ジャズの基礎となる音楽ジャンルは何ですか? ジャズ：それが何なのか、どのような方向で、誰が演奏するのか。

ジャズ（英語ではjazz）としてのこのスタイルの音楽は、ヨーロッパとアフリカの文化の融合の結果として20世紀初頭にアメリカで出現し、その後世界中に広まった音楽芸術の一形式です。

ジャズとはまさに、「黒」大陸の住民の神聖なリズミカルな才能、さまざまな太鼓を演奏する卓越したスキル、儀式や教会の聖歌の魅惑的な響きを保ってきた、生き生きとして活気にあふれ、常に進化する楽しい音楽です。

そして、ここにバプテスト派やプロテスタント派の合唱やソロの教会聖歌を加えると、同じように言葉では言い表せないジャズ音楽のカクテルが形成され、その中で一見相容れないもの同士が相互作用し、この素晴らしい音楽を生み出します。

ジャズ音楽の起源は非常に珍しいものです。 その発展はダイナミックかつ活気に満ち、世界の音楽芸術の発展に影響を与えた異常で奇跡的な出来事さえ伴いました。

ジャズ音楽の特徴:

• シンコペーションのリズムに基づく特定のポリリズム。
• ビットは一定のリップルで表されます。
• スイングではビートから多少のずれがあり、一連のリズミカルなテクスチャテクニックがはっきりと見えます。
• 即興演奏の驚くべき質。
• 明るくカラフルなハーモニーと音色の音楽範囲。

ジャズの主要な要素としての即興演奏

ジャズ音楽は、即興演奏と、必ずしも書き留められる必要のない、事前に考え出された音楽のメロディーとの組み合わせに基づいています。 アンサンブル内の複数のミュージシャンでも、ソロ ミュージシャンのサウンドが異なっていても、即興演奏を行うことができます。 楽曲の全体的な芸術的イメージは、アンサンブルのメンバー同士の相互作用と、リスナーとのつながりによって決まります。

特別な表現力とリズミカルなサウンドの重要性に加えて、アフリカのルーツがこの音楽の方向性などをもたらしました。 特徴的な機能例：ほぼすべての楽器を打楽器として認識し、リズムを刻むことができること、ボーカルパフォーマンス中の主に会話のイントネーション、ギター、ピアノ、またはさまざまな打楽器を演奏する過程での会話の一部の模倣。

将来のジャズ音楽の発展は、ミュージシャンがますます新しいリズミカルで調和のとれたサウンドのジャズモデルを習得することによって起こり始めました。

ジャズの歴史

上で述べたように、ジャズはアフリカ文化の奥底から生まれ、安価なものとしてアフリカから新世界の土地に強制的に連れてこられた「黒人」大陸の人々の音楽の最良の伝統の中で「育てられ」ました。 労働力そして奴隷と化した。 多くの場合、彼らは特定の部族の出身ではなく、お互いの言語を知らず、隣に鎖でつながれた「捕らわれた兄弟」でさえ理解できませんでした。 しかし、生き残るために、彼らはお互いを理解することを学び、彼らと完全に一つの人間になることを学びました。 共通の文化そして音楽芸術全般を含む伝統。 アフリカのメロディーの演奏は、複雑なリズムと、特徴的な手拍子や足踏みを伴うダンスの動きの使用が特徴です。 それらはすべて、ブルースのメロディーとともに、音楽芸術の新しい方向性の基礎を形成しました。

アフリカ文化とヨーロッパ文化の間の相互作用の全過程は、絶え間ない変化と他民族の文化との同化を経て、18 世紀末に始まり、19 世紀を通じて継続し、最後に 20 世紀初頭に至った。当時の音楽にまったく新しい方向性を出現させました。 全世界の歴史は、ある程度、アメリカにおけるジャズの出現の歴史と実質的に切り離せないことがわかります。

正式な「誕生」

ジャズは、アメリカ合衆国南部のニューオーリンズ市で新しい音楽の方向性として「誕生」しました。 初期ジャズ音楽の発展は、同じ曲に対する一般的な即興演奏によって特徴付けられます。 楽曲メインのトランペット・ソリスト、クラリネット奏者、トロンボーン奏者が、打楽器と組み合わせたマーチング音楽の勇壮なサウンドを背景に演奏します。

初めてのジャズのレコード

ジャズ音楽の発展において重要かつ重要な日付の 1 つは、1917 年 2 月 26 日でした。 典型的な白人である5人のミュージシャンがニューヨーク市のレコーディングスタジオで最初のジャズレコードを録音したときのこと。 その誕生前、ジャズのような現象は、アメリカのアフリカ系アメリカ人人口の限られた一部の音楽伝統である地元の音楽民間伝承の一部と考えられていました。

アメリカ全土がこのレコードを聴いた後（ちなみに、それは伝説的なアンサンブル「オリジナル・ディキシーランド・ジャズ・バンド」でした）、この巨大な国の全国民はただその異常なサウンドに衝撃を受け、唖然としました。 ジャズがミュージカル「オリンパス」において正当な地位を占め、世界中で勝利の行進を始めたのはその時でした。

20世紀初頭のジャズ

すでに 20 世紀の 20 年代初頭には、この特定の音楽スタイルに固有の基本的な特徴が形成されていました。

• これはコントラバスや打楽器の脈動を測定したもので、スウィング効果を生み出します。
• 楽曲の見事な演奏。
• ほとんど言葉を使わずにボーカルの即興演奏を行う珍しいプレゼンテーション。

ボーカルでは、個々の音節のみがよく使用されます。いわゆる「スキャット」は、実質的に意味上の負荷を持たずに、声が特定の楽器として機能する音楽テクニックです。

ジャズのブルースとスウィング

ブルースサウンドはジャズ音楽においても重要な位置を占めています。 すでにさらに増えています 後期この音楽ジャンルの発展において、ニューオーリンズとシカゴの 2 つのステージは総称して「ディキシーランド」と呼ばれました。

前世紀の 20 年代に、アメリカのジャズでは「スイング」と呼ばれる完全なシステムが形成され、その特徴は新しいタイプのオーケストラ、いわゆるビッグ バンドの編成でした。 アンサンブルのミュージシャンの数が増加したため、集合的な即興演奏を作成することができなくなり、音符に記録された音楽アレンジメントに切り替える必要がありました。 このようにして、特別な作曲スキルの現れとして編曲の形成が始まったのです。

ビッグバンド

ビッグ バンドなどの音楽アンサンブルには 3 つの楽器グループが含まれており、特定のセクションはそれぞれが一般的な多声楽器のように個別に鳴らすことができます。

1. サックスセクション（後にクラリネットセクションとなる）。
2. いわゆる「ブラス」セクション（トランペットとトロンボーンの使用）。
3. リズムセクション（ピアノ、ギター、コントラバス、打楽器）。

ソロ

同時に、「コーラス」または「スクエア」の原則に基づいて作成されたソロ即興演奏が発生しました。これは、長さが等しい、つまり、背景に対して演奏される音楽作品の主要なテーマの小節数に等しいバリエーションです。同じコードの音楽伴奏。 即興演奏家が新しいメロディーの一節を適応させるのはこのためです。

30年代のジャズ

1930 年代、アメリカのジャズの人気が高まっていたとき、32 小節の音楽演奏が非常に一般的になりました。 スウィングでは、いわゆる「リフ」が人気になっています。これは、ソリストの音楽の即興演奏中にミュージシャンによって繰り返される 2 ～ 4 小節のフレーズです。

そのようなジャズアンサンブルの最初の一つは、ジャズ音楽の巨匠グレン・ミラー、デューク・エリントン、フレッチャー・ヘンダーソン、カウント・ベイシー、ベニー・グッドマンが指揮する有名なオーケストラでした。 前世紀の 40 年代のデューク・エリントンは、黒人およびラテンアメリカの音楽民間伝承の大きな循環形式の伝統に基づいて作品を制作しました。

20 世紀の 30 年代にはすでに、アメリカのジャズは商業のレールに乗せられていました。人気のあるものほどよく売れるからです。 その後、ジャズの真の愛好家や愛好家の間で、ジャズの初期の理想を擁護する運動全体が現れました。

ビバップとバップ

この運動の勝利に大きな役割を果たしたのは、40年代の黒人バンドであり、彼らはメロディーの踊りやすさ、多様性、歌唱力といった人気の不必要な要素をすべて自分たちの作品の中で捨て去った。 音楽のテーマ自体は、ほぼオリジナルの形でほぼ単調に演奏され、ダンスの要素は完全に捨てられました。

このスタイルのジャズ演奏は、この方向の発展においてまったく新しいマイルストーンとなり、「ビバップ」または「バップ」と呼ばれました。 チャーリー・パーカー、ディジー・ガレスピー、セロニアス・モンク、その他多くの才能あるジャズ・ミュージシャンやパフォーマーは、この方向で音楽実験を大胆に行いました。 これは最終的に実を結び、まったく新しいタイプの音楽芸術形成の基礎を築きましたが、現代ではジャズ ポップ ダンス スタイルとは非常に遠い関係にあります。

20 世紀の 40 年代後半から 60 年代半ばにかけて、音楽の文体の方向性としてのジャズの発展は 2 つの異なる方向に進みました。

最初の方向性は、「クール」（英語のクールから）や「西海岸」（英語から）などのスタイルで構成されます。 西海岸）、コンサート パフォーマンスやポリフォニック サウンドなど、本格的なクラシック音楽と現代音楽の両方の体験から恩恵を受けることができるなどの特徴があります。

2 番目の方向は、スタイル「ハードバップ」（英語のホット、エネルギッシュなスタイルに由来）と同様のパフォーマンス スタイルの「ソウルジャズ」（英語のソウルに由来）で構成され、ビバップの基本と古き良き黒人フォークロアの伝統を組み合わせています。アメリカ黒人の宗教聖歌、いわゆるスピリチュアルの激しいリズムとメロディー。

これら 2 つの主要な楽章には、必ずしも「正方形」に分割する必要のない自由な即興演奏への欲求や、異なる拍子記号をスイングしたいという特別な欲求など、多くの類似点があります。

60年代のジャズ発展期

60年代初頭、ジャズは即興の分野で積極的に実験を始めました。これには境界や制限がなく、そのような実験はフリージャズと呼ばれていました。

「正方形」に明確に分けるのではなく、一定の範囲の音を選択するモーダル原理は、ジャズ音楽の演奏者やミュージシャンの間で人気が高まっています。

そのようなサウンドシーケンスを見つけるために、ミュージシャンはアジア、アフリカの人々の文化、ヨーロッパ諸国やその他の場所の音楽遺産の中からそれらを探します。

融合

70年代になるとエレキギターの時代が到来し、それまでよりもビートを細かく分割した青春ロック的な音楽の方向性が発展しました。 このスタイルの音楽はフュージョンと呼ばれていました（英語のフュージョン - 合金から）。

ジャズを聴いてください！

このように、ジャズ音楽の形成の歴史は、その目標に至る困難で茨の道を描いた歴史の物語であることがわかります。 これは、個々の人々を単一の全体に結びつけるもの、そして他人からの評価や認識の欠如を恐れることなく、私たちを前進させ、大胆に実験させるものについてです。 これ 素晴らしい話人々が生涯を通じて持ち続ける音楽への深い愛情。

私たちにできることは、大きな喜びを得て、ジャズミュージシャンの大胆でめまいのするような実験にいつも驚かされ、まったく新しい音楽スタイルと方向性の形成を目撃することだけです。なぜならすべては始まったばかりだからです。

ブルース

（憂鬱、悲しみ） - 最初は - アメリカ黒人のソロの叙情的な歌、後に - 音楽の方向性。

20 世紀の 20 年代には、3 線に相当する 12 小節周期に基づいたクラシック ブルースが形成されました。 詩的な形式。 ブルースはもともと黒人によって黒人のために演奏される音楽でした。 アメリカ南部でブルースが出現した後、アメリカ全土に広がり始めました。

ブルースのメロディーは、質疑応答の構造とブルース スケールの使用が特徴です。

ブルースはジャズやポップ ミュージックの形成に大きな影響を与え、20 世紀の作曲家はブルースの要素を使用しました。

古風なジャズ

古風な（初期の）ジャズ– 米国南部の多くの州で前世紀半ば以来存在する、最も古く伝統的なタイプのジャズの指定。

古風なジャズは、特に 19 世紀の黒人およびクレオールのマーチング バンドの音楽によって代表されました。

古風なジャズの時代は、ニューオーリンズ (クラシック) スタイルの出現に先立って行われました。

ニューオーリンズ

ジャズ自体が生まれたアメリカの故郷、ニューオーリンズは歌と音楽の街と考えられています。
ジャズがこの都市だけでなくアメリカ全土で発生したという議論もありますが、ジャズが最も力強く発展したのはここでした。 さらに、古いジャズミュージシャンは皆、ニューオーリンズを中心として考えていました。 ニューオーリンズは、この音楽傾向の発展に最も好ましい環境を提供しました。大規模な黒人コミュニティがあり、人口の大部分がクレオール人でした。 多くの音楽トレンドやジャンルがここで活発に発展し、その要素は後に有名なジャズメンの作品に組み込まれました。 さまざまなグループが独自の音楽スタイルを発展させ、アフリカ系アメリカ人はブルースのメロディー、ラグタイム、そして彼ら自身の伝統を組み合わせて、類似品のない新しい芸術を生み出しました。 最初のジャズの録音は、ジャズ芸術の誕生と発展におけるニューオーリンズの特権を裏付けています。

ディキシーランド

(ディキシー カントリー) は、伝統的なジャズの種類の 1 つであり、米国南部の州を指す口語用語です。

ブルース歌手、ブギウギのピアニスト、レイグタイムのパフォーマー、ジャズバンドのほとんどが南部からシカゴにやって来て、すぐにディキシーランドと呼ばれるようになる音楽をもたらしました。

ディキシーランド– 最も広範な呼称 音楽スタイル 1917 年から 1923 年にかけてレコードを録音した最初期のニューオーリンズとシカゴのジャズ ミュージシャン。

歴史家の中には、ディキシーランドをニューオーリンズ スタイルで演奏する白人バンドの音楽だけだと考える人もいます。

ディキシーランドのミュージシャンたちは、古典的なニューオーリンズ ジャズの復活を模索していました。

これらの試みは成功しました。

ブギウギ

ピアノ ブルース スタイル。黒人インストゥルメンタル ミュージックの初期の種類の 1 つです。

このスタイルは、幅広い聴衆にとって非常に親しみやすいものであることがわかりました。

フルボイス ブギウギスタイルこの制度は、20 世紀初頭に、安価なホンキートンク カフェのオーケストラの代わりにピアニストを雇う必要性が生じたことにより誕生しました。 オーケストラ全体を置き換えるために、ピアニストはリズミカルに演奏するさまざまな方法を発明しました。

特徴：即興演奏、技術的な妙技、特定のタイプの伴奏 - 左手パートのモーター・オスティナートの形態、ベースとメロディーの間のギャップ（最大2〜3オクターブ）、リズミカルな動きの連続性、ペダルの使用の拒否。

古典的なブギウギの代表者：ロミオ・ネルソン、アーサー・モンタナ・テイラー、チャールズ・エイヴリー、ミード・ラックス・ルイス、ジミー・ヤンキー。

フォークブルース

主に都市部で存在していたクラシック ブルースとは対照的に、米国の黒人人口の田舎の民間伝承に基づいた古風なアコースティック ブルース。

フォークブルース- これは、原則として電子楽器ではなく演奏されるブルースの一種です。 幅広い演奏や音楽スタイルをカバーしており、マンドリン、バンジョー、ハーモニカや、フォーク ブルースなどの非電気楽器で演奏される気取らないシンプルな音楽も含まれます。フォーク ブルースは、粗野でややカジュアルな印象を与えます。 一言で言えば、これは人々によって、人々のために演奏される本物の民族音楽です。

フォーク ブルースの分野では、ブラインド レモン ジェファーソン、チャーリー パットン、アルジャー アレクサンダーよりも影響力のある歌手がいました。

魂

（文字通り – 魂）; 20 世紀の 60 年代に最も人気のある音楽スタイルで、アメリカ黒人のカルト ミュージックから発展し、リズム アンド ブルースの多くの要素を取り入れました。

ソウル ミュージックにはいくつかの傾向がありますが、その中で最も重要なものは、いわゆる「メンフィス」ソウルや「デトロイト」ソウル、そして主にヨーロッパのミュージシャンに特徴的な「白人」ソウルです。

ファンク

この用語は、20 世紀の 50 年代のジャズで生まれました。 「ファンク」スタイルは「ソウル」音楽の直接の継続です。 リズム・アンド・ブルースの形式の一つ。

後に「ファンク」音楽として分類されることになる音楽を最初に演奏したのは、50 年代後半から 60 年代前半にかけて、よりエネルギッシュで特殊なタイプのジャズを演奏したジャズマンでした。

ファンクはまずダンス ミュージックであり、すべての楽器のパートが極端にシンコペーションするという音楽的特徴を決定します。

ファンクは、顕著なリズムセクション、鋭くシンコペーションされるベースギターライン、曲のメロディックテーマの基礎としてのオスティナートリフ、電子サウンド、陽気なボーカル、そして音楽の速いテンポによって特徴付けられます。

ジェームス ブラウンとジョージ クリントンは、グループ PARLAMENT/FUNKDEIC とともに実験的なファンク スクールを設立しました。

古典的なファンク レコードの起源は 1960 年代から 1970 年代の変わり目にまで遡ります。

フリーファンク

フリーファンク– アバンギャルドなジャズとファンクのリズムのミックス。

オーネット・コールマンがプライム・タイムを結成したとき、それは「ダブル・カルテット」（ギタリスト2人、ベーシスト2人、ドラマー2人、そしてアルトで構成される）となり、フリーキーでありながら風変わりなファンクリズムで音楽を演奏した。 コールマンのバンドの3人のメンバー（ギタリストのジェームス・ブラッド・ウルマー、ベーシストのジャマラディン・タクマ、ドラマーのロナルド・シャノン・ジャクソン）は後に独自のフリー・ファンク・プロジェクトを結成し、フリー・ファンクはヴィオリストのスティーブ・コールマンやグレッグなどのMベース・アーティストに大きな影響を与えた。オズビー。
スイング

バップ- 20 世紀の 40 年代半ばに発展したジャズ スタイルで、メロディーではなくハーモニーを演奏することに基づいた速いテンポと複雑な即興演奏が特徴です。 ビバップはジャズに革命をもたらしました。 ボッパーズは音楽とは何かについて新しいアイデアを生み出しました。

ビバップの段階は、ジャズの重点がメロディーベースのダンスミュージックから、あまり人気のない、よりリズムベースの「ミュージシャンのための音楽」へと大きく移行したことを示しています。 バップミュージシャンは、メロディーではなくコードをかき鳴らすことに基づく複雑な即興演奏を好みました。

ビバップは速く、厳しく、そして「リスナーに対して残酷」でした。

ジャズ・プログレッシブ

ビバップの出現と並行して、ジャズの中でプログレッシブ・ジャズという新しいジャンルが発展しました。 このジャンルの主な違いは、ビッグバンドの凝り固まった常套句や、いわゆる時代遅れのテクニックから脱却したいという欲求です。 シンフォニックジャズ。

プログレッシブ・ジャズを演奏する音楽家たちは、調性とハーモニーの分野におけるヨーロッパの交響曲の最新の成果を作曲の実践に導入して、スイング・フレーズのモデルを更新および改善しようと努めました。 「プログレッシブ」の発展に最も貢献したのはスタン・ケントンです。 彼の最初のオーケストラによって演奏された音楽のサウンドはセルゲイ・ラフマニノフのスタイルに近く、その作品にはロマン主義の特徴がありました。

一連の録音アルバム「Artistry」、「Miles Ahead」、「Spanish Drawings」は、プログレッシブ音楽の発展の一種の神格化と考えることができます。

(クールなジャズ)、スタイルの 1 つ モダンジャズ、20世紀の40年代から50年代の変わり目に、スウィングとバップの成果の発展に基づいて結成されました。

トランペッターのマイルス・デイヴィスはビバップの初期の先駆者であり、このジャンルの革新者となりました。

クールなジャズは、軽くて「乾いた」音の色、スローモーション、宇宙のような錯覚を生み出す凍ったハーモニーなどの特徴を特徴としています。 不協和音もある程度の役割を果たしましたが、柔らかく、落ち着いた性格を持ちました。

「クール」という言葉を最初に使い始めたのは、サックス奏者のレスター・ヤングです。

ほとんど 有名なミュージシャンクラ – デイブ・ブルーベック、スタン・ゲッツ、ジョージ・シアリング、ミルト・ジャクソン、“ショーティ”・ロジャース .
主流

（文字通り - 主電流); 特定の時代のスイングに関連した用語で、この時代の演奏家は、このスタイルの確立された常套句を回避し、黒人ジャズの伝統を継承し、即興の要素を導入しました。

メインストリームは、シンプルだが表現力豊かなメロディーライン、伝統的なハーモニー、そして顕著なドライブを伴う明確なリズムを特徴としています。初期のハード バップの特徴は、厳密にアクセントの付いたリズミカルな伴奏の優勢、イントネーションとハーモニーにおけるブルースの要素の強化、即興演奏におけるボーカル要素を明らかにする傾向、および音楽言語のある程度の単純化です。

ハードバップの主な代表者はほとんどが黒人ミュージシャンです。

このスタイルのアンサンブルが最初にレコードに記録されたのは、アート・ブレイキーのクインテット JAZZ MESSENGERS (1954) でした。

その他の一流ミュージシャン: ジョン・コルトレーン、ソニー・ローリンズ、ヘンク・モブリー、マックス・ローチ...

(文字通り – 融合、融合）、ヨーロッパのアカデミック音楽と非ヨーロッパの民間伝承の要素を統合したジャズロックに基づいて発生した現代的なスタイルの運動。 ジャズとポップス、ロックの融合に始まり、音楽ジャンルとしてのフュージョンは 1960 年代後半にジャズ ロックという名前で登場しました。

想像力と優れた音楽性によって導入された革新の中には、コード進行の放棄があり、これにより音楽があらゆる方向に進むことが可能になりました。

もう一つの変化はリズムの領域にあり、スイングが修正されるか完全に無視されました。 脈動と拍子はもはやジャズの解釈において不可欠な要素ではありませんでした。

フリー・ジャズは今日でも実行可能な表現形式として存在し続けており、実際、初期に認識されていたほど物議を醸すスタイルではなくなりました。

ラテンのリズミカルな要素の融合は、ニューオーリンズで生まれた文化のるつぼのほぼ最初から存在していました。 ラテン音楽の影響は、一流のラテン系即興演奏家を擁するオーケストラやグループだけでなく、地元の演奏家とラテン系の演奏家の組み合わせにもジャズに広がり、最もエキサイティングなステージ音楽の例を生み出しました。

20 世紀の 50 年代と 60 年代には、ラテンのリズム (主にボサノバ) とブラジルのサンバの要素の合成が行われました。 ジョアン ジルベルトとアントニオ カルロス ジョビンによって発見されたこのスタイルは、ハードバップやフリー ジャズの代替となりました。

ラテン ジャズのポリリズミックな音楽のよりダンスに適した特質により、このスタイルのファンの聴衆が大幅に拡大しました。才能の育成方法とその表現手段は予測不可能であり、今日奨励されているさまざまなジャズジャンルの努力を組み合わせることで、ジャズのさらなる発展の潜在的な機会は現在非常に大きくなっています。