퍼포먼스 마케팅이란? 퍼포먼스란 무엇인가 유명 퍼포먼스 아티스트와 그들의 작품

당신은 길을 걷고 있는데 갑자기 당신 앞에 얼어붙어 생명이 없어 보이는 두 개의 조각품이 보입니다. 누군가가 보도 위에 놓인 모자에 동전을 넣으면 조각품이 살아납니다. 그들은 춤을 추거나 그들이 대표하는 캐릭터의 특징적인 움직임을 수행한 다음 다시 얼어붙습니다. 퍼포먼스(퍼포먼스)는 조각품이 있는 동안 끝난 것이 아니라 계속되고, 단순히 정적인 형태로 변해버렸다.

"성능? 이게 뭔가요?" - 물어. 이것은 현대 미술의 방향 중 하나입니다. 그것은 예술, 정치, 사회 및 대인 관계 등 인간 삶의 모든 영역에서 고정 관념이 깨졌던 지난 세기 60년대에 일어났습니다. 그때 철학, 영화, 미술, 음악 분야에서 많은 새로운 경향이 나타났습니다. 현대 미술의 경우 동시에 행동주의, 해프닝 등 표현 형태의 "공연 예술"방향과 유사한 움직임이 나타났습니다. 이들의 공통점은 무엇이며, 어떻게 다른가요?

먼저, 공연은 주어진 장소에서 주어진 순간에 일어나고 예술가 자신이나 참가자 그룹이 공연하는 짧은 예술적 또는 연극적 행위라는 것을 이해합시다. 연극과 다른 점은 공연 참가자들이 학습하고 연습한 타인의 역할을 연기하지 않는다는 점입니다. 그들은 자신이 묘사하는 캐릭터 또는 캐릭터 그룹의 틀 내에서 행동하고 그에 따라 "살아갑니다". 서면 역할은 없지만 일반적으로 줄거리가 있습니다. 이러한 현대 미술 운동의 또 다른 특징은 그것을 대표하는 인물의 중심 역할이다. 누군가 질문이 있는 경우: "성능이란 무엇입니까?" -우선 이것이 공연 예술가 자신, 그의 몸, 몸짓, 의상, 소품 및 기타 표현 수단 형태의 추가 속성이라고 안전하게 대답할 수 있습니다. 이것이 표현의 대상이 캔버스나 조각품인 미술과의 주요 차이점입니다. 또한 고전 예술과 달리 공연에 대한 인식과 이해에는 특별한 지적 준비가 필요하지 않으며, 이 행위를 어떻게 분류할지, 창시자는 누구인지, 무엇을 분류할지 고민하지 않고 보고 놀라고 감동한 행인을 위해 설계되었습니다. 결과가 될 것입니다.

이런 종류의 표현과 가장 가까운 동료는 행동주의와 해프닝입니다. 퍼포먼스는 구체적인 목표를 추구하지 않고, 대중의 직접적인 참여를 필요로 하지 않는 작가의 연극적 행위라는 점을 우리는 이미 알고 있다. 이는 대중의 적극적인 참여가 있어야만 가능한 해프닝과의 주요 차이점입니다. 해프닝은 작가에 의해 '시작'될 뿐이며, 결국 어떤 결과가 나올지는 참여하는 관객의 몫이다.

액션주의는 창의성의 결실이 아닌 창의성 그 자체, 예술 작품을 창작하는 과정에 초점을 맞추는 현대 미술의 경향입니다. 예술가는 대중 앞에서 그림을 그리며, 음악가는 페달을 밟고, 발 밑에서는 음악 소리가 들립니다. 점차적으로 행동주의는 변화를 겪었고 정치 및 터무니없는 것과 합쳐졌습니다. 오늘날 우리는 '예술 행위'라고 불리는 분노를 많이 봅니다. 그 중 가장 유명하고 반향을 불러일으킨 것 중 하나는 구세주 그리스도 대성당에 있는 푸시 라이엇 그룹의 "장난"입니다. 그것은 음악적, 시각적 수단(머리에 다색 스타킹 착용, 악기 사용, 특정 정치 문구 낭송)을 통해 수행된 항의 행위였습니다. 따라서 소녀들은 행동주의 정신으로 행동을 수행하고 있다고 믿었으며 그 결과가 무엇인지 알고 있습니다.

예술에서 기술된 경향(행동주의, 해프닝, 퍼포먼스)은 다르게 인식됩니다. 지지자와 반대자 모두 자신의 입장을 옹호하는 설득력 있는 주장을 제시합니다. 아마도 이 분쟁에서 유일한 합당한 판사는 모든 것을 제자리에 놓을 시간이 될 것입니다. 조금만 기다리자...

성능(영어 공연 - 퍼포먼스, 프리젠테이션, 퍼포먼스) - 간단히 말해서: 현대 미술의 일종으로, 작품은 공연 예술가 자신이나 예술가 그룹의 행동입니다. 다른 형태의 예술에서 대상이 그림, 조각, 움직이는 물체(키네틱 아트)라면 공연에서는 작가 자신이 작품입니다.

행위예술은 전위예술이자 개념예술이다. 때로는 무용, 연극, 발레까지 퍼포먼스라고 부르기도 합니다. 어떤 의미에서는 이것이 사실이지만 "퍼포먼스"라는 용어 자체는 고도로 전문화된 장르와 특별히 관련된 것, 또는 퍼포먼스가 정확하게 퍼포먼스로 제작되는 경우와 다른 의미가 아닌 다른 것을 의미합니다.

'퍼포먼스'라는 단어는 1952년 작곡가 J. 케이지가 무대에서 '4'33''(4분 33초의 묵념) 작품을 공연하면서 처음 사용됐다. 1960년대에 들어와서야 활발한 미술운동으로 등장했다. 그 해에 이러한 추세의 가장 두드러진 대표자는 Yves Klein, Vito Acconci, Hermann Nitsch, Chris Burden, Yoko Ono, Joseph Beuys, Oleg Kulik, Oleg Mavromatti, Elena Kovylina 등이었습니다.

공연 예술의 핵심은 고전 예술 형식과 대조되고 혁명적인 일을 시도하는 생동감 넘치는 아방가르드 스타일일 뿐만 아니라 특별한 종류의 철학입니다. 특별한 개념적 행동을 통해 저자는 삶의 특정 측면에 대한 이해를 전달하려고 노력합니다. 그는 그림, 조각, 그 어떤 것을 통해서가 아니라 관객과의 생생한 상호작용을 통해 자신의 감정을 전달하려고 한다. 종종 그러한 공연은 매우 이례적이고 예상치 못한 일입니다. 훈련받지 않은 시청자는 무슨 일이 일어나고 있는지 전혀 이해하지 못할 수도 있습니다. 여기에는 공연을 이해하는 경험 많은 관객과 우연히 그러한 예술의 발현을 접한 무작위 행인의 의견과 반응이 모두 중요합니다. 이 때문에 특별한 장소뿐만 아니라 거리, 공공장소 등에서도 공연이 이뤄지고 있다.

작가-작가뿐만 아니라 관람자의 적극적인 참여가 요구되는 살아있는 그림은 고정관념을 파괴하고 세상을 색다른 각도에서 바라보는 행위를 나타낸다. 여기의 창의적인 구성 요소는 극적인 변화를 겪고 있습니다. 사람들이 습관적인 창의성을 일반적인 표현으로 보는 데 익숙하다면 예술을 이해하지 못하는 사람에게는 추상화 또는 입체파조차도 동일한 공연보다 더 이해하기 쉬워질 수 있습니다. 그러나 일부 유형의 성능은 오랫동안 우리에게 친숙하고 이해하기 쉬워졌습니다. Flash Mob, 동일한 판자 깔기, Harlem Shake 및 심지어 악명 높은 Pussy Riot 펑크 기도와 같은 문체 결정도 공연의 한 형태입니다.

비디오: 존 케이지: 피아노를 위한 4’33”(1952). 세계 최초의 공연:

러시아 예술가 Oleg Kulik의 공연 – Reservoir Dog:

성능에 관해서는 권위 있는 출처를 참고할 가치가 있습니다. 그림 용어 사전에 따르면 퍼포먼스(영어 퍼포먼스 - “performance”, “execution”, “game”, “presentation”)는 미술관의 대중 앞에서 한 명 이상의 참가자가 공연하는 짧은 퍼포먼스입니다. , 박물관 또는 야외.

연극과 시의 요소를 결합한 1960년대 후반의 현대 미술 형식입니다. 그러나 모든 절충주의에도 불구하고 공연은 오늘날의 문화 생활에서 완전히 독립적인 현상으로 만드는 여러 가지 특징을 가지고 있습니다.

예술 형식으로서의 공연의 독특한 특징

공연은 계획된 행동이다. 사소한 움직임을 포함하여 모든 것을 생각할 수 있는 특정 시나리오가 존재한다고 가정합니다. 액션은 게임처럼 되며, 그 규칙은 아티스트 자신이 결정합니다.

아티스트에게는 행동의 특별한 중요성이 부여됩니다. 공연의 작가는 특정 캐릭터의 역할을 시도하고 공연의 의도를 표현하는 데 도움이 되는 특정 행동 모델을 선택합니다.

이는 시청자가 프로세스에 참여하지 않는다고 가정합니다. 외부인은 예술적 행위의 일부가 되는 것이 아니라 관찰자로 남는다.

이 공연은 전통적인 예술 원칙에 반대하며 관객이 그것을 전통적인 예술의 관점에서 인식할 것을 요구하지 않습니다. 액션은 종종 아이러니하고 패러디적으로 시작되며 충격적인 것을 목표로 합니다. 이는 예술가의 급진적인 미적 입장을 표현한다.

유명 공연예술가와 그들의 작품

우리 시대의 가장 유명한 공연 예술가 중 한 명은 유고슬라비아 예술가 마리나 아브라모비치(Marina Abramović)입니다. 그녀는 1960년대 후반에 창의적인 여정을 시작했습니다. 소리와 공간에 대한 최초의 실험은 이 시기로 거슬러 올라갑니다. 그러나 그녀의 진정한 명성은 Ulay라는 가명으로 더 잘 알려진 네덜란드 공연예술가이자 사진작가인 Uwe Leissiepen과의 협력을 통해 얻게 되었습니다.

Abramovich와 Ulay의 공동 창의성에 대한 놀라운 예는 "Relationships in Time"공연입니다. 아티스트들은 서로 등을 대고 머리를 땋은 채 16시간 동안 이 자세를 유지했다. 그동안 갤러리 홀에는 직원 외에는 아무도 없었습니다. 17시 초 마리나와 울라이가 이미 꽤 지쳤을 때 관중들이 홀에 초대되었습니다. 아티스트들은 한 시간 더 버틴 후 공연이 완료되었습니다.

오늘, 유대인 박물관 및 관용 센터(Jewish Museum and Tolerance Center)는 지난 10년 동안 장르의 발전을 탐구하는 전시회인 "Performance Now: An Anthology of the 2000s"를 엽니다.

최근 몇 년 동안 공연 예술에 대한 관심은 전례 없는 수준에 이르렀습니다. 마리나 아브라모비치(Marina Abramovic)는 레이디 가가(Lady Gaga)와 협력하고, 표트르 파블렌스키(Pyotr Pavlensky)는 붉은 광장의 포장 돌에 성기를 못 박았고, 푸시 라이엇(Pussy Riot)은 펑크 기도 예배를 위해 "투피스"를 제공하고 있습니다. 오늘날 이 장르의 주요 예술가들의 작품은 갤러리에 속해 있으며, 문서가 복제되고 예술가들은 수백만 달러를 벌고 있습니다. 비록 처음에는 공연을 판매할 의도가 없었고 단지 "예술을 위한 예술"로만 의도되었지만 말입니다. 유대인 박물관의 수석 큐레이터인 마리아 나시모바(Maria Nasimova)에 따르면 이 모든 것은 침체의 징후이므로 가까운 시일 내에 변화가 예상됩니다.

그녀는 “전시를 준비하면서 현재 일어나고 있는 일을 기록해 앞으로 어떤 변화가 일어났는지 추적하는 것이 매우 중요했다”며 “공연에 있어서 우리는 지금 예술가들이 노력하는 단계에 와 있다”고 말했다. 같은 것-대규모 박물관에 전시하고 인정 받고자하는 이러한 욕구는 1988 년 가장 상업적인 단체에 의해 조직 된 Freeze 전시회 이후 자신을 선언 한 영국 예술가 그룹 인 YBA (Young British Artists)의 전성기와 함께 발생했습니다. 우리 시대의 예술가, Damien Hirst - ed.), "작가들이 자신의 예술로 돈을 벌고 싶다고 말했을 때. 제 생각에는 공연 예술의 문제는 인기입니다. 그것이 상업화로 이어졌기 때문입니다."

전시회 개막을 위해 주말 프로젝트는 마리아 나시모바(Maria Nasimova)에게 21세기 공연 예술의 형성과 발전에 영향을 준 가장 중요한 작품 5개를 선택하도록 요청했습니다.

1. Allora와 Calzadilla, "중지, 수리, 준비: 준비된 피아노를 위한 "환희의 송가" 변주곡"(2008)

예술가 Jennifer Allora와 Guillermo Calzadilla는 2011년 베니스 현대 미술 비엔날레에서 미국을 대표했습니다. 이 듀엣은 급진적이라고 할 수 없으며 오히려 우리 자신을 보여줍니다. Allora와 Calzadilla는 자신의 작품에서 권력, 군국주의, 전쟁, 국적과 같은 개념을 분석하여 비디오, 사운드 및 인체의 가소성을 활용하여 은유의 중요성을 입증합니다.

유대인 박물관의 전시에서는 참가자가 피아노 안에서 베토벤 교향곡 9번을 연주하는 "중지, 수리, 준비: 준비된 피아노를 위한 "환희의 송가" 변주곡" 공연을 선보입니다. 따라서 연주자 앞에 건반이 거꾸로 놓여 있고, 바퀴가 달린 악기도 방 안을 돌아다니면서 연주자가 평소 피아니스트의 자세로 연주하는 것처럼 음악이 아름답게 들린다. 여기서는 작품 선택도 중요합니다. 교향곡 9번의 일부인 '환희의 송가'가 유럽연합의 공식 국가이기 때문입니다.

© 사진: Allora & Calzadilla Courtesy Gladstone Gallery, 뉴욕 및 브뤼셀

© 사진: Allora & Calzadilla Courtesy Gladstone Gallery, 뉴욕 및 브뤼셀

"이것은 예술이 사람에게 미치는 영향을 보여주는 생생한 예인 것 같습니다. 인생에서 일어나고 있는 일에 대해 생각하고 무언가를 근본적으로 바꾸거나, 너무 감동해서 숨을 죽이고 지켜보는 것뿐입니다." 마리아 나시모바(Maria Nasimova)를 만나보세요. — 음악은 작품의 아이디어를 전달하는 가장 표현적인 수단 중 하나이기 때문에 이 은유는 모든 시청자에게 매우 중요합니다. 음악은 시각 예술보다 훨씬 더 떨리게 만들 수 있습니다."

2. 윌리엄 켄트리지, "드로잉 레슨 47"(2010)

정치적 발언, 애니메이션, 비디오 아트로 유명하며, 연극 연출가로도 활동하고 있는 켄트리지의 이번 공연은 작가와 자신 사이의 재치 있는 토론을 보여준다. William Kentridge는 뉴욕 스튜디오 스쿨(New York Studio School)과의 인터뷰를 통해 자신의 삶, 창의성, 영감에 대해 이야기하고 방해하고 격렬하게 몸짓을 했습니다.

"William Kentridge가 자신의 비디오에 항상 자신의 캐릭터를 그린다는 점은 주목할 가치가 있습니다. 이는 대부분의 작품이 컴퓨터 기술을 사용하여 제작되는 오늘날 매우 중요합니다. 이러한 맥락에서 Kentridge의 작품은 큰 예술적 가치를 갖습니다."

3. 산티아고 시에라, '트랩'(2007)

스페인 시에라(Spaniard Sierra)는 우리 시대의 주요 도발자 중 하나입니다. 그는 자신의 행동에 참여하지 않지만 돈을 위해 어떤 고통도 견딜 준비가 된 사람들을 고용합니다. 그의 행동에 참여하는 사람들은 가난한 사람들, 이민자와 난민, 매춘부와 마약 중독자들입니다. 그의 작품 중 하나에서 시에라는 다양한 국적의 벌거벗은 노동자 30명을 피부색의 그라데이션 순서에 따라 일렬로 배열했고, 또 다른 작품에서는 마약 중독자 두 명의 뒤통수에 있는 줄무늬를 '복용량'으로 면도했습니다. ”, 세 번째로 그는 풀하임의 회당에 가스실을 조직하여 유대인 공동체를 전율하게 만들었습니다.

퍼포먼스 'The Trap'이 'Performance Now. 2000년대 앤솔로지' 전시에 선정되었습니다. 여기에는 13명의 유명한 칠레인이 포함됩니다. 의회 의장, 국방부 장관, 유명 언론인 및 일반적으로 접두사 VIP가 추가되는 기타 사람들입니다. 시에라(Sierra)는 의심하지 않는 손님들을 복도로 곧장 보내는데, 그 끝에서 화난 룸펜 무리를 만나게 됩니다. 작가는 다양한 사회 계층의 대표자들을 한 방에 모아 자신들이 대표해야 할 이해관계를 가진 사람들과 마주했을 때 그 세력들이 어떻게 느끼는지 분명하게 보여줍니다.

나시모바는 “산티아고 시에라는 2000년대는 물론 20세기 후반 전체를 대표하는 획기적인 예술가”라며 “자신의 생각을 자신의 몸으로 구현한 다른 유명인 마리나 아브라모비치와 달리 시에라는 스스로는 아무것도 하지 않습니다. 왜냐하면 그에게 가장 중요한 것은 올바르게 공개되어야 하는 아이디어이기 때문입니다."

그건 그렇고, Marina Abramovic의 작품도 전시회에서 발표됩니다. 이것은 2005 년 뉴욕 ​​구겐하임에서 "공연의 할머니"가 7 개의 교과서 공연을 반복 한 틀 내에서 "Seven Simple Pieces"액션입니다. 자신과 다른 작가들. 아이러니하게도 이 작품은 전시회를 기획한 유대인 박물관 수석 큐레이터인 마리아 나시모바(Maria Nasimova)와 퍼포먼스 이론가이자 큐레이터이자 PERFORMA 비엔날레 창립자인 로슬리 골드버그(Roslie Goldberg)가 동의하지 않은 유일한 작품이었습니다. Maria Nasimova에 따르면 "Seven Simple Pieces"는 2000년대 마리나 아브라모비치(Marina Abramovic)의 작업을 반영한 것이 가장 적으며 Goldberg는 이에 단호하게 동의하지 않습니다.

4. 클레어 폰테인, '상황'(2011)

클레어 퐁텐(Claire Fontaine)은 프랑스의 신개념주의자 풀비아(Fulvia)와 제임스 손힐(James Thornhill)로 구성된 듀오입니다. 그들은 스스로를 레디메이드 예술가라고 부르며, 오늘날 현대 미술은 예술가 자신의 주관적인 의견에 달려 있다는 뒤샹의 이론을 암시합니다. 갑자기 예술 작품을 선언했습니다.

전시회에서 그들은 서로 다른 피부색을 가진 네 사람이 참여하는 일종의 복싱 훈련인 조용한 작업을 선보였습니다. 세트장에서는 다양한 상황(술집 싸움, 칼날 공격, 정당방위)이 펼쳐지므로 시청자는 각 사람이 자신과 상대에게 어떻게 반응하는지 관찰할 수 있습니다.

5. 로리 시몬스, “후회의 음악” (2006)

미국 예술가 로리 시몬스(Laurie Simmons)는 원래 사진과 플라스틱 장르를 다루었으며 많은 작품에 인형을 사용한 것으로 유명합니다. 2000년대에 로리는 행위 예술로 관심을 돌렸습니다. 유대인 박물관의 전시에는 3막으로 구성된 영화 뮤지컬인 그녀의 작품 '후회의 음악'이 포함되어 있습니다. 첫 번째는 두 가족의 깨지기 쉬운 우정에 관한 인형극이고, 두 번째 막에서는 마네킹 인형이 살아 움직이고(애니메이션 인형은 메릴 스트립이 연기함) 세 번째에서는 물건이 주인공이 됩니다. 케이크, 총, 책, 사람 다리에 회중시계.

마리아 나시모바(Maria Nasimova)는 "처음에 관객은 초현실적인 공간에서 혼자 걸어다니면서 이 모든 물체가 여기에서 무엇을 하고 있는지 이해하지 못합니다. 그러나 나중에는 특정 순서로 정렬되어 있고 우리는 이 물체가 아무것도 아니라는 것을 이해합니다."라고 말합니다. 우리의 약점보다 더 많은 것입니다. "작가는 우리가 스스로 웃을 정도로 과장된 형태로 그것을 우리에게 보여 주는데, 이것은 많은 가치가 있습니다. 예술가가 그러한 효과를 달성하면 매우 가치가 있습니다."

엘레나 코스토마로바(Elena Kostomarova)가 준비함