「詩的な発見 - 俳句」というテーマに関する研究活動。 日本文化

7年生の授業の概要。

トピック: 松尾芭蕉 (1644-1694) の生涯と作品。 俳句。

組織化の瞬間：レッスンに必要なもの（教科書、ノート、筆記用具）がすべて揃っていることを確認し、背筋を伸ばして座ってください。

目標:

日本の伝説や習慣、芭蕉の伝記から得たいくつかの事実を知る。

俳句の特異な構造、行の意味論的負荷、俳句の構成原理、ジャンルの特異な進化の特定。

教科書や表を使って表現力豊かな読解スキルを養います。

教室設備：本の展示、レッスン用のイラスト、プレゼンテーションMicrosoft パワーポイント、マルチメディアプロジェクター。

レッスンタイプ: 組み合わせ。

方法：口頭（説明、教科書や本を使った作業）とビジュアル（イラスト、デモンストレーション）。

レッスンの進行状況:

知識を更新しています。

先生の言葉：

松尾芭蕉（本名宗房、1644～1694）は、俳諧というジャンルの発展に大きな役割を果たした日本の偉大な詩人です。
芭蕉は、本州の中央部にある伊賀国の貧しい武家に生まれ、幼少期より良い教育を受けました。 1672 年、彼は故郷を離れ、江戸 (現在の東京) に定住し、当時の有力な詩派の 1 つである檀林に入門しました。 彼は生前に大きな権威を享受し、多くの弟子を抱えていました。
芭蕉は長い間、江戸郊外の古川で、弟子の三風から贈られた小屋に住んでいた。 この小屋の隣に芭蕉が植えられていたため、小屋を芭蕉庵と号した。

芭蕉は全国を何度も旅しましたが、その時までに独立した詩ジャンルとして台頭していたテルセツ（俳句）の達人として最も高い評価を受けました。
芭蕉の詩的遺産は、芭蕉とその生徒たちが作成した 7 冊の詩集によって代表されています。「冬の日」（1684 年）、 春の日「（1686）、「失速した野原」（1689）、「ひょうたんカボチャ」（1690）、「猿のわらマント」（第1巻、1691年、第2巻、1698年）、「石炭の袋」（1694年）、散文と詩を組み合わせて書かれた抒情的な日記（その中で最も有名なのは「北の道」）、本や詩の序文、芸術についての考えや詩的創造のプロセスについての見解を含む手紙などです。

松尾芭蕉の詩と美学は中世と近世の日本文学の発展に影響を与えましたそして。

- 生徒は資料にメモを取り、新しい単語の意味を書き留めますV.

1) サムライ会員日本の封建的特権階級。

2) 俳句（俳句） - ジャンルと形式 日本の詩; tercet は、2 つの囲まれた 5 音節の詩と 1 つの詩から構成されます。真ん中に7音節。象形文字の 1 つの列を構成する 17 音節。

3) カリグラフィーは、鮮明で美しい手書きの文字で書く芸術です。

4) アンソロジー - さまざまな国の厳選された作品（文学、哲学、音楽） ;

5) テザ～主張、主張され、その後何らかの推論で証明される立場、声明 .

6) アンチテーゼ - で フィクション印象を高めるための文体、はっきりと対照的または対立する概念やイメージの並置。

7) カタルシス -現実の出来事ではなく、その象徴的な表現によって引き起こされる強い感情的ショック。

2. 教科書の記事 (p. 263-268) を一緒に読んだ後、次の質問に答えます。

１）芭蕉をどのように想像しますか？

2) 芭蕉の生き方や創作に対する姿勢は、あなたの心にどのような感情を呼び起こしましたか?

3. 1680 年、芭蕉は日本の詩史上有名な詩のオリジナル版を作成しました。

裸の枝に

レイブンは一人で座っています。

秋の夕方。

詩人は最終版を作成するまでの数年間、この作品に戻りました。 これは、芭蕉が一字一句にどれだけ一生懸命取り組んでいたかを示しています。 長年にわたる模索が終わり、彼は芸術の道を見つけました。

4. 俳句に関する教科書の記事を参照する。 テーブルに記入します。

俳句の構造

17 音節の 3 行の詩的なミニチュア。

周囲を囲む2つの5音節の詩と、中央にある1つの7音節の詩からなる3行の詩

最初の行はテーゼ、2 行目はアンチテーゼ、3 行目はカタルシスです (用語を生徒に説明します)。

俳句構成の美的原則。

「悟り」 - 悟りの境地

「寂しさ」 - 孤独、外界全体からの疎外感

「かるみ」 - 軽やかさと崇高さ、認識のしやすさ

「細見」 - 薄さと脆さ

「シュリ」 - 悲しみ、同情

「不易流子」 - 世界の絶え間ない変化、動きと休息の統一

ジャンルの進化

北空 - 漫画ジャンル（荒木田盛池（1465-1549））

Hokku - 叙情ジャンル (松尾別所)

俳句の主題の拡大（谷口蕪村（17160-1783））

作業をまとめます。

俳句～ それは詩ではなく、生き方、内なる洞察による孤独、悲しみ、幸福の世界、周囲を取り囲み覗き込む必要がある発見の世界に浸ることです。

教科書のイラストをアピール（264、265、268、269ページ）。

俳句学生による表情豊かな朗読「秋の日の終わり」

秋の日々の終わり。

すでに手を上げている

栗の殻。

テーゼ、アンチテーゼ、カタルシスの内容を決定します。

論文「秋の終わりの日」

アンチテーゼ - 「すでに手を上げている」

カタルシス「栗の殻」

俳句ではどんなイメージが再現されるのでしょうか？ （避けられない冬の前に戸惑いながら広げた手のような、開いた栗の葉）。

Ⅲ。 レッスンの概要

先生の言葉：

芭蕉の詩と散文は、当時の日本を私たちに教えてくれます。 詩人は全国を見て回るために北へ放浪を続けることを望んでいたが、1694年に大阪市で死が見つかり、そこで弟子たちに囲まれて亡くなった。

芭蕉は、日本の詩に革命をもたらした独自の流派を設立しました。 彼の死後、学校は徐々に崩壊していきました。

20世紀には 俳句は俳句といいます。

IV. 宿題。

俳句を暗記してみましょう（オプション）。

個別のタスク:

犬山城に関するレポートを作成する。

日本の書道について。

主人公の義経について。

使用素材:

http://www.tonnel.ru/?l=gzl&uid=1081&op=bio - 伝記。 偉人の生涯史

文学 7 年生: 一般教育機関向け教科書: 2 時間で / 著者。 コンプ。 G.S. Merkin.- 第 7 版、M.: LLC TID「Russkoe Slovo-RS」、2009.- 344 p。

ロシア語の解説辞典。 D.N.ウシャコフ編集編集者：D.N. ウシャコワ。 – M.: Astrel Publishing House LLC、AST Publishing House LLC、2000。 – 848 p.

芭蕉の詩のイメージは、芸術家の美的理想に照らして変形された現実の反映の一形態として、周囲の世界の特定の現象を通じて直感的に理解される物事の精神、つまり現実を示すことを目的としています。
芭蕉にとって、自然のイメージは特別な意味を持ちました。なぜなら、芭蕉は自然を真実と美の源と考えていたからです。宇宙。" 詩人の美意識に反映された人間の日常生活も、現象の内なる本質を知るという深い意味に満ちたイメージを生み出しました。 V.N. マルコワが書いているように、芭蕉の詩は「季節の循環を背景に、自然の命と人間の命が融合し、溶けることのない一体性を描いている」。
芭蕉は、あらゆるもの、すべての人々の重要性を前提に、イメージを作成し、それを提示します。そのため、イメージは常に小さなものの中に世界の偉大さを感じさせます。 このイメージは、詩人が描かれた人物と同じ感情を抱くこと（細見）の結果として生まれ、悲しみや慈悲の動機（栞）を内包し、言葉にならない「過剰な感情」（養情）を残します。

人間と自然の精神的な統一、世界の単一の本質という考えは、足に触れている小さな生き物であるカニのイメージで明らかにされています。 この画像はまた、さらなる透明感、新鮮さを生み出し、画像と相互作用します。 きれいな水。 最初の 2 行では、作者の注意はカニのイメージに集中しており、句のスペースは最小限に圧縮されているように見えます。 最後の行は、描かれているものの限界を押し広げます。 そこに含まれるイメージは、水の透明性を語るだけでなく、俳句の感情的な内容を単一の現象のイメージの枠組みから空間的に限定されない平面に取り出すという目的も果たしています。
俳句における重要な位置は、貧しい世界の比喩的な啓示によって占められています。 これは日本の詩にとって新しい現象ではなく、社会的動機を伴う山上憶良（8世紀）の作品を思い出すだけで十分です。 芭蕉が唐の時代（618～906年）の中国詩に親しんでいたことも影響しており、多くの詩人の作品に市民的思想が特徴づけられていた。 しかし、何よりも、今世紀の傾向、都市文化の発展、そしてそれに関連する文学の民主化の一般的なプロセスがここに影響を与えました。
しかし同時に、芭蕉の詩に登場する仏教的立場に立つ人物像は、独創性を特徴としています。 I.M. ライスナーによれば、「仏教は人格そのもの、つまり実際に存在するものを認識していません。」 このため、詩人の作品では社会的および市民的動機が排除され、民主主義は仏陀に万物が参加するという考えを持った屈折した禅民主主義の特定の形をとります。 同様に禅の影響を受けた川端康成の作品に関連して、K. Reho は次のように書いています。男に。 世界は、人間が英雄であり創造者である人間の行動の場とは見なされません。 禅の美学では、人間は自然現象の一つとして現れ、自然と溶け合うことのできない一体性を持っています。 禅の芸術では自然が第一です 美的価値。 創造的な分析を拒否する禅の芸術は、いわば社会的闘争を超越したものである...」 同時に、平安時代の文学が深い意味を与えたとすれば、 心理的特徴人間であり、和歌では彼の親密な世界、愛の経験に焦点が当てられていましたが、芭蕉の詩はこの人間の感情の領域からは遠く離れています。 ここで人は、自分の情熱や欲望の全体として現れるのではなく、地上のものから浄化され、自然の本質と結合して、いわば地上から引き上げられたように、自分の本質を明らかにします。

詩「かわいそうな人」では、日常の背景は「止まる」という動詞によって脇に追いやられ、人の視線は高いところ、つまり月に向けられており、意味的には真実、純粋、悲しい、という概念が含まれています。さみしい。 2 番目の詩では、逆の順序が観察されます。 自然は「生きる」という動詞によって日常生活に入り込みます。これは、水の入った容器に保管されている切り取った植物について彼らが言うことです。 自然と人間という 2 つの世界の統一性も、「その影の下」という空間的な細部によって表現されており、周囲の日常環境はいわばツツジによって隠されています。
芭蕉の詩では、人の精神的なイメージが、その人生の乏しく控えめな描写を通じて表現されることがよくあります。

彼の思想体系における貧困は高貴さと同義であるため、詩人は日常生活を空にすることによって人間を高めます。 それは、日常生活の概念そのものが破壊された、率直にユーモラスな内容によってこの詩に現れています。
芭蕉の男性が静的に描かれていないことは注目に値しますが、彼の作品では、貧しい男が稲を脱穀し、摘み手がお茶を集め、老人が牡蠣の入った籠を運び、百姓が一掴みの干し草を抱えて歩きます。 詩は人に対する心からの同情を表現します。
芭蕉の詩の特徴の 1 つは、新しいイメージと伝統的なイメージの有機的な組み合わせであり、それらは 1 つの詩の中で頻繁に使用され、豊かな感情的な反応を引き起こします。

セミは、人生のはかなさ、はかなさの伝統的な比喩です。 このイメージは、内容が豊富で、詩的な伝統（沈黙、岩）とは関係のない、別の次元のイメージと組み合わせて導入され、世界の永遠の変動のアイデアを伝えています。 純粋で揺るぎない沈黙と蝉の鳴き声という、正反対の意味を持つ 2 つのイメージの統一により、詩人は何世紀にもわたる深みと人生の瞬間を示すことができます。 「俳句には『永遠の形』がある」という服部道峰の言葉がぴったりだ。 これに、次のように付け加えるべきです。そして、「一時的」について話しています。
芭蕉の俳句は、読者に新しい詩の世界を明らかにします。したがって、「俳句は、伝統的なイメージを「型破りに」使用することが特徴であり、多くの場合、詩人はそれらを新しい状況で使用し、再解釈します。

魂の饗宴の日、死者を火葬する野原から煙が立ち上り、悲しみが胸に突き刺さります。 兼好法師（1283年～1350年）は次のように記しています。 この世で素晴らしいのは無常だ。」 鳥部山は清水寺の近くにあり、古くは墓地がありました。 鳥部山の煙、つまり死体の火葬から出る煙は、地上の存在のもろさを語る比喩表現の一つとなっています。 それは詩に特別な色を与え、その全体的な雰囲気を形作ります。 さらに、ここでは特定の機会のために書かれた作品で使用されており、その伝統的な連想的な響きがまさにぴったりであることが判明しました。
芭蕉は、伝統的なイメージを用いて、彼を人間や日常生活に近づけるという意味で「グラウンディング」しているようです。

スミレは日本の詩において伝統的に賞賛される主題です。 この伝統は万葉集の歌に由来しています。 たとえば、山部赤人（8世紀前半）の詩には次のようなものがあります。

芭蕉では、このイメージは別の文脈に含まれています。詩人は山でスミレを見て、ほんの一瞬だけそれを見つめます。 俳句は、「なぜか楽」という言葉で表現される、無頓着な状態、理由のない喜びを伝えます。 イメージは従来の「崇高さ」ではなく、具体性と軽さを獲得しているようです。
伝統的なイメージは、深刻な面からユーモラスな面へと移行し、新しい方向性を獲得することができます。

和歌や連歌でよく歌われる「浮かぶ偉人の巣」、特に琵琶湖に浮かぶ偉人の巣は、たとえば短歌のように、漠然とした悲しみだけでなく、存在のはかなさ、人間存在の虚しさの表現としても機能しました。順徳院（1197年 - 1242年）：

芭蕉は、俳句の中で、江戸から近江へ行き、びわ湖に浮かぶカイツブリの巣を見に行くことを提案しています。 『三書』には「『見に行こう』という表現にこの句のユーモアが込められている」と書かれているが、江戸から近江までの道は決して短くないので、芭蕉には伝統的なイメージがある。悲しみのテーマ（カイツブリの巣）が、彼が以前は異例だった文脈に導入され、これに関連して、伝統的に悲しみに付随していたその役割や色合いが変化し、俳句の中では隠されている。詩のユーモラスな雰囲気。
画像は、同じような文脈で使用されると、異なる意味を持ち、読者に異なる影響を与えます。

沈黙に近い悲しい雨を注意深く見つめ、屋根を滑る春の雨のイメージが和歌にも表現されている。

俳句は和歌とは異なり、日常性があります。 古いスズメバチの巣と雨漏りする屋根は、春の雨の描写に「一時的な」要素を加えます。
与えられた例からわかるように、各画像は 伝統的な意味俳句の文脈を過去に拡張することができます。 各詩における伝統的なイメージの役割は異なり、俳句の方向性によって決まり、その文体体系によって決まります。
伝統的なイメージと、単純な日常の現象を反映した新しいイメージが組み合わされて、現代化され、より現実に近づき、独自の俳句イメージとして認識されます。
芭蕉の詩には印象派ともいえるイメージも含まれています。 時には詩人は色、音、匂いを通して外の世界を表現し、瞬間的な感覚を伝えます。 「真実はただ一つです」と E. マネは言います。「それは、見たものをその場で即座に把握することです。 印象派は、自分の表現が物体や現象の客観的な特性や性質に対応しているかどうかを考えません。 印象派の「現実」は、時には彼の認識の主観的な真実にすぎません。芭蕉は、そのようなイメージの助けを借りて、現実を非現実として提示し、隠された謎の感覚を残します。」
白色は、最も内側にある理解できない空虚の表現として特別な役割を果たします。

この句では音に色がついて夕暮れの雰囲気が増しています。 対義語系列の存在は、アヒルの鳴き声が白く、突き刺すような高音であれば、海の音は暗く、ゴロゴロとして鈍いことを示唆しています。 詩の 2 つの比喩的な層は融合され、結合されていますが、これは内的なつながりであり、隠されており、イメージのコントラストを通じて感じられます。
白い色はしばしば寒さと同義です。

俳句は視覚的なイメージと触覚の統一性を示しています。洗った白い玉ねぎは冷たさを感じさせます。
同じ意味で、冷たい白は秋風の形容詞となり、万葉集の「秋風」の意味で「白い風」という表現が見られるなど、伝統的な詩的なイメージを生み出しています。 :

詩人は、予期せぬイメージで夜の雰囲気を伝えます。鐘の音は消えましたが、この音を滲み出し始める花の香りに吸収されます。 俳句では、語句単位の違反が使用されます。 「鳴る」という動詞は鐘を指し、「きえる」という動詞は「消える」という意味で香りを指しているに違いありません。 語句単位の構成要素は存在しますが、再配置され、分離されています。 上の句は、「俳句を作るということは、想像の中で現実と向き合うということだ」という芭蕉の考えを表しているようです。

出版物より引用: Breslavets T.I. 松尾芭蕉の詩、GRVL出版社「NAUKA」、1981年
材料の準備: カーネルパニック

序文

日本の抒情詩である俳句は、その極端な簡潔さと独特の詩学によって際立っています。

人々は短い歌を愛し、喜んでそれを作ります。つまり、余分な言葉が一言も入っていない、簡潔な詩的な定型です。 これらの歌は民俗詩から文学詩へと移行し、その中で発展し続け、新しい詩の形式を生み出します。

こうして日本に短歌五行と俳句三行という国民詩形式が誕生したのである。

短歌（文字通り「短い歌」）はもともと民謡であり、日本の歴史の黎明期である 7 世紀から 8 世紀にはすでに文学詩のトレンドセッターとなり、背景に追いやられ、その後、いわゆる文学詩に完全に取って代わりました。長歌「長唄」（万葉集による8世紀の有名な歌集に収録）。 さまざまな長さの叙事詩的で叙情的な歌は民間伝承の中にのみ保存されています。 俳句は何世紀も後、「第三身分」の都市文化の全盛期に短歌から分離されました。 歴史的に、これはタンカの最初のスタンザであり、そこから詩的なイメージの豊かな遺産を受け取っています。

古代の短歌と若い俳句には何世紀にもわたる歴史があり、繁栄期と衰退期が交互に繰り返されてきました。 これらの形態は何度も絶滅の危機に瀕しましたが、時の試練に耐え、今日でも生き続け、発展し続けています。 長寿の例はこの種だけではありません。 ギリシャの警句は、ギリシャ文化が滅んだ後も消えることはなく、ローマの詩人によって採用され、今でも世界の詩に保存されています。 タジキスタン系ペルシャ人の詩人オマル・ハイヤームは、11 世紀から 12 世紀に素晴らしい四行詩 (ルバイ) を創作しましたが、私たちの時代でも、タジキスタンの民俗歌手がルバイを作曲し、そこに新しいアイデアやイメージを入れています。

明らかに、短い詩の形式が詩にとって緊急の必要性です。 このような詩は、直接の感情の影響下ですぐに作曲できます。 自分の考えを格言的に簡潔に表現して、記憶に残り、口から口へと伝えることができます。 賞賛したり、逆に皮肉を込めて嘲笑したりするために簡単に使用できます。

ついでながら、簡潔な表現への欲求と小さな形式への愛情は、記念碑的なイメージを作成することに優れているにもかかわらず、一般に日本の国民芸術に内在していることに注目するのは興味深いことです。

古い詩の伝統とは異質な普通の町民の間で生まれた、さらに短く簡潔な詩である俳句だけが、戦車に取って代わり、一時的に戦車からその優位性を奪うことができました。 新しいイデオロギー的内容の担い手となり、増大する「第三身分」の要求に最もよく応えることができたのは俳句でした。

俳句は抒情詩です。 季節の循環を背景に、自然の営みと人間の営みが溶け合い、溶け合うことのない一体性を描いています。

日本の詩は音節であり、そのリズムは特定の音節の交替に基づいています。 韻はありませんが、テルセットの音とリズミカルな構成は日本の詩人にとって大きな関心の対象です。

Haiku はメーターが安定しています。 各詩には特定の音節数があり、最初の音節が 5 音節、2 番目の音節が 7 音節、そして 3 番目の音節が 5 音節で、合計 17 音節になります。 これは、特に松尾芭蕉（1644 ～ 1694 年）のような大胆で革新的な詩人の間で、詩的ライセンスを排除するものではありません。 彼は詩的な表現力を最大限に高めるために、拍子を考慮しないこともありました。

俳句の規模は非常に小さいため、それに比べればヨーロッパのソネットは巨大なものに見えます。 単語数はわずかですが、容量は比較的大きいです。 俳句を書く技術とは、まず第一に、少ない言葉で多くのことを語る能力です。 簡潔さは俳句に似ています 民俗諺。 詩人芭蕉の詩のように、一部の語句はことわざとして大衆のスピーチで流行しています。

その言葉を言ってみます 唇が凍る。 秋の旋風！

ことわざとしては、「用心深いと沈黙を強いられることがある」という意味です。

しかし、ほとんどの場合、俳句はそのジャンルの特徴においてことわざとは大きく異なります。 これは啓発的な言葉や短い寓話、あるいは意図された機知ではなく、一筆か二筆で描かれた詩的な絵です。 詩人の使命は、読者に叙情的な興奮を与え、想像力を目覚めさせることであり、そのために細部まで絵を描く必要はありません。

チェーホフは弟のアレクサンダーに宛てた手紙の中で次のように書いている。それともオオカミがボールに丸まったのか...」

この描写方法は読者に最大限の活動を要求し、読者を創造的なプロセスに引き込み、思考に刺激を与えます。 句集をページごとにめくってざっと読むことはできません。 読者が受動的で十分な注意力を持たない場合、詩人が彼に送った衝動を知覚することはできません。 日本の詩学は、読者の思考の反作用を考慮に入れています。 このように、弓を弾くと弦が震えて音楽が生まれます。

俳句のサイズはミニチュアですが、これは詩人が俳句に与えることができる詩的または哲学的な意味を損なうものではなく、また俳句の思考の範囲を制限するものでもありません。 しかし、もちろん、この港は多面的なイメージを与えることはできず、最終的には俳句の範囲内でそのアイデアを完全に展開することはできません。 あらゆる現象において、彼はその頂点だけを求めます。

何人かの詩人、そしてまず第一に、その詩が人々の世界観を最も完全に反映している一茶は、小さくて弱い人たちを愛情を込めて描き、彼らの生きる権利を主張しました。 一茶がホタル、ハエ、カエルのために立ち上がるとき、そうすることで彼が封建的な主人によって地球上から一掃されかねない、小さくて恵まれない人々を守るために立ち上がることを理解するのは難しくありません。 。

このように、詩人の詩には社会的な響きが満ちています。

月が出てきました そしてあらゆる小さな茂みも 休日に招待されました

とイッサは言います、そして私たちはこの言葉の中に人々の平等の夢を認識します。

俳句は小さなものを優先して、時には大きなスケールの絵を描きます。

海が荒れてます！ 遠く、佐渡島へ。 天の川が広がっています。

芭蕉のこの句は一種の覗き穴です。 そこに目を向けると、広い空間が見えてきます。 風は強いがよく晴れた秋の夜、日本海が目の前に広がります。星の輝き、白い砕波、遠くの空の端には佐渡島の黒いシルエットが見えます。

あるいは、別の芭蕉の句を取り上げてみましょう。

高い堤防には松の木があり、 そしてそれらの間には桜が見え、宮殿が見えます 花の咲く木々の奥で…

3 行に 3 つのパース プランがあります。

俳句は絵画芸術に似ています。 それらはしばしば絵画の主題として描かれ、ひいては芸術家にインスピレーションを与えました。 時には、それらは書道の碑文の形で絵画の一部に変わりました。 詩人は絵画芸術に似た描写方法に頼ることもありました。 たとえば、これは蕪村のテルセットです。

周りには三日月の花。 太陽が西に傾いています。 東の空から月が昇っています。

幅広いフィールドをカバー 黄色い花菜種は夕日の光の中で特に明るく見えます。 東に昇る青白い月が、夕日の燃えるような玉と対照的です。 詩人は、どのような種類の照明効果が作成されるのか、パレットにどのような色があるのか​​について詳しくは語っていません。 彼は、誰もがおそらく何十回も見た絵に新しい見方を提供するだけです...絵の詳細のグループ化と選択は詩人の主な仕事です。 彼の矢筒には2、3本の矢しか入っていない。1本も飛んではいけない。

この簡潔な手法は、浮世絵の色彩彫刻の巨匠が使用した一般化された描写方法を非常に彷彿とさせることがあります。 さまざまな種類芸術 - 俳句と色彩彫刻 - は、17 世紀から 18 世紀の日本の都市文化の時代の一般的なスタイルの特徴によって特徴付けられており、このためそれらは互いに類似しています。

春の雨が降っています！ 彼らは途中で話します 傘とミノ。

この蕪村テルセットは、浮世絵の精神を取り入れた風俗場面です。 春の雨が降る中、2人の通行人が路上で話しています。 一人は藁のマントを着ており、もう一人は大きな紙傘をかぶっています。 それでおしまい！ しかし、この詩は春の息吹を感じ、グロテスクに近い、微妙なユーモアを持っています。

多くの場合、詩人は視覚的なイメージではなく、音のイメージを作成します。 風の遠吠え、セミの鳴き声、キジの鳴き声、ナイチンゲールやヒバリの鳴き声、カッコウの声、それぞれの音には特別な意味が込められており、特定の気分や感情を生み出します。

オーケストラ全体が森の中で響きます。 ヒバリが笛の旋律を奏で、キジの鋭い鳴き声が打楽器です。

ヒバリが歌います。 藪の中で鳴り響く一撃で キジが彼の声に同調します。

日本の詩人は、与えられた対象や現象に関連して生じる考えられる考えや連想の全体像を読者の前に展開しません。 それは読者の思考を目覚めさせ、それに特定の方向性を与えるだけです。

裸の枝に レイブンは一人で座っています。 秋の夕方。

詩はモノクロの水墨画のように見えます。 余分なものは何もなく、すべてが非常にシンプルです。 巧みに選ばれたいくつかのディテールの助けを借りて、晩秋の絵が作成されます。 風がないのを感じることができ、自然は悲しい静けさの中で凍っているように見えます。 詩的なイメージは、わずかに輪郭が描かれているように見えますが、大きな容量があり、魅惑的にあなたを連れて行きます。 まるで底が深い川の水の中を覗いているようです。 そして同時に、彼は非常に具体的です。 詩人は自分の小屋の近くの現実の風景と、それを通して自分の精神状態を描きました。 彼はカラスの孤独についてではなく、自分自身の孤独について話しているのです。

多くの余地は読者の想像力に委ねられています。 詩人と一緒に、彼はインスピレーションを受けた悲しみの感情を体験することができます。 秋の自然、または、非常に個人的な経験から生まれた憂鬱を彼と共有します。

何世紀にもわたって、古代の俳句が解説の層を獲得してきたことは不思議ではありません。 サブテキストが豊かであればあるほど、俳句の詩的スキルは高くなります。 示すのではなく、示唆するのです。 ほのめかし、ほのめかし、寡黙が詩的表現力のさらなる手段となります。 詩人イッサは亡くなった我が子を懐かしんでこう言いました。

私たちの人生は露です。 ほんの一滴の露を残してください 私たちの人生 - それなのに...

露は、稲妻、水面の泡、またはすぐに散る桜の花のように、人生のはかなさを表す一般的な比喩です。 仏教では、人間の命は短くはかなく、したがって特別な価値はないと教えています。 しかし、父親にとって最愛の我が子の喪失を受け入れるのは容易ではない。 一茶は「それでも…」と言って筆を置きます。 しかし、彼の沈黙そのものが言葉よりも雄弁になります。

俳句に誤解があることは十分に理解できます。 この詩はわずか 3 節で構成されています。 ギリシャの警句の六拍子とは対照的に、各詩は非常に短いです。 たとえば、ホトトギス - カッコウ、キリギリス - コオロギのように、5 音節の単語がすでに詩全体を占めています。 ほとんどの場合、2節で 意味のある言葉、形式的な要素と感嘆詞はカウントしません。 余分なものはすべて絞り出され、排除されます。 装飾のためだけに役立つものは何も残されていません。 俳句の文法ですら特別です。文法形式はほとんどなく、それぞれの文法形式が最大限の負荷を伴い、時には複数の意味を組み合わせます。 詩的なスピーチの手段は非常に控えめに選択されます。俳句では、形容詞や比喩を使わずに済む場合は避けます。

場合によっては、俳句全体が拡張された比喩である場合もありますが、その直接的な意味は通常、サブテキストに隠されています。

牡丹の中心から 蜂がゆっくりと這い出てきます… ああ、なんと不本意なことでしょう！

芭蕉は、もてなしてくれた友人の家を出るときにこの句を詠んだ。

しかし、すべての俳句にそのような二重の意味を求めるのは間違いです。 ほとんどの場合、俳句は現実世界の具体的なイメージであり、他の解釈を必要とせず、許可しません。

俳句は革新的な芸術でした。 時が経つにつれて、短歌が民俗起源から離れ、貴族のお気に入りの詩形式になった場合、俳句は商人、職人、農民、僧侶、乞食などの庶民の財産となりました...それは共通の表現や俗語をもたらしました言葉。 自然で会話的なイントネーションを詩に導入します。

俳句の舞台となったのは、貴族の首都の庭園や宮殿ではなく、都会の貧しい街路、田んぼ、街道、商店、居酒屋、旅館…。

あらゆる荒々しさから解放された「理想的な」風景、これが古い古典詩が自然を描いた方法です。 俳句において、詩は再びその視覚を取り戻した。 俳句の人間は静止しているのではなく、動いている。ここには雪のつむじ風の中をさまよう行商人がいて、ここには粉砕機を回す労働者がいる。 すでに10世紀の間に横たわっていた深淵 文学詩そして民謡はあまり普及しなくなってきました。 田んぼのカタツムリを鼻でつつくカラスは、俳句や民謡にもよく登場します。

古い戦車の標準的なイメージは、もはや「第三身分」の詩人たちが表現したかった、生きている世界の美しさに対する即座の驚きの感情を呼び起こすことはできませんでした。 新しいイメージ、新しい色が必要でした。 長い間、ただひとつの文学的伝統に依存してきた詩人たちは、今、人生、自分たちの周りの現実の世界に目を向け始めている。 古い儀式用の装飾は取り外されました。 俳句は、シンプルで目立たない日常の中に隠された美しさを見つけることを教えてくれます。 何度も歌われている有名な桜の花も美しいだけでなく、地味で一見見えないクレソンやナズナ、野生のアスパラガスの茎などの花も美しいです。

よく見てください！ ナズナの花 柵の下が見えます。

俳句はまた、普通の人々のささやかな美しさを鑑賞することを教えてくれます。 こちらは芭蕉が描いた風俗画です。

荒い鉢に入ったツツジ、 そしてその近くには崩れかけた干鱈がある 彼らの影にいる女性。

おそらくこれは、どこかの貧しい居酒屋の女主人かメイドでしょう。 状況は最も悲惨だが、明るいほど花の美しさ、女性の美しさが思いがけず際立ってくる。 芭蕉の別の句では、夜明けの漁師の顔は咲くケシに似ており、どちらも同じように美しいです。 美は稲妻のように襲いかかることがあります。

かろうじて良くなった 疲れて夜まで… そして突然 - 藤の花！

美しさは深く隠されている可能性があります。 俳句の中に、私たちはこの真実、つまり目立たない普通の人々、そして何よりも庶民の中にある美の肯定という、新しい社会的な再考を見出します。 これはまさに詩人亀鶴の詩の意味です。

春に咲くサクランボ 遠くの山の頂上ではない 私たちの谷だけで。

人生の真実に忠実に、詩人たちは封建時代の日本における悲劇的なコントラストを見ずにはいられませんでした。 彼らは自然の美しさと一般人の生活条件との間に不調和を感じていました。 この不和について話す 俳句芭蕉:

咲くヒルガオの隣で 脱穀機は収穫中に休んでいます。 なんと悲しいことでしょう、私たちの世界！

そしてため息のように、イッサはこう言いました。

悲しい世界! 桜が咲いても… それでも...

町民の反封建的な感情は俳句に反映されました。 桜祭りで侍を見て去来は言う。

どうですか、友達？ 桜を眺める男性 そしてベルトには長剣が！

人民の詩人、生まれは農民であるイッサは子供たちにこう尋ねます。

赤い月！ 誰がそれを所有しているのですか、子供たち？ 答えてください！

そして、子供たちは、空に浮かぶ月は誰のものでもないと同時に、その美しさはすべての人々のものであるため、同時に共通のものであるという事実について考えなければなりません。

選ばれた俳句の本には、日本の自然全体、その本来の生活様式、習慣と信念、日本人の仕事と休日が、最も特徴的な生活の細部まで含まれています。

だからこそ、ホッケーは愛され、心の底から知られ、今日に至るまで作曲され続けているのです。

俳句の特徴には、その歴史を知ることによってのみ理解できるものもあります。

時間が経つにつれて、短歌 (五節) は 3 節と 2 節の 2 つの節に明確に分けられるようになりました。 たまたま、ある詩人が最初のスタンザを作曲し、2番目のスタンザを作曲したのです。 その後、12 世紀には、交互の三連句と対句からなる連鎖詩が登場しました。 この形式は「連歌」と呼ばれていました。 最初のテルセットは「初期スタンザ」、または日本語では俳句と呼ばれていました。 連歌には主題的な統一性はありませんでしたが、そのモチーフやイメージはほとんどの場合、自然の描写と関連付けられており、必然的に季節が示されていました。

連歌は14世紀に最大の開花を迎えました。 そのために、季節の正確な境界が開発され、さまざまな自然現象の季節性が明確に定義されました。 標準的な「季語」さえも登場しました。これは従来、一年の常に同じ季節を指し、他の季節を説明する詩には使用されなくなりました。 たとえば、「霞」という言葉を言うだけで十分で、早春の霧の時間について話していることを誰もが理解しました。 その季語の数は3～4千にも及んだ。 したがって、梅の花、ナイチンゲール、クモの巣、桜と桃の花、ヒバリ、蝶、鍬で畑を掘り起こすなどの言葉や言葉の組み合わせは、その行為が春に行われることを示しています。 夏は土砂降り、カッコウ、田植え、開花桐、牡丹、稲刈り、暑さ、涼しさ、昼休み、蚊帳、ホタルなどの言葉で表現されていました。 秋を表す言葉は、月、星、露、蝉の声、収穫、盆、紅葉、萩、菊でした。 冬の言葉は、霧雨、雪、霜、氷、寒くて綿の上に暖かい服、囲炉裏、火鉢、年末です。

「長い日」とは、短い日の後には特に長く感じるため、春の日を意味しました。 冬の日。 秋は空気が特に澄み、月が他の時期よりも明​​るく輝くことから、「月」は秋の言葉です。

「春風」、「秋風」、「夏の月」、「冬の太陽」など、明確にするために季節が呼ばれることもありました。

連議では冒頭の句（俳句）が最も優れた句となることが多かった。 模範的な俳句を集めた個別の句集が出版され始めました。 この形式は、厳密な時期や季節の言葉など、連歌の特徴の多くを継承し、新しい大衆文学の詩となりました。 俳句は漫画連歌から、その幅広い語彙、駄洒落、そして口調の単純さを借用しました。 しかし 長い間それはまだ、特定のイデオロギーの深さや芸術的な表現力によって区別されていませんでした。

テルセットは日本の詩にしっかりと確立され、17 世紀後半に真の能力を獲得しました。 それは、俳句だけでなく、日本の詩学の美学全体の創始者である偉大な日本の詩人、松尾芭蕉によって、比類のない芸術的高みに引き上げられました。 3世紀を経た今でも、文化ある日本人なら誰でも芭蕉の詩を暗記しています。 彼らに関する膨大な研究文献が作成されており、国民的詩人の作品に対する人々の細心の注意が証明されています。

芭蕉は俳句に革命をもたらしました。 彼は彼女に人生の真実を吹き込み、滑稽な連歌の表面的なコメディやからくりを彼女に取り除いた。 階級内では形式的で生気のない道具だった季節の言葉が、彼にとっては深い意味に満ちた詩的なイメージとなった。

芭蕉の歌詞は、彼の詩的魂の世界、彼の感情や経験を私たちに明らかにしますが、彼の詩には親密さや孤立はありません。 芭蕉の詩の叙情的な主人公には特有の特徴があります。 これは詩人であり哲学者であり、母国の自然を愛すると同時に、大都市郊外の貧しい男でもあります。 そして彼は時代や人々と切り離せない存在です。 芭蕉の小さな句のひとつひとつに息吹を感じることができます。 巨大な世界。 これは大きな火災からの火の粉です。

芭蕉の詩を理解するには、芭蕉の時代を知ることが必要です。 ベストシーズン彼の作品は元禄時代（17世紀後半）にまで遡ります。 元禄時代は日本文学の「黄金時代」と考えられています。 この頃、芭蕉は詩を創作し、素晴らしい小説家である井原西鶴は物語を書き、劇作家の近松門左衛門は戯曲を書きました。 これらの作家たちは皆、程度の差こそあれ、「第三身分」の思想や感情の擁護者でした。 彼らの創造性は現実的で、血気盛んで、驚くほど具体的です。 それらは当時の生活を色彩豊かなディテールで描いていますが、日常生活に落ち込むことはありません。

元禄年間は、概して文学の創作にとっては好都合な時代であった。 この時までに、日本の封建制は発展の最終段階に入っていました。 中世に日本を引き裂いた血なまぐさい内戦の後、比較的平和が訪れました。 徳川王朝 (1603 ～ 1868 年) は国を統一し、厳格な秩序を確立しました。 階級間の関係は厳密に規定されていた。 封建のはしごの最上段には、大封建領主である王子と小さな封建領主である武士という軍事階級がありました。 商人は表向きには政治的に無力であったが、実際には商品と貨幣の関係の発展により大きな力を発揮し、しばしば王子が金貸しからお金を借りて商人に依存するようになった。 裕福な商人たちは大名たちと贅沢を競い合いました。

大貿易都市である江戸（東京）、大阪、京都は文化の中心地となりました。 工芸品は高度な発展レベルに達しています。 木の板からの印刷（木版画）の発明により、本は安価になり、多くの挿絵が掲載され、カラー彫刻などの民主的な芸術形式が普及しました。 貧しい人々でも本や印刷物を購入できるようになりました。

政府の政策は教育の成長に貢献しました。 若い武士のために、主に中国の哲学、歴史、文学を学ぶ学校が数多く設立されました。 軍人階級の教育を受けた人々が都市のインテリの仲間入りを果たした。 彼らの多くは、自分の才能を「第三身分」のために役立てています。 商人、職人、時には農民など、一般の人々も文学に関わり始めました。

これが時代の外面でした。 しかし、彼女には彼女自身の暗い側面もありました。

封建時代の日本の「平定」は高値で買われた。 17 世紀前半、日本は外国人に対して「鎖国」されており、外国人との文化的なつながりはありませんでした。 外の世界ほとんど止まった。 農民は文字通り、容赦のない封建的抑圧に窒息死し、政府からの最も厳しい懲罰措置にもかかわらず、しばしば反乱のしるしとしてマットな横断幕を掲げた。 警察の監視と捜査のシステムが導入されましたが、これはすべての階級に対して制限的でした。

大都市の「歓楽街」では銀や金が雨のように降り注ぎ、飢えた人々が道路で強盗を行った。 物乞いの群衆がそこら中を徘徊していました。 多くの親は、養うこともできない幼い子供たちを運命に見捨てざるを得ませんでした。

芭蕉はそのような悲惨な場面を何度も目撃しました。 当時の詩の武器庫には、従来の文学的なモチーフがたくさんありました。 中国の古典詩から、森の猿の鳴き声にインスピレーションを得た秋の悲しみのモチーフが生まれています。 芭蕉は歌人たちに呼びかけ、詩という超越的な高みから降りて人生の真実の目を見つめるよう促しています。

猿の鳴き声を聞いていると悲しくなります。 子どもがどうやって泣くか知っていますか？ 秋風に捨てられた？

芭蕉は日本の庶民の生活をよく知っていました。 下級武士の息子で書道の教師である彼は、幼い頃から詩を愛する王子の息子の遊び相手になっていました。 芭蕉自身も詩を書き始めました。 若い主人が早くに亡くなった後、彼は都会に出て修道誓約を立て、封建領主への奉仕から解放されました。 しかし、芭蕉は本物の僧侶にはならなかった。 彼は江戸市街に近い深川の貧しい郊外にある小さな家に住んでいました。 バナナの木と庭の小さな池といった控えめな風景に囲まれたこの小屋は、彼の詩の中で描写されています。 芭蕉には恋人がいました。 彼は彼女の追悼に簡潔な哀歌を捧げました。

ああ、あなたがそれらの人々の一人だとは思わないでください 世界に足跡を残さなかったのは誰だ！ 記念日…

芭蕉は創作探求という困難な道を歩みました。 彼の初期の詩は依然として伝統的な方法で書かれていました。 新しい創作方法を求めて、芭蕉は中国の古典詩人李伯や杜甫の作品を注意深く研究し、中国の思想家荘子の哲学や仏教宗派禅の教えに目を向け、自分の詩に哲学的な深みを与えようとしている。

芭蕉は、「寂び」という美学原理に基づいて創作した詩を創作しました。 この言葉は文字通りに翻訳することはできません。 本来の意味は「孤独の悲しみ」。 さびは特別な美の概念として、中世の日本美術のスタイル全体を決定しました。 この原則によれば、美は、複雑な内容を、熟考しやすいシンプルで厳格な形式で表現する必要がありました。 平和、落ち着いた色彩、哀愁を漂わせる悲しみ、わずかな手段で達成される調和、これはさびの芸術であり、日常の虚栄心から離れ、集中して熟考することが求められます。

さびの創造原理では、世界の生きた美しさを全体的に描くことはできませんでした。 芭蕉のような偉大な芸術家は、きっとそう感じたに違いない。 個々の現象の隠された本質を探求するのは、単調で退屈なものになってしまいました。 さらに、自然の哲学的な歌詞は、さびの原則に従って、人間に受動的な瞑想者としての役割を割り当てただけです。

芭蕉は晩年、詩学の新たな指針となる「軽み」を宣言しました。 弟子たちに「これからは砂川のように浅い詩を目指します」と語った。

この詩人の言葉はあまり文字通りに受け取るべきではなく、盲目的に従う模倣者に対する挑戦のように聞こえます。 既製のサンプル、深遠さを主張する多くの詩を書き始めました。 芭蕉の後期の詩は、決してつまらないものではなく、単純な人間の出来事や感情について語っているため、その非常に単純さが際立っています。 詩は軽く、透明で、流動的になります。 彼らは、多くのものを見、多くの経験をしてきた人々に対して、繊細で優しいユーモアと温かい同情を示します。 偉大なヒューマニスト詩人は、自然の崇高な詩の従来の世界に自分自身を孤立させることができませんでした。 これは農民の生活の写真です。

とまる男の子 鞍の上で馬が待っています。 大根を集めます。

しかし、市は準備を進めています 年末年始:

煤を掃き取ります。 今度は自分用に 大工さんは気が合う。

これらの詩のサブテキストは同情的な微笑であり、他の詩人の場合のように嘲笑ではありません。 芭蕉は、イメージを歪めるグロテスクな表現を自らに許しません。

芭蕉は詩そのものの大使として日本の道を歩き、人々に詩への愛を呼び起こし、真の芸術を紹介しました。 彼は、プロの物乞いであっても、創造的な才能を見つけて目覚めさせる方法を知っていました。 芭蕉は、「地面に落ちた栗の実を拾う人はいない」という山の奥深くまで入り込むこともありましたが、孤独を大切にし、決して仙人ではありませんでした。 旅の途中、彼は人々から逃げることなく、むしろ人々に近づきました。 彼の詩の中には、畑で働く農民、馬の御者、漁師、茶葉摘みの長い列が通り過ぎます。

芭蕉は、美に対する彼らの繊細な愛を捉えました。 農民はしばらく背筋を伸ばして感嘆する 満月あるいは、日本で愛されているカッコウの鳴き声を聞いてみましょう。

芭蕉の詩に登場する自然のイメージは、人間とその人生について寓話的に語る二次的な意味を持つことが非常に多いです。 緋色の唐辛子のさや、秋の緑の栗の殻、冬の梅の木は、人間の精神の無敵の象徴です。 罠にかかったタコ、葉の上で眠っている蝉、水の流れに流される――これらのイメージの中で詩人は、存在のもろさの感情、人間の運命の悲劇についての考えを表現しました。

芭蕉の名声が高まるにつれ、あらゆる階級の弟子が芭蕉のもとに集まり始めました。 芭蕉は彼らに詩についての教えを伝えました。 彼の流派からは、凡朝、去来、其角、常宗といった新しい詩風（芭蕉風）を取り入れた素晴らしい歌人が輩出しました。

1682年、芭蕉の小屋は大火で焼失した。 その時から、彼は長い間頭の中にあったこのアイデアをもとに、何年にもわたる全国放浪の旅を始めました。 中国と日本の詩的伝統に従い、芭蕉はその美しさで有名な場所を訪れ、日本人の生活を知りました。 詩人は叙情的な旅行日記をいくつか残しました。 芭蕉は旅行中に亡くなった。 彼は死ぬ前に「死の歌」を作成しました。

途中で気分が悪くなった そしてすべてが走り、私の夢を囲みます 焼け焦げた草原を抜けて。

芭蕉の詩は、崇高な感情体系であると同時に、驚くべき単純さと人生の真実によって際立っています。 彼にとって基本的なものは何もありませんでした。 貧困、重労働、バザール、路上の居酒屋、物乞いのある日本の生活、これらすべてが彼の詩に反映されています。 しかし、彼にとって世界は依然として美しいままです。

どの物乞いにも賢い人が隠れているかもしれない。 詩人は慈愛に満ちた目で世界を眺めるが、悲しみに包まれた彼の視線の先には世界の美しさが現れる。

芭蕉にとって、詩は、多くの現代詩人のように、遊びでも、娯楽でも、生活の手段でもなく、生涯を通じての高い使命でした。 彼は、詩は人を高め、高貴にする、と言いました。

芭蕉の弟子の中には様々な詩的個性があった。

江戸の町人であり、陽気な酒宴を楽しんだ喜鶴は、故郷の通りや豊かな店を称賛してこう歌った。

衝撃でシルクが引き裂かれる 越後屋さんのお店では・・・ サマータイムがやって来ました！

それぞれ独自の創作スタイルを持った凡朝、常宗ら多くの俳人が芭蕉派に属しました。 長崎出身の去来は凡朝とともに有名な句集『猿の藁のマント』（『猿蓑』）を編纂した。 1690年に出版されました。

18 世紀初頭、俳句という詩的ジャンルは衰退しました。 新しい生活そこに素晴らしい詩人であり風景画家である蕪村が息を吹き込みました。 生前、この詩人はほとんど知られていなかったが、彼の詩が普及したのは 19 世紀になってからである。

蕪村の詩はロマンチックです。 多くの場合、詩の 3 行で物語全体を語ることができます。 そこで、「夏の始まりとともに着替える」という詩の中で、彼はこう書いています。

彼らはマスターの剣から身を隠しました... ああ、若い配偶者たちはなんて幸せなんだろう 軽やかな冬のドレスからチェンジ！

封建的な命令によれば、主人は使用人を「罪深い愛」のために死で罰することができました。 しかし、恋人たちはなんとか逃げ出すことができました。 「衣替え」という季語は、新生活を迎える喜びの解放感をよく表しています。

蕪村の詩には、おとぎ話や伝説の世界が生き生きと表現されています。

若き貴族として キツネは振り向いた… 春の風。

春の霧の夕方。 霞の向こうに月がぼんやりと輝き、桜が咲き、半暗闇の中、おとぎ話のような生き物たちが人々の中に現れます。 蕪村は絵の輪郭だけを描いているが、読者は古代の宮廷衣装を着た美青年のロマンチックなイメージを目の当たりにする。

蕪村はしばしば詩の中で古代のイメージを復活させました。

海外ゲスト専用ホール マスカラの匂いがする… 白梅が咲いています。

この俳句は私たちを 8 世紀までの歴史の奥深くへと導きます。 その後、「海外からのゲスト」を受け入れるために特別な建物が建てられました。 美しい古いパビリオンで詩のトーナメントが行われる様子が想像できます。 中国から来た客が香りの墨で漢詩を書き、日本の詩人が母国語で漢詩を競う。 あたかも古代の絵が描かれた巻物が読者の目の前に展開されているかのようです。

蕪村は幅広い詩人です。 彼は、海の中のクジラ、山の上の城、高速道路の曲がり角にいる強盗など、珍しいものを積極的に描きますが、子供の親密な世界を温かく描く方法も知っています。 こちらがテルセト「ひなまつりにて」です。

鼻の低い人形… そうです、子供の頃、彼女の母親は ちょっと鼻を引っ張ってしまいました！

しかし、蕪村は、回想、古代への暗示、ロマンチックなイメージが豊富な「文学詩」に加えて、最も単純な手段を使用して驚くべき叙情的な力を持つ詩を作成する方法を知っていました。

彼らは合格しました 春の日々, 遠くの音が鳴ったとき ナイチンゲールの声。

封建時代の日本のすべての詩人の中で最も人気があり、民主的だった一茶は、近代の幕開けにあたる 18 世紀末から 19 世紀初頭にかけて詩を創作しました。 イッサは村の出身でした。 彼は人生のほとんどを都市部の貧しい人々の中で過ごしましたが、故郷と農民の労働への愛を持ち続け、それらから切り離されていました。

心から敬意を表します 昼間の暑さの中で休んで、 畑にいる人たち。

これらの言葉で、一茶は農民の仕事に対する敬虔な態度と、怠惰を強いられたことへの恥じらいの両方を表現しました。

イッサの伝記は悲劇的です。 彼は生涯を通じて貧困と闘った。 彼の最愛の子供が亡くなりました。 詩人は、心の痛みに満ちた詩で自分の運命について語ったが、そこには民俗的なユーモアの流れも吹き込まれていた。 イッサは男だった 大きな心：彼の詩は人々への愛、そして人々だけでなく、無力で傷ついたすべての小さな生き物たちへの愛について語っています。 カエル同士の面白い喧嘩を見て、彼はこう叫んだ。

ねえ、屈しないでね 痩せたカエル！ イッサ君へ。

しかし、時には詩人は、厳しく容赦のない態度をとることを知っていました。彼はあらゆる不正に嫌悪感を抱き、辛辣で刺々しい警句を創作しました。

一茶は封建時代の日本最後の主要な詩人でした。 俳句は何十年もの間、その重要性を失いました。 19 世紀末におけるこの形式の復活は、すでに近代詩の歴史に属しています。 詩人正岡子規（1867-1902）は多くの著作を残した 面白い作品俳句（またはその用語では、現在日本で受け入れられている俳句）の歴史と理論について研究し、彼の才能ある弟子である高浜虚子と川東碧梧堂は、新たな現実的な基盤に基づいて俳句の芸術を復活させました。

現在、テルセッツの人気はさらに高まっています。 第二次世界大戦後の一時、文学界では短歌と俳句をめぐる論争が勃発した。 一部の批評家は、それらを二次的で時代遅れの古い芸術の形式であり、もはや人々に必要とされていないと考えていました。 これらの発言が不当であることは人生が証明しています。 戦後の大衆の文学活動の増加は、すべてが より大きな数一般の人々は、最も差し迫った現代的な話題について戦車や俳句を詠みます。

俳句は雑誌や新聞の紙面に常に掲載されています。 そのような詩は、その日の出来事に対する生きた応答です。 そこには日本人の声が詰まっています。

芭蕉から一茶までの中世後期の俳句のみを収録。

翻訳者は大きな困難に直面しました。 たとえ母国の自然や生活に精通している日本人読者であっても、古代の俳句は解説なしでは必ずしも理解できるわけではありません。 簡潔さと寡黙は俳句の詩学の核心です。

翻訳者は俳句の簡潔さを保ちながら、それを理解しやすくしようと努めました。 しかし、私たちは、日本語のテルセットが必然的に読者に想像力を働かせ、詩人の創造的な仕事に参加することを要求することを忘れてはなりません。 この中で 主な機能俳句。 すべてを最後まで説明するということは、日本の詩に対して罪を犯すだけでなく、日本の詩人が惜しみなく撒いた一握りの種から花を育てるという大きな喜びを読者から奪うことを意味します。

松尾芭蕉。 月岡芳年の版画「月百景」シリーズより。 1891年米国議会図書館

ジャンル 俳句別の古典的なジャンル - ペンタバースから生まれた タンク 31 音節で表現され、8 世紀から知られています。 短歌にはカエスラがあり、この時点で 2 つの部分に「分割」され、17 音節の三連句と 14 音節の対句、つまり 2 人の作者によって構成されることが多い対話の一種ができました。 この元の tercet は 俳句、文字通り「最初のスタンザ」を意味します。 その後、テルセットが独自の意味を獲得し、独自の複雑な法則を持つジャンルとなったとき、それは俳句と呼ばれるようになりました。

日本の天才は簡潔さの中に自分を見出している。 俳句テルセットは、日本の詩の中で最も簡潔なジャンルです。5-7-5 モルのわずか 17 音節です。  モーラ- フィートの数 (経度) の測定単位。 モーラとは、短い音節を発音するのに必要な時間です。列をなして。 17 音節の詩には重要な単語が 3 つか 4 つしかありません。 日本語では、俳句は上から下まで一行で書かれます。 ヨーロッパの言語では、俳句は 3 行で書かれます。 日本の詩は韻を知りません。9 世紀までに、日本語の音声学は 5 つの母音 (a、i、u、e、o) と 10 の子音 (有声音を除く) だけを含むように発達しました。 このような音声の貧困では、面白い韻を踏むことは不可能です。 正式には、詩は音節の数に基づいています。

17世紀まで、俳句を書くことはゲームとみなされていました。 俳句は、俳人松尾芭蕉の文壇登場により本格的なジャンルとなりました。 1681 年に彼はカラスについての有名な詩を書き、俳句の世界を完全に変えました。

枯れ枝の上で
カラスは黒くなります。
秋の夕方。  コンスタンティン・バルモント訳。

古い世代のロシアの象徴主義者であるコンスタンチン・バルモントが、この翻訳において、日本語の詩法の法則に従って過度に「乾いた」枝を「死んだ」枝に置き換えて、この詩を脚色している​​ことに注意してください。 この翻訳は、最も一般的なものを除いて、一般的に評価的な言葉や定義を避けるというルールに違反していることが判明しました。 『俳句の言葉』（ はいご）は、意図的で正確に調整されたシンプルさによって区別されるべきであり、達成するのは困難ですが、明らかに味気ない感じがします。 しかし、この翻訳は、芭蕉が古典となったこの句の中に醸し出した雰囲気、孤独の憂鬱、普遍的な悲しみを正しく伝えています。

この詩には別の翻訳もあります。

ここで訳者は日本語の本文にはない「孤独」という言葉を加えたが、「秋の夜の悲しい孤独」がこの句の主題であるため、この言葉を含めることは正当である。 どちらの翻訳も批評家からは非常に高く評価されています。

しかし、この詩が提示された訳者よりもさらに単純であることは明らかです。 日本人が俳句を書くように、これを直訳して一行にすると、次のような非常に短い文が得られます。

枯れ枝にからすのとまりけるや秋の暮れ

乾いた枝に/カラスが座っている/秋の夕暮れ

ご覧のとおり、「黒」という単語は原文には存在せず、暗示されているだけです。 「裸木の上で冷やされたカラス」のイメージは中国に由来します。 「秋の黄昏」（ あきのくれ) は「」とも解釈できます。 晩秋』とか『秋の夕べ』とか。 モノクロは俳句の芸術において高く評価される性質です。 すべての色を消去して、時刻と年の時刻を表します。

俳句は少なくとも説明ではありません。 古典によれば、必要なのは説明することではなく、物事に名前を付けることだ（文字通り「物事に名前を付ける」こと） 穴へ） 非常に 簡単な言葉で言うとまるで初めて電話をかけたかのように。

冬の枝にいるカラス。 彫刻は渡辺省亭。 1900年頃浮世絵.org

俳句は、ヨーロッパで長い間呼ばれていたようなミニチュアではありません。 結核で夭折した19世紀後半から20世紀初頭の最も偉大な俳人、正岡子規は、俳句には全世界が含まれていると書いた：荒れ狂う海、地震、台風、空と星、そして最高峰を備えた地球全体。そして最も深い海の窪み。 俳句の空間は広大で無限です。 さらに、俳句はサイクル、詩日記、そして多くの場合生涯にわたって組み合わされる傾向があるため、俳句の短さはその反対、長い作品、つまり詩集（個別で断続的な性質ですが）に変わる可能性があります。

でも時の流れ、過去も未来も ×俳句は俳句を描いたものではありません、俳句は現在の一瞬を切り取ったものであり、それ以上のものではありません。 おそらく日本で最も愛されている詩人、一茶の俳句の一例を次に示します。

なんと桜が咲きました！
彼女は馬を追い払った
そして誇り高き王子様。

日本人の理解では、はかなさは内在的な生活の質であり、それがなければ人生には価値も意味もありません。 儚さは、気まぐれで変わりやすいものであるため、美しくもあり、悲しくもあります。

俳句において重要な位置を占めるのは、秋、冬、春、夏という四季とのつながりです。 賢者たちはこう言いました。「季節を見てきた者はすべてを見てきたのだ。」 つまり、私は誕生、成長、愛、再生、そして死を見ました。 したがって、古典俳句に必要な要素は「季語」（ 季語）、詩と季節を結びつけます。 これらの言葉は外国人には認識しにくい場合もありますが、日本人はすべて知っています。 数千の単語を含む詳細な季語データベースが現在、日本のネットワークで検索されています。

上記のカラスの俳句では、季語は「秋」という非常にシンプルなものです。 この詩の色合いは非常に暗く、秋の夜の雰囲気、文字通り「秋の黄昏」、つまり、深まる黄昏を背景にした黒さが強調されています。

芭蕉が季節の重要な兆候を別れについての詩にどのように優雅に取り入れているかを見てください。

大麦スパイク用
私は支えを求めて掴みました...
別れの瞬間はなんと辛いことでしょう！

「麦の穂」は夏の終わりを直接的に示しています。

あるいは、幼い息子の死を詠んだ女流詩人千代尼の悲劇的な詩にも次のようなものがあります。

おお、私のトンボ捕りよ！
見知らぬ国のどこ
今日は走り込みましたか？

「蜻蛉」は夏の季語です。

芭蕉のもう一つの「夏」の句：

夏のハーブ！
ほら、落ちた戦士たちよ
栄光の夢を…

芭蕉は放浪の詩人と呼ばれています。彼は本物の俳句を求めて日本中を何度も放浪し、旅立つときは食べ物や宿泊施設、浮浪者や人里離れた山中の道の変遷などを気にしませんでした。 途中、死の恐怖も伴う。 この恐怖の兆候は、「野原で白くなる骨」のイメージでした。これは、彼の詩的な日記の最初の本の名前であり、次のジャンルで書かれました。 俳文(「俳句風の散文」):

たぶん私の骨
風が白くなる…心の中にある
それは私に冷たい息を吹きかけた。

芭蕉以降、「途中の死」というテーマが標準化されました。 これが彼の最後の詩「The Dying Song」です。

途中で気分が悪くなってしまったので、
そしてすべてが走り、私の夢を囲みます
焼け野原を通って。

芭蕉に倣い、俳人たちは死ぬ前に必ず「最後の句」を詠んだ。

"真実" （ まことの）芭蕉、蕪村、一茶の詩は私たちの同時代に近いものです。 俳句の言語の不変性、つまり 15 世紀から現在に至るまでのこのジャンルの歴史を通じて保存されてきた定型的な性質により、歴史的な距離はいわば取り除かれています。

ハイカストの世界観の主なものは、物事の形、本質、つながりに対する強い個人的な関心です。 「松とは何かを松に学べ、竹とは何かを竹に学べ」という芭蕉の言葉を思い出しましょう。 日本の詩人は、世界の人間を取り巻く物体、自然界の物事の終わりのないサイクル、その身体的で官能的な特徴を見つめながら、自然についての瞑想的な観想を培いました。 詩人の目標は、自然を観察し、自然と人間の世界とのつながりを直観的に識別することです。 ハイカ主義者は、醜さ、無意味さ、功利主義、抽象化を拒否しました。

芭蕉は、俳句や俳文の散文だけでなく、詩人放浪者のイメージも生み出しました。高貴な人で、外見上は禁欲的で、粗末な服装をしていて、世俗的なものから遠く離れていますが、世界で起こっているすべてのことに悲しい関わりを持っていることにも気づいています。 、意識的な「簡素化」を説く。 この俳人は、放浪への執着、小さなものの中に偉大なものを具現化する禅仏教の能力、世界のもろさ、人生のもろさと変わりやすさ、宇宙における人間の孤独、人生の酸っぱい苦味などを特徴としている。存在、自然と人間が切り離せない感覚、あらゆる自然現象や季節の変化に対する過敏さ。

そのような人の理想は、貧困、単純さ、誠実さ、物事を理解するために必要な精神的な集中状態だけでなく、明るさ、詩の透明性、流れの中で永遠を描く能力でもあります。

これらのメモの最後に、小さく、壊れやすく、無防備なものすべてを優しさをもって扱った詩人、一茶の 2 つの詩を紹介します。

静かに、静かに這って、
カタツムリ、富士の斜面、
まさに高みまで！

橋の下に隠れて、
雪の降る冬の夜に眠る
ホームレスの子供。 

（芭蕉のテルセットの分析）

世界の人々の最高の文学遺産は、 永続的な芸術的価値を見出し、思考や感情の生きた源として現代に入り込み、世界文化の宝庫を豊かにしています。

日本の詩ってこんな感じ 文学遺産他の記念碑と一緒に。 詩は日本人の生活や生き方に有機的に浸透していきました。 その支持者は才能のある詩人だけでなく、一般の人々でもありました。

したがって、短い詩形式が国民詩にとって緊急の必要性となっています。 .私は日本人です短歌と俳句の抒情詩は、その極端な簡潔さと独特の詩学によって区別されます。 このような詩は、直接の感情の影響下ですぐに作曲できます。

自分の考えを格言的に簡潔に表現して、記憶に残り、口から口へと伝えることができます。 古代日本では、俳句は、たとえばロシアの詩のような単純な民間詩でした。 それは、職人、町民、商人、一部は村のエリートといった第三身分の芸術であるという意味だけでなく、これらの層を最も広くカバーしているという意味、つまり人口の多さという意味でも民主的芸術であった。このアートの消費者とクリエイター。 これらの凝縮された口頭詩の定型は、民俗詩から文学詩へと移行し、その中で発展し続け、新しい詩形式を生み出します。

こうして日本に国家詩形式である五行短歌と三行俳句が誕生しました。

古代の短歌と若い俳句には何世紀にもわたる歴史があり、繁栄期と衰退期が交互に繰り返されてきました。 これらの形態は何度も絶滅の危機に瀕しましたが、試練に耐え、今日まで生き続け、発展し続けています。短歌（「短い歌」）は、日本の詩の黎明期である 7 ～ 8 世紀にすでに誕生し、いわゆる歌に取って代わりました。 長歌「長唄」（8世紀の有名な歌集『万葉集』に収録）。 簡潔さへの欲求と小さな形式への愛は、一般に日本芸術に内在していることに注意することが重要です。俳句

何世紀も経った、「第三身分」の都市文化の全盛期に、戦車から分離されました。 歴史的に、俳句は短歌の最初の節です。 テクシュティヒは日本の詩において確固たる地位を確立し、17世紀後半には真の実力を獲得しました。 日本の偉大な詩人は彼を比類のない芸術的高みに育てた 松尾

芭蕉。

おそらくヨーロッパ人にとって日本芸術の最も理解が難しい現象の一つは、日本文学の古典である芭蕉の詩でしょう。 その理由は、芭蕉が代表する「俳諧」というジャンルそのものが、日本特有の現象だからです。, ジャンル概念としては厳密には詩と散文（俳文）の両方を含むが、狭義の俳諧は通常前者を指す。 俳諧詩では、2 つの形式が区別されます。俳句、またはそのストロフィー形式の俳句は、韻のない五七五音節の三拍子です（日本語では強勢が強勢ではなく音楽的であるため、韻律の問題です）。ヨーロッパの感覚は削除されます）。 2 番目の連句は、一連の俳句を組み合わせたもので、1 節につき 7 音節の対句 (あげく) が追加されています。

俳句は、季節の循環を背景に、自然の営みと人間の営みが溶け合うことのない一体性を描いた抒情詩です。

俳句の構造を考える前に、日本の詩は音節であり、そのリズムは音節に基づいていることに言及する必要があります。 特定のことを交互に行う音節の数。 テルセットの音とリズミカルな構成は、日本の詩人にとって大きな関心事であり、翻訳者にとって最も難しい側面の 1 つです。 それ 、何韻を踏む翻訳もあれば韻を踏まない翻訳もあれば、スライディング韻を持つ翻訳もあり、短歌の 5 つ組は以下の考慮事項により、場合によって異なるサイズで表示されます。日本の詩には詩的な手段としての韻はありませんが、音節のせいです。韻文の性質と詩における言語自体の特性 通常の韻と照応的な韻、そして内部と外部のスライド韻と共鳴が存在します。 日本の詩における韻は付随的な現象であり、言語パターンによって条件付けられます。

Haiku はメーターが安定しています。 各句には特定の音節数があり、最初の音節が 5 音、二番目の音節が 7 音、三番目の音節が 5 音、合計 17 音になります。これは、特に松尾芭蕉 (1644-1694 年のような大胆で革新的な詩人の間) の詩的ライセンスを排除するものではありません。 ）。 彼は詩的な表現力を最大限に高めるために、拍子を考慮しないことがよくありました。俳句のサイズは非常に小さいため、それに比べればヨーロッパのソネットは大きな詩のように見えます。 単語数はわずかですが、容量は比較的大きいです。 俳句を書く技術とは、まず第一に、少ない言葉で多くのことを語る能力です。

簡潔さにより、俳句は民間のことわざに似たものになります。 一部のテルセツは、芭蕉の詩のように、ことわざとして大衆のスピーチで流行しています。

言葉を言ってみます -

唇が凍る。

秋の旋風！

ことわざとしては、「用心深いと沈黙を強いられることがある」という意味です。 しかし、ほとんどの場合、俳句はそのジャンルにおいてことわざとは異なります。

兆候。 これは啓発的なことわざや短いたとえ話や適切な話ではありません

機知に富んでいながらも、一筆か二筆で描かれた詩的な絵。 タスク

詩人の目標は、読者に叙情的な興奮を与え、想像力を目覚めさせることであり、そのために細部まで絵を描く必要はありません。 ウラジミール・ソコロフは俳句についての短いエッセイの中で次のように書いています。

俳句悲しみと孤独の遊び、小さな襲撃を想像する必要があります

古代、多くのサブテキスト、少ない単語 - 最初の行にはわずか 5 音節、

2回目は7回、3回目は5回だった。」 俳句は三行で構成されていますが、

すべてが含まれます 私たちの周りの世界その代わりに必要なのは、ほんの少しの空想、内なる自由、そして想像力だけです。 俳句のサイズは非常に小さいため、それに比べればヨーロッパのソネットは大きな詩のように見えます。 単語数はわずかですが、容量は比較的大きいです。 俳句を書く技術とは、まず第一に、少ない言葉で多くのことを語る能力です。

17 世紀初頭から 19 世紀半ばまでの 2 世紀半にわたる日本の封建制度後期、いわゆる徳川時代の中で、元禄 (1688 ～ 1703 年) の時代が際立っています。文化が最も開花する時期として、特別な文化的輝きのページとして。 彼が生み出したのは日本文化全盛期のこの時代でした。 テクシュティヒは日本の詩において確固たる地位を確立し、17世紀後半には真の実力を獲得しました。 日本の偉大な詩人は彼を比類のない芸術的高みに育てた 松尾日本の哲学に深く根ざした俳句の美的原理の多くを開発し、殉教者たちに伝えたのは芭蕉でした。これが「悟り」、つまり他の人がアクセスできないものが目に見えるようになったときの洞察力の状態です。 「さび」 - 文字通り翻訳できない言葉で、もともとは「孤独の悲しみ」、すべてからの疎外感を意味します外の世界、軽い悲しみを呼び起こす記憶。 さびは特別な美の概念として、中世の日本美術のスタイル全体を定義しました。 この原則によれば、美は、複雑な内容を、熟考しやすいシンプルで厳格な形式で表現する必要がありました。 平和、落ち着いた色彩、哀愁漂う悲しみ、わずかな手段で達成される調和、これがサビの芸術です。

芭蕉は晩年、詩学の新たな主要原理「軽み」を宣言しました。 生徒たちに「これからは砂川のように浅い詩を目指します」と語った。 彼のこれらの言葉は、既製のモデルに盲目的に従い、深遠さを装って大量の詩を作り始めた模倣者に対する挑戦として理解されるべきです。 芭蕉の詩は決して浅いものではなく、単純な人間の出来事や感情について語っているため、非常に単純であることが特徴です。 詩は軽く、透明で、流動的になります。 たくさんのものを見て、たくさんの経験をしてきた人の人々への温かい共感が彼らには染み込んでいます。 農民の生活の写真が表示されます。

とまる男の子

鞍の上で馬が待っています。

大根を集めます。

詩人の使命は、読者に叙情的な興奮を与え、目覚めさせることです 想像力とこれを行うには、細部まで絵を描く必要はありません。

この描写方法は読者に最大限の活動を要求し、読者を創造的なプロセスに引き込み、思考に刺激を与えます。

俳句は小さなものを優先して、時には大きなスケールの絵を描きます。

海が荒れてます！

遠く、佐渡島へ。

天の川が広がっています。

芭蕉のこの句は一種の覗き穴です。 そこに目を向けると、広い空間が見えてきます。 風が強いが晴れ渡った秋の夜に、日本の海が目の前に広がります。星の輝き、白い砕波、そして遠くに、

空の端、佐渡島の黒いシルエット。 あるいは別の詩を取り上げましょう

芭蕉 :

高い堤防には松の木があり、

そしてそれらの間には桜が見え、宮殿が見えます

花の咲く木々の奥で…

3 行に 3 つのパース プランがあります。 この例は、俳句が絵画芸術といかに似ているかを示しています。

それらはしばしば絵画の主題として描かれ、ひいては芸術家にインスピレーションを与えました。 時には、それらは書道の碑文の形で絵画の一部に変わりました。

多くの場合、詩人は視覚的なイメージではなく、音のイメージを作成します。 風の唸り、蝉の鳴き声、キジの鳴き声、ナイチンゲールやヒバリの鳴き声、

ヒバリが歌う

藪の中で鳴り響く一撃で

キジが彼の声に同調します。

日本の詩人は、与えられた対象や現象に関連して生じる考えられる考えや連想の全体像を読者の前に展開しません。 それは読者の思考を目覚めさせ、それに特定の方向性を与えるだけです。

裸の枝に

レイブンは一人で座っています。

秋の夕方。

（芭蕉 )

詩はモノクロの水墨画のように見えます。 余分なものは何もなく、すべてが非常にシンプルです。 巧みに選ばれたいくつかのディテールの助けを借りて、晩秋の絵が作成されます。 風がないのを感じることができ、自然は悲しい静けさの中で凍っているように見えます。 詩的なイメージは、わずかに輪郭が描かれているように見えますが、大きな容量を持っており、魅惑的にあなたを導きます。

そして同時に、彼は非常に具体的です。 詩人は小屋の近くの現実の風景と、それを通して自分の精神状態を描きました。 彼はカラスの孤独についてではなく、自分自身の孤独について話しているのです。

俳句の文法も特殊で、文法形式がほとんどなく、

それぞれが最大の負荷を負い、場合によっては複数の意味を組み合わせます。 詩的なスピーチの手段は非常に控えめに選択されます。俳句では、形容詞や比喩を使わずに済む場合は避けます。 場合によっては、俳句全体が拡張された比喩である場合もありますが、その直接的な意味は通常、サブテキストに隠されています。

牡丹の中心から

蜂がゆっくりと這い出てきます…

○ 、なんと不本意なことでしょう！

芭蕉は、もてなしてくれた家を出るときにこの句を詠んだ

あなたの友人。 しかし、すべての俳句にそのような二重の意味を求めるのは間違いです。 ほとんどの場合、俳句は現実世界の特定のイメージであり、他の解釈を必要としない、または許可しません。

あらゆる荒々しさから解放された「理想的な」風景、これが古い古典詩が自然を描いた方法です。 俳句では詩が再びその姿を取り戻した。 俳句の人間は静止しているのではなく、動いている。ここには雪のつむじ風の中をさまよう行商人がいて、ここには粉砕機を回す労働者がいる。 10世紀にはすでに文学詩と民謡の間にあった溝は、それほど広くならなくなった。 田んぼのカタツムリを鼻でつつくカラスは、俳句や民謡にもよく登場します。 俳句を教えます 隠されたものを探してくださいシンプルで目立たない日常の中にある美しさ。

何度も歌われている有名な桜だけでなく、一見目立たない地味なクレソンやナズナの花も美しいです。

よく見てください！

ナズナの花

柵の下が見えます。

（芭蕉 )

別の詩では、夜明けの漁師の顔は咲いているケシの花に似ており、どちらも同じように美しいです。 美は稲妻のように襲いかかることがあります。

私はほとんどそれに慣れていません

疲れて夜まで…

そして突然 - 藤の花！

（芭蕉 )

美しさは深く隠されている可能性があります。 自然や人間の生活における美しさの感覚は、仏教の教えによれば、存在のすべての現象に目に見えない形で存在する真実、つまり永遠の原理を突然理解することに似ています。 俳句では、この真実の新たな再考、つまり目立たない平凡なものの中にある美しさの肯定を見つけることができます。

彼らは彼らを怖がらせて野原から追い出します。

スズメは飛んで隠れるでしょう

茶の木に守られています。

（芭蕉 )

上で述べたように、俳句（特に後期のもの）では比喩は一切使用されません。 ヨーロッパの詩で知られている手法のうち、彼女は比較のみを使用し、それも控えめにしています。 俳句の詩的なスピーチを特徴づけているのは、ヨーロッパ人には珍しいものとして伝わらない技術（「縁語」、つまり連想を機械的に使用することなど）です。 あるいは、それらは彼に反芸術的な策略の印象を与えます（これは同音異義語、つまり二重の意味をもじったものです）。 他の詩的手段が存在しないことと、前述した主題のつまらないことにより、これらすべてがしばしば俳句が純粋な散文主義として認識されるという事実につながります。

最後に、俳句の 3 番目の、そしておそらく主な特徴は、俳句が完全に日本人が「養生」と呼ぶ特別な認識方法のために設計されていることです。 余韻この性質は、やはり多くの種類の日本美術（特に一部の画派）の特徴であり、ロシア語では「暗示」以上に適切な名前はない。 重要な機能俳句 俳句の目的は、示すことや語ることではなく、ただ暗示することです。 できるだけ完全に表現するのではなく、逆にできるだけ少なく言うこと。 読者の想像力の中でテーマ（イメージ、思考、シーン）の完全な展開を刺激する詳細のみを提供します。 読者の想像力が生み出すこの作品は、「 余韻「そしてそれは俳句の美的認識の不可欠な部分です - そして何よりも ヨーロッパの読者にはおなじみの: 俳句集は、ページをめくって「流し読み」することはできません。 読者が受動的で十分な注意力を持たない場合、詩人が彼に送った衝動を知覚することはできません。 日本の詩学は、読者の思考の反作用を考慮に入れています。

俳句の簡潔さ――まず第一に目を引く俳句の特徴――はすでに二次的な性質である。 しかし、俳句はヨーロッパ人だけでなく日本人にとっても理解にとって重要な役割を果たしています。 日本語の単語の相対的な長さを考慮すると、17 音節には意味のある単語が 4 つだけ含まれる場合がありますが、最大 (非常にまれな) 数は 8 です。 結果は、 大きな半分なしの俳句