으로 구별됩니다. 기본적으로 이 방향의 음악은 큰 색채를 띠고 있으며 구조상 각 악기마다 명확하게 정의된 부분으로 구성되어 있습니다. 솔로 연주는 전체 사운드에 조화롭게 어울리며 너무 개별화되지 않습니다. 이 스타일의 연주자는 Shirley Scott, Richard "Groove" Holmes, Gene Emmons, Leo Wright입니다.

프리 재즈는 Ornette Coleman과 Cecil Taylor와 같은 혁신적인 거장들의 노력 덕분에 50년대 후반에 시작되었습니다. 그의 특징무질서, 화음 순서 위반입니다. 이 스타일은 흔히 "프리 재즈"라고 불리며, 그 파생형에는 로프트 재즈, 모던 크리에이티브, 프리 펑크가 포함됩니다. 이 스타일의 음악가로는 Joe Harriott, Bongwater, Henri Texier(“Varech”), AMM(“Sedimantari”)이 있습니다.

재즈 형식의 광범위한 아방가르드와 실험주의로 인해 창의성이 나타났습니다. 이런 종류의 음악은 설명하기 어렵습니다. 특정 용어, 이는 너무 다각적이며 이전 악장의 많은 요소를 결합하기 때문입니다. 이 스타일의 첫 추종자로는 Lenny Tristano(“Line Up”), Gunter Schuller, Anthony Braxton, Andrew Cirilla(“The Big Time Stuff”)가 있습니다.

당시 존재했던 거의 모든 음악적 움직임의 요소를 융합한 퓨전입니다. 가장 활발한 개발은 70년대에 시작되었습니다. 퓨전(Fusion)은 복잡한 박자표, 리듬, 긴 구성, 보컬 부재가 특징인 체계적인 악기 스타일입니다. 이 스타일은 영혼보다 덜 광범위한 대중을 위해 설계되었으며 완전히 반대. 이러한 추세의 선두에는 Larry Corall과 밴드 Eleventh, Tony Williams 및 Lifetime(“Bobby Truck Tricks”)이 있습니다.

애시드 재즈(그루브 재즈" 또는 "클럽 재즈")는 80년대 후반(1990~1995년 전성기) 영국에서 생겨났고 70년대 펑크, 90년대 힙합, 댄스 음악이 결합되었습니다. 이 스타일의 출현은 재즈 펑크 샘플의 광범위한 사용에 의해 결정되었습니다. 창립자는 DJ Giles Peterson으로 간주됩니다. 이 방향의 출연자로는 Melvin Sparks(“Dig Dis”), RAD, Smoke City(“Flying Away”), Incognito 및 Brand New Heavies가 있습니다.

포스트밥은 50~60년대에 발전하기 시작해 하드밥과 구조가 비슷하다. 소울, 펑크, 그루브 요소가 존재하는 것이 특징입니다. 종종 이 방향을 특성화할 때 블루스 록과 평행선을 그립니다. 행크 모블린(Hank Moblin), 호레이스 실버(Horace Silver), 아트 블레이키(“Like someone In Love”), 리 모건(“예스터데이”), 웨인 쇼터(Wayne Shorter)가 이런 스타일로 작업했습니다.

스무드 재즈(Smooth Jazz)는 퓨전 무브먼트에서 탄생한 현대 재즈 스타일이지만, 사운드를 의도적으로 다듬는다는 점에서 다릅니다. 이 분야의 특별한 특징은 전동 공구의 광범위한 사용입니다. 유명 연주자: Michael Franks, Chris Botti, Dee Dee Bridgewater(“All Of Me”, “God Bless The Child”), Larry Carlton(“Dont Give It Up”).

Jazz-Manush(집시 재즈)는 기타 연주에 특화된 재즈 악장입니다. Manush 그룹의 집시 부족의 기타 기술과 스윙을 결합합니다. 이 방향의 창시자는 Ferre 형제입니다. 최대 유명한 공연자: 안드레아스 오베르그, 바르탈로, 안젤로 데바레, 비렐리 라겐(“스텔라 바이 스타라이트”, “피소 플레이스”, “단풍”).

블루스

(우울, 슬픔) - 처음에는 미국 흑인의 솔로 서정적 노래, 나중에는 음악 방향.

20세기 20년대에는 3선에 해당하는 12마디 주기를 바탕으로 클래식 블루스가 형성되었다. 시적 형식. 블루스는 원래 흑인이 흑인을 위해 연주한 음악이었습니다. 미국 남부에서 블루스가 등장한 후 미국 전역으로 퍼지기 시작했습니다.

블루스 멜로디는 질의응답 구조와 블루스 스케일을 사용하는 것이 특징이다.

블루스는 재즈와 팝 음악의 형성에 큰 영향을 미쳤으며, 20세기 작곡가들은 블루스의 요소를 사용했습니다.

아르카익 재즈

구식(초기) 재즈– 미국 남부 여러 주에서 지난 세기 중반부터 존재해 온 가장 오래되고 전통적인 유형의 재즈를 지정합니다.

고대 재즈는 특히 19세기 흑인과 크리올 마칭 밴드의 음악으로 대표되었습니다.

뉴올리언스(클래식) 스타일이 출현하기 이전에 고대 재즈 시대가 시작되었습니다.

뉴 올리언스

재즈 자체가 발생한 미국의 고향은 노래와 음악의 도시인 뉴 올리언스로 간주됩니다.
재즈가 이 도시뿐만 아니라 미국 전역에서 발생했다는 논쟁이 있지만, 재즈가 가장 강력하게 발전한 곳은 바로 이곳입니다. 또한 오래된 재즈 뮤지션들은 모두 뉴 올리언스를 고려한 센터를 지적했습니다. 뉴올리언스는 이러한 음악 경향의 발전에 가장 유리한 환경을 제공했습니다. 대규모 흑인 공동체가 있었고 인구의 상당 부분이 크리올인이었습니다. 많은 음악 경향과 장르가 이곳에서 활발히 발전했으며 그 요소는 나중에 유명한 재즈 맨의 작품에 포함되었습니다. 다양한 그룹이 자신들만의 음악 스타일을 발전시켰고, 아프리카계 미국인들은 블루스 멜로디, 래그타임, 그들만의 전통을 결합하여 유사점이 없는 새로운 예술을 창조했습니다. 최초의 재즈 녹음은 재즈 예술의 탄생과 발전에 있어 뉴올리언스의 특권을 확증해 줍니다.

딕시랜드

(Dixie Country)는 미국 남부 주를 지칭하는 구어체 용어로 전통 재즈의 한 종류입니다.

대부분의 블루스 가수, 부기우기 피아니스트, 리그타임 연주자 및 재즈 밴드가 남부에서 시카고로 왔으며 곧 Dixieland라는 별명이 붙은 음악을 가져왔습니다.

딕시랜드– 가장 광범위한 명칭 음악 스타일 1917년부터 1923년까지 음반을 녹음한 최초의 뉴올리언스 및 시카고 재즈 뮤지션.

일부 역사가들은 Dixieland를 뉴올리언스 스타일로 연주하는 백인 밴드의 음악에만 기인한다고 생각합니다.

Dixieland 음악가들은 클래식 뉴올리언스 재즈의 부활을 찾고 있었습니다.

이러한 시도는 성공적이었습니다.

부기 우기

피아노 블루스 스타일은 최초의 흑인 기악 중 하나입니다.

폭넓은 청중이 쉽게 접근할 수 있는 스타일입니다.

풀보이스 부기우기 스타일 20세기 초 저렴한 홍키통크 카페에서 오케스트라를 대신할 피아니스트를 고용해야 하는 필요성 때문에 등장했습니다. 전체 오케스트라를 대체하기 위해 피아니스트들은 리드미컬하게 연주하는 다양한 방법을 고안했습니다.

특징: 즉흥 연주, 기술적 기교, 특정 유형의 반주 - 왼손 부분의 모터 오스티나토 형상, 베이스와 멜로디 사이의 간격(최대 2-3옥타브), 리듬 동작의 연속성, 페달 사용 거부 .

클래식 부기우기 대표자: Romeo Nelson, Arthur Montana Taylor, Charles Avery, Mead Lux ​​​​Lewis, Jimmy Yankee.

포크 블루스

주로 도시에 존재했던 클래식 블루스와 대조되는, 미국 흑인 인구의 시골 민속을 기반으로 한 고풍스러운 어쿠스틱 블루스입니다.

포크 블루스-원칙적으로 전자 악기가 아닌 연주되는 블루스 유형입니다. 광범위한 연주와 음악 스타일을 포괄하며 만돌린, 밴조, 하모니카 및 저그 밴드처럼 디자인된 기타 비전기 악기로 연주되는 소박하고 단순한 음악이 포함될 수 있습니다. 포크 블루스는 투박하고 다소 비공식적인 음악에 인상을 줍니다. 한마디로 이것은 인민이 연주하고 인민을 위해 연주하는 진정한 민속음악이다.

포크 블루스에는 Blind Lemon Jefferson, Charley Patton, Alger Alexander보다 더 영향력 있는 가수들이 있었습니다.

영혼

(문자 그대로 – 영혼); 20세기 60년대 가장 인기 있었던 음악 스타일로, 미국 흑인들의 컬트 음악에서 발전하여 리듬 앤 블루스의 많은 요소를 차용했습니다.

소울 음악에는 여러 가지 방향이 있는데, 그 중 가장 중요한 것은 소위 "멤피스"와 "디트로이트" 소울, 그리고 주로 유럽 음악가들의 특징인 "화이트" 소울입니다.

펑키 재즈

이 용어는 20세기 50년대 재즈에서 탄생했습니다. "펑크" 스타일은 "소울" 음악의 직접적인 연속입니다. 리듬앤블루스의 한 형태.

나중에 "펑크" 음악으로 분류되는 최초의 연주자는 50년대 후반과 60년대 초반에 더욱 활기차고 특정 유형의 재즈를 연주한 재즈맨이었습니다.

우선 펑크는 댄스 음악으로 음악적 특성, 즉 모든 악기 부분의 극단적 당김을 결정합니다.

Funk는 눈에 띄는 리듬 섹션, 날카로운 당김음의 베이스 기타 라인, 작곡의 멜로디 주제 기반인 오스티나토 리프, 일렉트로닉 사운드, 경쾌한 보컬, 빠른 음악 템포가 특징입니다.

James Brown과 George Clinton은 PARLAMENT/FUNKDEIC 그룹과 함께 실험적인 펑크 학교를 만들었습니다.

클래식 펑크 레코드의 역사는 1960년대와 1970년대로 거슬러 올라갑니다.

무료 펑크

무료 펑크– 아방가르드 재즈와 펑크 리듬의 혼합.

Ornette Coleman이 Prime Time을 결성했을 때 그것은 "더블 4중주단"(기타리스트 2명, 베이시스트 2명, 드러머 2명과 그의 알토로 구성됨)이 되어 프리 키로 음악을 연주하지만 기이한 펑크 리듬으로 음악을 연주했습니다. Coleman 밴드의 세 멤버(기타리스트 James Blood Ulmer, 베이시스트 Jamaaladin Takuma, 드러머 Ronald Shannon Jackson)는 나중에 그들 자신의 프리 펑크 프로젝트를 결성했으며, 프리 펑크는 비올리스트 Steve Coleman과 Greg를 포함한 m-베이스 아티스트들에게 큰 영향을 미쳤습니다. 오스비.
그네

밥- 20세기 40년대 중반에 발전한 재즈 스타일로 멜로디보다는 화성 연주를 기반으로 빠른 템포와 복잡한 즉흥 연주가 특징입니다. Bebop은 재즈에 혁명을 일으켰습니다. boppers는 음악이 무엇인지에 대한 새로운 아이디어를 창조했습니다.

비밥 단계는 멜로디 기반의 댄스 음악에서 덜 대중적이고 리듬 기반의 "음악가를 위한 음악"으로 재즈의 강조가 크게 바뀌었음을 의미합니다. Bop 뮤지션들은 멜로디 대신 스트러밍 코드를 기반으로 한 복잡한 즉흥 연주를 선호했습니다.

Bebop은 빠르고, 가혹했으며, "청취자에게 잔인했습니다."

재즈 프로그레시브

비밥의 출현과 병행하여 재즈에서는 프로그레시브 재즈라는 새로운 장르가 발전했습니다. 이 장르의 주요 차이점은 빅 밴드의 얼어붙은 진부함과 소위 구식 기술에서 벗어나려는 욕구입니다. 심포닉 재즈.

프로그레시브 재즈를 연주한 음악가들은 스윙 프레이즈 모델을 업데이트하고 개선하여 음조와 조화 분야에서 유럽 교향악의 최신 성과를 작곡 실습에 도입하려고 했습니다. "진보주의"의 발전에 가장 큰 공헌을 한 사람은 Stan Kenton입니다. 그의 첫 오케스트라가 연주한 음악의 사운드는 세르게이 라흐마니노프의 스타일에 가까웠고 작곡은 낭만주의적인 특징을 담고 있었습니다.

녹음 된 앨범 "Artistry", "Miles Ahead", "Spanish Drawing"시리즈는 프로그레시브 음악 발전의 일종의 신격화로 간주 될 수 있습니다.

(쿨재즈), 스타일 중 하나 현대 재즈, 스윙과 밥의 성과 발전을 바탕으로 20 세기 40 년대와 50 년대 초에 결성되었습니다.

비밥의 초기 선구자인 트럼펫 연주자 마일스 데이비스(Miles Davis)는 비밥 장르의 혁신가가 되었습니다.

쿨 재즈는 가볍고 "드라이한" 사운드 색상, 슬로우 모션, 얼어붙은 하모니와 같은 특징이 특징으로 공간의 환상을 만들어냅니다. 불협화음도 어느 정도 역할을 했지만 부드럽고 차분한 성격을 띠었습니다.

색소폰 연주자 Lester Young은 처음으로 "cool"이라는 용어를 사용했습니다.

최대 유명한 음악가쿨라 - 데이브 브루벡, 스탠 게츠, 조지 시어링, 밀트 잭슨, "쇼티" 로저스 .
주류

(문자 그대로 - 주조); 연주자들이 이 스타일의 진부한 표현을 피하고 즉흥 연주 요소를 도입하여 블랙 재즈의 전통을 이어가는 특정 스윙 기간과 관련된 용어입니다.

메인스트림은 단순하지만 표현력이 풍부한 멜로디 라인, 전통적인 하모니, 뚜렷한 추진력을 갖춘 명확한 리듬이 특징입니다.초기 하드 밥의 특징은 엄격하게 강조된 리듬 반주의 우세, 억양과 하모니에서 블루스 요소의 강화, 즉흥 연주에서 보컬 원리를 드러내는 경향, 음악 언어의 단순화 등입니다.

하드밥의 주요 대표자는 대부분 흑인 음악가들이다.

레코드에 녹음된 이 스타일의 앙상블 중 첫 번째는 Art Blakey의 5중주 JAZZ MESSENGERS(1954)였습니다.

기타 주요 음악가: John Coltrane, Sony Rollins, Henk Mobley, Max Roach...

(말 그대로 – 융합, 융합), 유럽 학술 음악과 비유럽 민속 요소의 종합인 재즈 록을 기반으로 발생한 현대적인 스타일의 운동입니다. 재즈와 팝음악, 록의 융합에서 시작하여, 퓨전 같은 음악 장르, 1960년대 후반에 재즈 록이라는 이름으로 등장했습니다.

상상력과 훌륭한 음악성을 바탕으로 도입된 혁신 중에는 음악이 어떤 방향으로든 움직일 수 있게 해주는 코드 진행을 포기한 것이 있습니다.

또 다른 변화는 리듬 부분에 있었는데, 스윙이 수정되거나 아예 무시됐다. 맥동과 박자는 더 이상 재즈를 읽는 데 필수적인 요소가 아니었습니다.

프리 재즈는 오늘날에도 실행 가능한 표현 형식으로 계속 존재하며 실제로는 초기에 인식되었던 것처럼 더 이상 논란의 여지가 없는 스타일입니다.

라틴 리듬 요소의 융합은 뉴올리언스에서 시작된 문화의 용광로에서 거의 처음부터 존재했습니다. 라틴 음악의 영향은 재즈에서 최고 수준의 라틴계 즉흥연주자로 구성된 오케스트라와 그룹뿐만 아니라 현지 연주자와 라틴 연주자의 조합에도 퍼져 가장 흥미진진한 무대 음악을 만들어 냈습니다.

20세기 50년대와 60년대에는 라틴 리듬(주로 보사노바)과 삼바의 브라질 요소가 결합되었습니다. Joao Gilberto와 Antonio Carlos Jobim이 발견한 이 스타일은 하드밥과 프리 재즈의 대안이 되었습니다.

라틴 재즈 폴리리듬 음악의 댄스 친화적인 특성은 이 스타일 팬의 청중을 크게 확대했습니다.재능을 개발하는 방법과 그 표현 수단이 예측할 수 없고 오늘날 장려되는 다양한 재즈 장르의 결합된 노력이 배가되기 때문에 재즈의 추가 발전을 위한 잠재적인 기회는 현재 상당히 큽니다.

19세기와 20세기 초에 음악의 한 유형이 어떻게 발전했는지. 유럽과 아프리카의 두 가지 음악 문화 요소가 통합 된 결과입니다. 아프리카 요소 중에서는 다중 리듬, 주요 동기의 반복 반복, 보컬 표현력, 즉흥 연주가 일반적인 형태의 흑인 음악 민속(의식 춤, 작업 노래, 영가 및 블루스)과 함께 재즈에 침투한 것을 확인할 수 있습니다.

단어 "재즈", 원래 "재즈 밴드", 는 20세기 10년대 중반부터 사용되기 시작했습니다. 남부 주에서는 블루스, 래그타임, 대중적인 유럽 음악을 주제로 한 집단 즉흥 연주 과정에서 소규모 뉴올리언스 앙상블(트럼펫, 클라리넷, 트롬본, 밴조, 튜바 또는 더블 베이스, 드럼 및 피아노로 구성)이 만든 음악을 가리킵니다. 노래와 춤.

친해지려면 듣고 세자리아 에보라, 및, 및 기타 여러 가지.

그래서 그것은 무엇입니까? 애시드 재즈? 재즈, 70년대 펑크, 힙합, 소울 등의 요소가 내재된 펑키한 음악 스타일입니다. 샘플링될 수도 있고 라이브일 수도 있으며 후자 두 가지가 혼합될 수도 있습니다.

주로, 애시드 재즈텍스트/단어보다는 음악에 중점을 둡니다. 당신을 움직이게 만드는 것을 목표로 하는 클럽 음악입니다.

스타일의 첫 번째 싱글 애시드 재즈~였다 "프레드릭은 여전히 ​​거짓말을 하고 있다", 작가 갈리아노. 이 작품의 커버 버전이었습니다 커티스 메이필드 "프레디가 죽었다"영화에서 "슈퍼플라이".

스타일의 홍보와 지원에 큰 기여 애시드 재즈기여 질 피터슨, KISS FM의 DJ였습니다. 그는 처음으로 발견된 사람 중 하나였습니다 애시드 재즈상표 80년대 후반~90년대 초반에는 많은 연주자들이 등장했다. 애시드 재즈, 마치 '라이브' 팀과 같았습니다. , 갈리아노, 자미로콰이, 돈 체리및 스튜디오 프로젝트 - PALm Skin Productions, Mondo GroSSO, 외부,그리고 유나이티드 미래 조직.

물론 이것은 재즈 스타일이 아니라 일종의 재즈 악기 앙상블이지만 여전히 표에 포함되어 있습니다. "빅 밴드"가 연주하는 재즈는 개별 재즈 연주자의 배경과 매우 눈에 띄기 때문입니다. 소그룹.
빅 밴드의 음악가 수는 일반적으로 10명에서 17명 사이입니다.
1920년대 후반에 결성되었으며, 세 개의 오케스트라 그룹: 색소폰 - 클라리넷(릴) 금관 악기(금관악기, 나중에 트럼펫과 트롬본 그룹이 등장함) 리듬 섹션(리듬 섹션 - 피아노, 더블 베이스, 기타, 타악기). 음악의 부상 빅밴드 1930년대 미국에서 시작된 는 스윙에 대한 대중적 열광의 시기와 관련이 있다.

그 후 오늘날까지 빅 밴드가 공연했으며 계속해서 가장 인기 있는 음악을 연주하고 있습니다. 다양한 스타일. 그러나 본질적으로 빅 밴드의 시대는 훨씬 일찍 시작되어 19세기 후반 미국 민스트럴 극장 시대로 거슬러 올라갑니다. 이로 인해 종종 수백 명의 배우와 음악가로 공연 출연진이 늘어났습니다. 듣다 오리지널 딕시랜드 재즈 밴드, 킹 올리버의 크리올 재즈 밴드, 글렌 밀러 오케스트라, 그리고 그의 오케스트라빅 밴드가 연주하는 재즈의 모든 매력을 감상하게 될 것입니다.

20세기 40년대 초중반에 발전하여 모던 재즈 시대를 연 재즈 스타일. 멜로디보다는 화성의 변화를 바탕으로 빠른 템포와 복잡한 즉흥 연주가 특징이다.
전문가가 아닌 사람들이 새로운 즉흥 연주를 하지 못하도록 하기 위해 Parker와 Gillespie는 초고속 연주 템포를 도입했습니다. 다른 모든 것 외에도, 구별되는 특징모든 비보피스트들은 그들의 행동이 터무니없어졌습니다. "디지" 길레스피의 휘어진 트럼펫, 파커와 길레스피의 행동, 몽크의 우스꽝스러운 모자 등
스윙의 광범위한 확산에 대한 반응으로 등장한 비밥은 표현 수단을 사용하여 계속해서 원칙을 개발했지만 동시에 여러 가지 반대 경향을 드러냈습니다.

주로 대형 상업 댄스 오케스트라의 음악인 스윙과 달리 비밥은 재즈의 실험적 창작 운동으로 주로 소규모 앙상블(콤보)의 연습과 그 방향이 반상업적이다.
비밥 단계는 재즈의 중점이 대중적인 댄스 음악에서 보다 예술적이고 지적이지만 덜 대량 생산되는 "음악가를 위한 음악"으로 강조되는 중요한 변화를 의미합니다. Bop 뮤지션들은 멜로디 대신 스트러밍 코드를 기반으로 한 복잡한 즉흥 연주를 선호했습니다.
탄생의 주요 주동자는 색소폰 연주자, 트럼펫 연주자, 피아니스트였습니다. 버드 파월그리고 델로니어스 몽크, 드러머 맥스 로치. 네가 원한다면 비밥이 되어라, 듣다 , 미셸 르그랑, 조슈아 레드먼 엘라스틱 밴드, 얀 가르바렉, 모던 재즈 콰르텟.

스윙과 밥의 발전을 바탕으로 20세기 40~50년대에 형성된 현대 재즈 스타일 중 하나입니다. 이 스타일의 기원은 주로 흑인 스윙 색소폰 연주자의 이름과 관련이 있습니다. 엘 영, 핫 재즈의 이상적인 사운드(소위 Lester 사운드)와는 반대되는 "콜드" 스타일의 사운드 제작을 개발했습니다. "kul"이라는 용어를 일상적인 사용에 처음으로 도입 한 사람은 바로 그 사람이었습니다. 게다가 쿨재즈의 전제는 다음과 같은 많은 비밥 음악가들의 작품에서도 찾아볼 수 있다. C. 파커, T. 몽크, M. 데이비스, J. 루이스, M. 잭슨다른 사람.

동시에 멋진 재즈와는 상당한 차이가 있습니다 보파. 이는 bop이 따르는 핫 재즈의 전통에서 벗어나 과도한 리듬 표현과 억양의 불안정성을 거부하고 특히 블랙 풍미를 의도적으로 강조하는 것에서 나타났습니다. 이 스타일로 플레이했습니다: , 스탠 게츠(Stan Getz), 모던 재즈 콰르텟(Modern Jazz Quartet), 데이브 브루벡(Dave Brubeck), 주트 심스(Zoot Sims), 폴 데스몬드.

70년대 초반부터 록 음악의 활동이 점차 쇠퇴하고, 록 세계에서 아이디어의 흐름이 감소하면서 퓨전 음악은 더욱 단순해졌습니다. 동시에 많은 사람들은 일렉트릭 재즈가 더욱 상업적이 될 수 있다는 사실을 깨닫기 시작했고, 프로듀서와 일부 음악가는 판매를 늘리기 위해 이러한 스타일의 조합을 찾기 시작했습니다. 그들은 일반 청취자가 더 쉽게 접근할 수 있는 유형의 재즈를 성공적으로 만들었습니다. 지난 20년 동안 프로모터와 홍보 담당자가 팝, 리듬, 블루스 및 "월드 뮤직" 요소와 재즈의 "퓨전"을 설명하는 데 사용되는 "모던 재즈"라는 문구를 사용하기를 좋아하는 다양한 조합이 나타났습니다.

그러나 "크로스오버"라는 단어가 문제의 본질을 더 정확하게 설명합니다. 크로스오버와 퓨전은 특히 다른 스타일에 싫증이 난 사람들 사이에서 재즈 청중을 늘리려는 목표를 달성했습니다. 어떤 경우에는 이 음악이 주목할 가치가 있지만 일반적으로 재즈 콘텐츠는 0으로 줄어듭니다. 크로스오버 스타일의 예는 (Al Jarreau)와 보컬 녹음(George Benson)에서 (Kenny G)까지, "스파이로 자이라"그리고 " " . 이 모든 것에는 재즈의 영향이 있지만, 그럼에도 불구하고 이 음악은 팝아트 분야에 잘 들어맞는다. 제럴드 올브라이트, 조지 듀크,색소폰 연주자 빌 에반스, 데이브 그루신,.

딕시랜드 1917년부터 1923년까지 레코드를 녹음한 초기 뉴올리언스와 시카고 재즈 뮤지션의 음악 스타일을 가리키는 가장 광범위한 명칭입니다. 이 개념은 이후 뉴올리언스 재즈의 발전과 부흥 시기에도 확장됩니다. 뉴올리언스의 부흥, 이는 1930년대 이후에도 계속되었다. 일부 역사가들은 다음과 같이 말합니다. 딕시랜드뉴올리언스 재즈 스타일로 연주하는 백인 밴드의 음악만 들립니다.

다른 형태의 재즈와 달리 연주자들의 곡 레퍼토리는 딕시랜드 20세기 첫 10년 동안 작곡된 동일한 곡 내에서 테마의 끝없는 변형을 제공하며 래그타임, 블루스, 원스텝, 투스텝, 행진곡 및 인기 곡을 포함하여 매우 제한적으로 남아 있었습니다. 퍼포먼스 스타일을 위한 딕시랜드특징은 전체 앙상블의 집단 즉흥 연주에 개별 목소리가 복잡하게 얽혀 있다는 것입니다. 오프닝 솔리스트와 그의 연주를 계속한 다른 솔리스트들은 일반적으로 4박자 후렴의 형태로 드럼이 연주하는 마지막 악구까지 나머지 관악기의 "리핑"에 반대하는 것처럼 보였습니다. 전체 앙상블이 차례로 응답했습니다.

이 시대의 주요 대표자는 다음과 같다. 오리지널 Dixieland 재즈 밴드, Joe King Oliver 및 그의 유명한 오케스트라, Sidney Bechet, Kid Ory, Johnny Dodds, Paul Mares, Nick LaRocca, Bix Beiderbecke 및 Jimmy McPartland. Dixieland 음악가들은 본질적으로 과거의 클래식 뉴올리언스 재즈의 부활을 찾고 있었습니다. 이러한 시도는 매우 성공적이었으며, 다음 세대 덕분에 오늘날까지 계속되고 있습니다. 딕시랜드 부흥의 첫 번째 부흥은 1940년대에 일어났습니다.
Dixieland를 연주한 재즈맨은 다음과 같습니다. 케니 볼, 루 와터스 예르나 부에나 재즈 밴드, 터크 머피스 재즈 밴드.

70년대 초반부터 한 독일 회사가 재즈 스타일 커뮤니티에서 별도의 틈새 시장을 점유해 왔습니다. ECM (현대음악 에디션- Modern Music Publishing House)는 재즈의 아프리카계 미국인 기원에 대한 애착이 아니라 오히려 자신을 제한하지 않고 다양한 예술적 문제를 해결할 수 있는 능력을 공언하는 음악가 협회의 중심이 되었습니다. 특정 스타일이지만 창의적인 즉흥적 프로세스와 일치합니다.

시간이 지남에 따라 회사의 특정 성격이 발전하여 이 레이블의 아티스트가 대규모의 명확하게 정의된 스타일 방향으로 분리되었습니다. 레이블 창립자인 Manfred Eicher는 다양한 재즈 관용구, 세계 민속 음악, 새로운 학술 음악을 하나의 인상적인 사운드로 결합하는 데 중점을 두어 이러한 수단을 사용하여 깊이와 철학적 이해를 주장할 수 있었습니다. 삶의 가치.

오슬로에 위치한 회사의 메인 녹음 스튜디오는 스칸디나비아 음악가 카탈로그에서 지배적인 역할과 분명히 연관되어 있습니다. 우선 그들은 노르웨이 사람이다. 얀 가르바렉, 테르제 리프달, 닐스 페터 몰베르, 아릴드 안데르센, 존 크리스텐슨. 그러나 ECM의 지리적 위치는 전 세계를 포괄합니다. 유럽인들도 여기 있어요 데이브 홀랜드, 토마스 스탄코, 존 서먼, 에버하르트 웨버, 라이너 브루닝하우스, 미하일 알페린비유럽 문화의 대표자들 에그베르토 지스몬티, 플로라 푸림, 자키르 후세인, 트릴록 구르투, 나나 바스콘셀로스, 하리프라사드 차우라시아, 아누아르 브라헴그리고 많은 다른 사람들. American Legion은 그다지 대표적인 것이 아닙니다. 잭 디조네트, 찰스 로이드, 랄프 타우너, 레드먼 듀이, 빌 프리셀, 존 애버크롬비, 레오 스미스. 회사 출판물의 초기 혁명적 추진력은 시간이 지남에 따라 신중하게 연마된 사운드 레이어를 갖춘 개방형 형식의 명상적이고 분리된 사운드로 바뀌었습니다.

일부 주류 지지자들은 이러한 추세의 음악가들이 선택한 길을 거부합니다. 그러나 세계문화로서의 재즈는 이러한 반대에도 불구하고 발전하여 매우 인상적인 결과를 낳고 있습니다.

쿨한 스타일의 세련미와 멋짐, 미국 동부 해안 지역의 프로그레시브한 합리성과는 대조적으로 50년대 초반의 젊은 음악가들은 겉보기에 지쳐 보이는 비밥 스타일의 발전을 계속했다. 이러한 추세에는 50년대의 특징인 아프리카계 미국인의 자기인식의 성장이 중요한 역할을 했습니다. 아프리카계 미국인의 즉흥 연주 전통에 충실하는 데 새로운 초점이 맞춰졌습니다. 동시에 비밥의 모든 업적은 보존되었지만 조화 분야와 리듬 구조 분야 모두에서 멋진 발전이 많이 추가되었습니다. 새로운 세대의 음악가들은 일반적으로 좋은 음악 교육을 받았습니다. 이 전류는 "하드밥", 꽤 많은 것으로 밝혀졌습니다. 트럼펫 연주자들이 합류했습니다. 마일스 데이비스, 패츠 나바로, 클리포드 브라운, 도널드 버드, 피아니스트 Thelonious Monk, 호레이스 실버, 드러머 아트 블레이크, 색소폰 연주자 소니 롤린스, 행크 모블리, 캐논볼 애덜리(Cannonball Adderley), 더블 베이시스트 폴 챔버스그리고 많은 다른 사람들.

새로운 스타일의 개발에 중요한 또 다른 기술 혁신인 장기 재생 레코드의 등장이 밝혀졌습니다. 긴 솔로 녹음이 가능해졌습니다. 음악가들에게 이것은 유혹이자 어려운 시험이 되었습니다. 왜냐하면 모든 사람이 오랫동안 완전하고 간결하게 말할 수는 없기 때문입니다. 트럼펫 연주자는 이러한 장점을 가장 먼저 활용하여 Dizzy Gillespie의 스타일을 더 차분하지만 더 깊은 연주로 수정했습니다. 가장 영향력이 컸던 것은 지방 나바로그리고 클리포드 브라운. 이 음악가들은 고음역의 기교적인 고속 악절이 아니라 사려 깊고 논리적인 멜로디 라인에 주된 관심을 기울였습니다.

핫 재즈는 뉴올리언스 재즈 음악가들이 북쪽, 주로 시카고로 대량 이주하는 것과 동시에 가장 높은 창작 활동을 했던 뉴올리언스 두 번째 물결의 선구자들의 음악으로 간주됩니다. 이 과정은 미국의 1차 진출로 인해 스토리빌이 폐쇄된 직후부터 시작됐다. 세계 대전이러한 이유로 뉴올리언스를 군사 항구로 선언한 것은 재즈 역사상 소위 시카고 시대를 의미했습니다. 이 학교의 주요 대표자는 루이 암스트롱(Louis Armstrong)이었습니다. 여전히 King Oliver 앙상블에서 공연하는 동안 암스트롱은 당시 재즈 즉흥 연주의 개념을 혁명적으로 변경하여 전통적인 집단 즉흥 연주 방식에서 개별 솔로 파트 연주로 전환했습니다.

이러한 유형의 재즈의 이름 자체는 이러한 솔로 파트를 연주하는 방식의 특징적인 감정적 강도와 관련이 있습니다. Hot이라는 용어는 원래 1920년대 초에 발생한 솔로 연주에 대한 접근 방식의 차이를 강조하기 위해 재즈 솔로 즉흥 연주와 동의어였습니다. 나중에 집단 즉흥 연주가 사라지면서 이 개념은 재즈 자료를 연주하는 방법, 특히 악기 및 보컬 연주 스타일을 결정하는 특수 사운드, 소위 뜨거운 억양과 연관되기 시작했습니다. 특별한 방법리듬화 및 특정 억양 기능.

아마도 재즈 역사상 가장 논란이 많은 운동은 "프리 재즈"의 출현과 함께 일어났을 것입니다. 요소이긴 하지만 "프리 재즈""실험"이라는 용어 자체가 나타나기 오래 전에 존재했습니다. 콜먼 호킨스, 피 위 러셀, 레니 트리스타노, 그러나 색소폰 연주자와 피아니스트와 같은 선구자들의 노력을 통해 1950년대 말에 이르러서야 세실 테일러, 이 방향은 독립적인 스타일로 형성되었습니다.

이 두 뮤지션이 다른 뮤지션들과 함께 만들어낸 것, 존 콜트레인, 앨버트 오일러그리고 같은 커뮤니티 선라오케스트라그리고 음악의 구조와 느낌의 다양한 변화로 구성된 The Revolutionary Ensemble이라는 그룹이 있습니다.
상상력과 훌륭한 음악성을 바탕으로 도입된 혁신 중에는 음악이 어떤 방향으로든 움직일 수 있게 해주는 코드 진행을 포기한 것이 있습니다. 또 다른 근본적인 변화는 '스윙'이 수정되거나 아예 무시되는 리듬 영역에서 발견됐다. 즉, 펄스, 미터, 그루브는 더 이상 재즈 독해에서 필수적인 요소가 아니었다. 또 다른 주요 구성 요소는 무질서와 관련이 있습니다. 이제 음악적 표현은 더 이상 일반적인 음조 체계에 기반을 두지 않습니다.

날카로운 소리, 짖는 소리, 경련성 음이 이 새로운 사운드 세계를 완전히 채웠습니다. 프리 재즈는 오늘날에도 실행 가능한 표현 형식으로 계속 존재하며 실제로 더 이상 초기만큼 논란의 여지가 있는 스타일이 아닙니다.

아마도 재즈 역사상 가장 논란이 많은 운동은 "프리 재즈"의 출현과 함께 일어났을 것입니다.

유럽 ​​학술음악과 비유럽 민속음악의 요소들을 종합한 재즈 록을 기반으로 1970년대에 등장한 현대적인 스타일의 방향.
재즈 록의 가장 흥미로운 작곡은 작곡 솔루션과 결합된 즉흥 연주, 록 음악의 고조파 및 리듬 원리 사용, 동양의 멜로디와 리듬의 적극적인 구현, 전자 음향 처리 수단의 도입이 특징입니다. 그리고 음악으로의 합성.

이 스타일에서는 모달 원리의 적용 범위가 확대되고 이국적인 모드를 포함한 다양한 모드의 범위가 확대되었습니다. 70년대에는 재즈 록이 엄청난 인기를 얻었고 가장 활동적인 음악가들이 합류했습니다. 다양한 음악적 수단의 종합이라는 측면에서 더욱 발전한 재즈록을 '퓨전'(퓨전, 병합)이라고 부른다. "퓨전"에 대한 추가적인 자극은 유럽 학술 음악에 대한 또 다른 (재즈 역사상 최초는 아님) 활이었습니다.

많은 경우 퓨전은 실제로 재즈와 기존 팝 음악, 가벼운 리듬 앤 블루스를 결합한 형태가 됩니다. 크로스오버. 음악적 깊이와 권한 부여에 대한 퓨전 음악의 야망은 여전히 ​​충족되지 않은 상태로 남아 있지만, Tribal Tech 및 Chick Corea의 앙상블과 같은 그룹에서 드물게 검색이 계속되는 경우도 있습니다. 듣다: Weather Report, Brand X, Mahavishnu Orchestra, Miles Davis, Spyro Gyra, Tom Coster, Frank Zappa, Urban Knights, Bill Evans, New Niacin 출신, Tunnels, CAB.

현대의 펑키 재즈반주자가 블랙 팝소울 스타일로 연주하는 반면, 솔로 즉흥 연주는 좀 더 창의적이고 재즈적인 성격을 띠는 70년대와 80년대 대중적인 재즈 스타일을 말합니다. 이 스타일의 색소폰 연주자 대부분은 블루스한 외침과 신음소리로 구성된 자신만의 간단한 프레이즈 세트를 사용합니다. 그들은 King Curtis의 Coasters 녹음과 같은 리듬 앤 블루스 보컬 녹음의 색소폰 솔로에서 채택된 전통을 기반으로 합니다. 주니어 워커 Motown 레이블의 보컬 그룹과 함께, 데이비드 산본폴 버터필드의 '블루스 밴드' 중. 이 장르의 저명한 인물 - 자주 이 스타일의 솔로 연주를 펼쳤습니다. 행크 크로포드펑크 같은 반주를 사용합니다. 음악의 대부분 , 그리고 그들의 학생들은 이 접근법을 사용합니다. , 또한 스타일로 작업 " 모던 펑크".

이 용어에는 두 가지 의미가 있습니다. 첫째로, 이 표현의 수단재즈에서. 지원 비트에서 리듬의 지속적인 편차를 기반으로 하는 특징적인 유형의 맥동입니다. 덕분에 불안정한 평형 상태에 있는 내부 에너지가 크다는 인상이 생성됩니다. 둘째, 1920년대와 30년대에 흑인과 유럽 스타일의 재즈 음악이 결합된 결과로 등장한 오케스트라 재즈 스타일입니다.

초기 정의 "재즈록"가장 명확했습니다. 재즈 즉흥 연주와 록 음악의 에너지 및 리듬이 결합된 것입니다. 1967년까지 재즈와 록의 세계는 사실상 별개로 존재했습니다. 그러나 이 무렵 록은 더욱 창의적이고 복잡해지며 사이키델릭한 록과 소울 음악이 등장합니다. 동시에 일부 재즈 뮤지션들은 순수한 하드밥에 질리기 시작했지만 어려운 아방가르드 음악을 연주하고 싶지 않았습니다. 그 결과, 서로 다른 두 관용어가 아이디어를 교환하고 힘을 합치기 시작했습니다.

1967년부터 기타리스트 래리 코리엘, 비브라폰 연주자 게리 버튼, 1969년 드러머 빌리 코밤 Brecker 형제가 연주한 그룹 "Dreams"와 함께 그들은 새로운 스타일 공간을 탐색하기 시작했습니다.
60년대 말에 마일스 데이비스는 재즈 록으로 전환하는 데 필요한 잠재력을 갖게 되었습니다. 그는 8/8 리듬과 전자 악기를 사용하여 모달 재즈의 창시자 중 한 사람이었습니다. 새로운 단계, "Bitches Brew", "In a Silent Way" 앨범을 녹음했습니다. 현재 그와 함께 수많은 음악가들이 있으며, 이들 중 다수는 나중에 이 운동의 핵심 인물이 됩니다. (John McLaughlin) 조 자비눌(조 자비눌) 허비 행콕. 데이비스 특유의 금욕주의, 간결함, 철학적 사색은 새로운 스타일에 꼭 맞는 것으로 드러났습니다.

1970년대 초반까지 재즈 록비록 많은 재즈 순수주의자들의 조롱을 받았지만 창의적인 재즈 스타일이라는 자신만의 독특한 정체성을 가지고 있었습니다. 새로운 방향의 주요 그룹은 다음과 같습니다. '리턴 투 포에버', '날씨 예보', '마하비슈누 오케스트라', 다양한 앙상블 마일스 데이비스. 그들은 재즈와 록의 다양한 기술을 결합한 고품질 재즈 록을 연주했습니다. Asian Kung-Fu Generation, Ska - Jazz Foundation, John Scofield Uberjam, Gordian Knot, Miriodor, Trey Gunn, 트리오, Andy Summers, Erik Truffaz- 프로그레시브 음악과 재즈 록 음악이 얼마나 다양한지 이해하려면 꼭 들어보세요.

스타일 재즈 랩지난 수십 년간의 아프리카계 미국인 음악을 현재의 새로운 지배적 형태와 결합하여 경의를 표하고 영감을 주려는 시도였습니다. 새로운 삶이것의 첫 번째 요소인 융합으로 들어가고 두 번째 요소의 지평도 확장됩니다. 재즈랩의 리듬은 힙합에서 완전히 차용했고, 샘플과 사운드 질감은 주로 쿨재즈, 소울재즈, 하드밥 등의 음악 장르에서 따왔다.

이 스타일은 힙합 스타일 중 가장 멋있고 유명했으며, 많은 예술가들이 아프리카 중심의 정치의식을 보여주며 그 스타일에 역사적 진정성을 더해주었다. 이 음악의 지적인 성향을 고려하면, 재즈 랩이 결코 거리 파티에서 인기를 끌지 못했다는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 하지만 아무도 그것에 대해 생각하지 않았습니다.

재즈 랩의 대표자들은 스스로를 하드코어/갱스터 운동에 대한 보다 긍정적인 대안의 지지자라고 불렀습니다. 이 운동은 90년대 초반 랩의 선두 위치를 대체했습니다. 그들은 점점 커지는 도시 음악 문화의 공격성을 받아들이거나 이해할 수 없는 청취자들에게 힙합을 전파하려고 했습니다. 따라서 재즈 랩은 학생 기숙사에서 팬의 대부분을 찾았으며 수많은 비평가와 백인 얼터너티브 록 팬의 지원을 받았습니다.

팀 모국어(아프리카 밤바타)- 아프리카계 미국인 랩 그룹으로 구성된 뉴욕 콜렉티브는 스타일을 대표하는 강력한 세력이 되었습니다. 재즈 랩다음과 같은 그룹이 포함됩니다. 트라이브 콜드 퀘스트, 드 라 소울, 정글형제. 곧 창의력이 시작되었습니다. 파낼 수 있는 행성그리고 갱 스타명성도 얻었습니다. 90년대 중후반에 이르러 얼터너티브 랩은 수많은 서브스타일로 나뉘기 시작했고, 재즈랩은 더 이상 새로운 사운드의 한 요소가 되지 못했다.

현대 재즈의 기원은 아프리카 음악 문화에 뿌리를 두고 있습니다. 크리스토퍼 콜럼버스가 신대륙을 발견하고 유럽인들이 그곳에 정착한 후, 인간 물품을 거래하는 선박들은 점점 더 미국 해안으로 향했습니다.

힘든 노동에 지치고 향수병에 시달리고 경비원의 잔인한 처우로 고통받는 노예들은 음악에서 위안을 찾았습니다. 점차적으로 미국인과 유럽인들은 특이한 멜로디와 리듬에 관심을 갖게 되었습니다. 재즈는 이렇게 탄생했다. 재즈 란 무엇이며 그 특징은 무엇입니까? 이 기사에서는 고려할 것입니다.

음악 방향의 특징

재즈에는 즉흥 연주(스윙)와 특별한 리듬 구조(싱코페이션)를 기반으로 하는 아프리카계 미국인 음악이 포함됩니다. 한 사람이 곡을 쓰고 다른 사람이 연주하는 다른 장르와 달리 재즈 연주자는 작곡가이기도 합니다.

멜로디는 저절로 만들어지며, 작곡과 연주의 기간은 최소한의 기간으로 구분됩니다. 재즈는 이렇게 탄생합니다. 오케스트라? 이것이 바로 음악가들이 서로 적응하는 능력이다. 동시에 모든 사람은 즉흥적으로 자신의 것을 만듭니다.

자발적인 작곡의 결과는 악보(T. Cowler, G. Arlen "Happy All Day", D. Ellington "Don't You Know What I Love?" 등)에 저장됩니다.

시간이 지나면서 아프리카 음악은 유럽 음악과 합성되었습니다. 가소성, 리듬, 멜로디, 소리의 하모니를 결합한 멜로디가 등장했습니다(CEATHAM Doc, Blues In My Heart, CARTER James, Centerpiece 등).

지도

재즈에는 30가지가 넘는 스타일이 있습니다. 그 중 일부를 살펴보겠습니다.

1. 블루스. 에서 번역됨 영어 단어'슬픔', '우울함'을 의미합니다. 처음에 블루스는 아프리카계 미국인의 서정적인 솔로 노래에 붙여진 이름이었습니다. 재즈 블루스는 세 줄의 시 형식에 해당하는 12마디 기간입니다. 블루스 작곡은 느린 템포로 연주되며 가사에는 절제된 표현이 있습니다. 블루스 - Gertrude Ma Rainey, Bessie Smith 등.

2. 래그타임. 스타일 이름을 문자 그대로 번역하면 찢어진 시간입니다. 음악 용어에서 "래그(rag)"는 소절 박자 사이에 추가되는 소리를 의미합니다. 이러한 경향은 해외 사람들이 F. Schubert, F. Chopin, F. Liszt의 작품에 관심을 갖게 된 이후에 나타났습니다. 유럽 ​​작곡가들의 음악은 재즈 스타일로 연주되었습니다. 나중에 독창적인 작곡이 등장했습니다. Ragtime은 S. Joplin, D. Scott, D. Lamb 등의 작품에서 전형적입니다.

3. 부기우기. 이 스타일은 지난 세기 초에 나타났습니다. 값싼 카페의 주인은 재즈를 연주할 음악가가 필요했습니다. 이런 반주를 하려면 오케스트라가 있어야 하는 것은 당연하지만, 많은 연주자를 초대하는 데는 비용이 많이 든다. 피아니스트들은 다양한 악기의 사운드를 보완하여 수많은 리듬 구성을 만들어냈습니다. 부기 기능:

• 즉흥 연주;
• 기교적 기술;
• 특별반주: 왼손모터 오스티넌트 구성을 수행하며 베이스와 멜로디 사이의 간격은 2~3옥타브입니다.
• 지속적인 리듬;
• 페달 제외.

부기우기는 로미오 넬슨(Romeo Nelson), 아서 몬타나 테일러(Arthur Montana Taylor), 찰스 에이버리(Charles Avery) 등이 연기했습니다.

스타일 범례

재즈는 전 세계 여러 나라에서 인기가 있습니다. 어디에나 자신만의 스타가 있고 수많은 팬들로 둘러싸여 있지만 일부 이름은 진정한 전설이 되었습니다. 그들은 널리 알려지고 사랑받고 있으며, 특히 루이 암스트롱(Louis Armstrong)이 그러한 음악가이다.

루이가 교정 수용소에 갇히지 않았다면 가난한 흑인 동네 소년의 운명이 어땠을지는 알려지지 않았습니다. 밴드가 재즈를 연주하지는 않았지만 미래의 스타는 브라스 밴드에 등록되었습니다. 그리고 그것이 어떻게 수행되었는지, 청년은 훨씬 나중에 스스로 발견했습니다. 암스트롱은 근면과 인내 덕분에 세계적인 명성을 얻었습니다.

Billie Holiday(실명 Eleanor Fagan)는 재즈 노래의 창시자로 간주됩니다. 가수는 지난 세기 50년대 나이트클럽의 장면을 연극 무대로 바꾸면서 인기의 정점에 도달했습니다.

3옥타브 음역의 소유자인 Ella Fitzgerald의 삶은 쉽지 않았습니다. 어머니가 돌아가신 후 그 소녀는 집을 떠나 그다지 품위없는 생활 방식을 살았습니다. 가수 경력의 시작은 아마추어 나이트 음악 대회에서의 공연이었습니다.

조지 거슈윈(George Gershwin)은 세계적으로 유명합니다. 작곡가는 클래식 음악을 기반으로 재즈 작품을 만들었습니다. 예상치 못한 연주 방식은 청취자와 동료를 사로잡았습니다. 콘서트에는 변함없이 박수가 수반되었습니다. 최대 유명한 작품 D. Gershwin - "Rhapsody in Blue"(Fred Grof와 공동 집필), 오페라 "Porgy and Bess", "An American in Paris".

또한 인기 있는 재즈 연주자들은 Janis Joplin, Ray Charles, Sarah Vaughn, Miles Davis 등이었습니다.

소련의 재즈

소련에서 이 음악 운동의 출현은 시인이자 번역가이자 연극인인 발렌틴 파르나크(Valentin Parnakh)의 이름과 관련이 있습니다. 거장이 이끄는 재즈 밴드의 첫 번째 콘서트는 1922년에 열렸습니다. 나중에 A. Tsfasman, L. Utesov, Y. Skomorovsky는 악기 연주와 오페레타를 결합하여 연극 재즈의 방향을 형성했습니다. E. Rosner와 O. Lundstrem은 재즈 음악을 대중화하는 데 많은 노력을 기울였습니다.

1940년대 재즈는 부르주아 문화의 현상으로 널리 비판받았다. 50년대와 60년대에는 공연자에 대한 공격이 중단되었습니다. 재즈 앙상블은 RSFSR과 다른 연합 공화국에서 만들어졌습니다.

오늘날 재즈는 콘서트장과 클럽에서 자유롭게 연주됩니다.