SVIRIDOV Georgy (Juri) Wassiljewitsch (1915–98), russischer Komponist, Pianist, Volkskünstler der UdSSR (1970), Held der sozialistischen Arbeit (1975). Musikalische Komödie „Ogonki“ (1951), Vokalsymphonische Dichtung „In Erinnerung an Sergei Yesenin“ (1956);… … Enzyklopädisches Wörterbuch

Gattung. 16. Dez 1915 in Fatezh. Komponist. Held der sozialistischen Arbeit (1975). Nar. Kunst. UdSSR (1970). Von 1932 bis 1936 studierte er an der Ersten Musikhochschule. Fachschule in Leningrad nach Klasse. f S. I. A. Braudo und nach Klasse. Kompositionen von M. A. Yudin. 1941 schloss er sein Studium in Leningrad ab. Nachteile.... ... Große biographische Enzyklopädie

Swiridow, Georgi Wassiljewitsch- Georgy Nikolaevich Sviridov. SVIRIDOV Georgy (Juri) Wassiljewitsch (1915–1998), Komponist. Setzt ursprünglich die jahrhundertealten Traditionen der russischen Gesangskultur um und verbindet sie organisch mit moderner Stilistik. Das Thema des Mutterlandes, seine Schicksale in epischer Form... ... Illustriertes enzyklopädisches Wörterbuch

SVIRIDOV Georgy (Juri) Wassiljewitsch (geb. 1915) russischer Komponist, Pianist, Volkskünstler der UdSSR (1970), Held der sozialistischen Arbeit (1975). Musikalische Komödie „Ogonki“ (1951), symphonische Vokaldichtung „In Erinnerung an Sergei Yesenin“ (1956);… … Großes enzyklopädisches Wörterbuch

SVIRIDOV Georgy (Juri) Wassiljewitsch (16.12.1915, Fatesch, heute Region Kursk 01.06.1998, Moskau), Komponist, Volkskünstler der UdSSR (1970), Held der sozialistischen Arbeit (1975). Preisträger des Stalin-Preises (1946), des Staatspreises der UdSSR (1968,... ... Enzyklopädie des Kinos

- (geb. 16 die Welt... Musikalisches Wörterbuch

Georgy Sviridov Geburtsdatum 3. (16) Dezember 1915 (19151216) Geburtsort Fatezh Sterbedatum 6. Januar ... Wikipedia

- (geb. 1915), Eule. Komponist. Der Autor eines Gesangszyklus basierend auf L.s Gedichten (1. Auflage 1938, 2. Auflage 1957), der die Romantik widerspiegelt. Lermont-Wahrnehmung. Persönlichkeit und Poesie. In seinem Sat. „Romanzen und Lieder“ (M., 1960) enthielt Folgendes. op. auf Lermont. Worte: „Segeln“, „Sie... ... Lermontov-Enzyklopädie

- [R. 3(16).12.1915, Fatezh, heute Gebiet Kursk], sowjetischer Komponist und Musiker des öffentlichen Lebens, Volkskünstler der UdSSR (1970), Held der sozialistischen Arbeit (1975). 1941 schloss er sein Kompositionsstudium am Leningrader Konservatorium ab (Studium... Große sowjetische Enzyklopädie

ABSTRAKT

zum Thema:

„CHORKREATIVITÄT

G.V. SWIRIDOV"

Ausgefüllt von: Klassenlehrer

Gesang Kastornova E.A.

r.p. Znamenka

2015

1. Einleitung……………………………………………………….S. 3

2. Merkmale des Stils von G.V. Swiridow… …………………………… Seite 4

3. „Gedicht zum Gedenken an Sergei Yesenin“……………………………………S.11

4. „Chora“ a cappella …………………………………….…………..Seite 13

5. „Fünf Chöre zu den Worten russischer Dichter“ ………………………….S.17

6. Chorkreativität G.V. Sviridov (unbegleitete Chöre

und begleitet von einem Instrumentalensemble) ……………….S.29

7. Fazit……………………………………………………Seite 32

8. Bibliographie…… ……………………………………………..Seite 34

Einführung

Georgy Vasilyevich Sviridov ist einer der originellsten und brillantesten Künstler unserer Zeit. Das Thema des Mutterlandes ist im Werk des Komponisten von besonderer Bedeutung. Es erklingt in lyrisch-epischen Werken und in Werken, die Bildern des Volkslebens, Landschaften und in heroischen Bildern der Revolution gewidmet sind.

Kreativität G.V. Sviridov ist untrennbar mit der figurativen Welt der Poesie verbunden. Der Kreis der Dichter, deren Gedichte zur literarischen Grundlage seiner Musik wurden – Kantaten, Oratorien, Gesangszyklen, einzelne Romanzen und Lieder – ist äußerst breit. Hier als. Puschkin und M. Yu. Lermontov, die Dichter der Dekabristen und N. Nekrasov, R. Burns und V. Shakespeare, A. Blok und V. Mayakovsky, S. Yesenin und A. Isaakyan und andere. Dies charakterisiert G. Sviridov als einen Musiker der Hochkultur, der Zugang zu poetischen Meisterwerken aller Zeiten und Völker hat. G. Sviridov wendet sich den Werken der besten Dichter der Welt zu und bevorzugt immer noch russische, sowjetische und insbesondere seinen geliebten S. Yesenin: Von etwas mehr als zweihundert Liedern basieren mehr als fünfzig auf Yesenins Gedichten. Übrigens ist es G. Sviridov, der die Ehre hat, S. Yesenin und V. Mayakovsky für ernsthafte akademische Musik zu „entdecken“, obwohl er nicht der erste war, der sich ihren Gedichten zuwandte.

Natürlich ist Sviridovs Chorschaffen ein Thema, das ernsthafte Forschung erfordert, die immer durchgeführt wird. Heute ist es offensichtlich, dass der Komponist Sviridov gefragt, interessant und so tiefgründig ist, dass er noch lange studiert werden wird. Sviridov hatte ein erstaunlich subtiles und präzises Gespür für die Chorstruktur. Es ist kein Zufall, dass Sviridov immer für die besten Gruppen schrieb; der Komponist berücksichtigte die Würde der Gruppen (identifizierte, nahm auf, stellte neue kreative Aufgaben).

Merkmale des Stils von G.V. Sviridova

In Sviridovs Musik kommen die spirituelle Kraft und die philosophische Tiefe der Poesie in durchdringenden Melodien, kristallklarer Klarheit, im Reichtum der Orchesterfarben und in der ursprünglichen modalen Struktur zum Ausdruck. Beginnend mit dem „Gedicht zum Gedenken an Sergei Yesenin“ verwendet der Komponist in seiner Musik Intonation und modale Elemente des alten orthodoxen Znamenny-Gesangs. Das Vertrauen in die Welt der alten spirituellen Kunst des russischen Volkes lässt sich in Chorwerken wie „Die Seele ist traurig über den Himmel“, in den Chorkonzerten „In Erinnerung an A. A. Yurlov“ und „Puschkins Kranz“ und in dem erstaunlichen Chor nachvollziehen Leinwände, die in der Musik für das Drama A. K. Tolstoi „Zar Fjodor Ioannowitsch“ („Gebet“, „Heilige Liebe“, „Gedicht der Reue“) enthalten sind. Die Musik dieser Werke ist rein und erhaben, sie enthält eine große ethische Bedeutung. Im Dokumentarfilm „Georgy Sviridov“ gibt es eine Episode, in der der Komponist in Bloks Museumswohnung (Leningrad) vor einem Gemälde stehen bleibt, von dem sich der Dichter selbst fast nie getrennt hat. Dies ist eine Reproduktion eines Gemäldes des niederländischen Künstlers K. Massis „Salome mit dem Kopf Johannes des Täufers“ (Anfang des 16. Jahrhunderts), in dem die Bilder des Tyrannen Herodes und des für die Wahrheit gestorbenen Propheten deutlich kontrastiert sind. „Der Prophet ist ein Symbol des Dichters, seines Schicksals!“ - sagt Sviridov. Diese Parallele ist kein Zufall. Blok hatte eine erstaunliche Vorahnung der feurigen, turbulenten und tragischen Zukunft des kommenden 20. Jahrhunderts. „...Viele russische Schriftsteller stellten sich Russland gerne als Verkörperung von Stille und Schlaf vor“, schrieb A. Blok am Vorabend der Revolution, „aber dieser Traum endet; die Stille wird durch ein fernes Gebrüll ersetzt...“ Und Der Dichter ruft dazu auf, dem „bedrohlichen und ohrenbetäubenden Lärm der Revolution“ zu lauschen, und stellt fest, dass „dieses Summen sowieso immer von den Großen handelt.“ Mit dieser „Blok“-Tonart näherte sich Sviridov dem Thema der Großen Oktoberrevolution, übernahm den Text jedoch von einem anderen Dichter: Der Komponist wählte den Weg des größten Widerstands und wandte sich der Poesie Majakowskis zu. Dies war übrigens die erste melodische Beherrschung seiner Gedichte in der Musikgeschichte. Davon zeugt beispielsweise die inspirierte Melodie „Lass uns gehen, Dichter, lass uns schauen, lass uns singen“ im Finale des „Pathetischen Oratoriums“, in der die sehr figurative Struktur berühmter Gedichte sowie die weiten, freudiger Gesang: „Ich weiß, dass es eine Stadt geben wird.“ Wirklich unerschöpfliche melodische, sogar hymnische Möglichkeiten offenbarte Sviridov in Mayakovsky. Und das „Gebrüll der Revolution“ steckt im großartigen, bedrohlichen Marsch von Teil 1 („Dreh dich im Marsch um!“), im „kosmischen“ Rahmen des Finales („Glanz und keine Nägel!“) ... Und Als Reaktion auf die Worte von Bloks beeindruckender Prophezeiung schuf Sviridov eines seiner Meisterwerke „Eine Stimme aus dem Chor“ (1963). Blok inspirierte den Komponisten immer wieder, der auf der Grundlage seiner Gedichte rund 40 Lieder schrieb: Solominiaturen, den Kammerzyklus „Petersburger Lieder“ (1963) und kleine Kantaten „Traurige Lieder“ (1962), „Fünf Lieder über Russland“ ( 1967) und zyklische Chorgedichte „Night Clouds“ (1979), „Songs of Timelessness“ (1980).

Zwei weitere Dichter, die ebenfalls prophetische Züge besaßen, nehmen in Sviridovs Werk einen zentralen Platz ein. Dies sind Puschkin und Yesenin.

Basierend auf den Gedichten von Puschkin, der sich selbst und die gesamte zukünftige russische Literatur der Stimme der Wahrheit und des Gewissens unterordnete und dem Volk mit seiner Kunst selbstlos diente, schrieb Sviridov neben einzelnen Liedern und Jugendromanen 10 großartige Chöre von „Puschkin“. Kranz“ (1979), wo die Harmonie und Lebensfreude die strenge Reflexion des Dichters allein mit der Ewigkeit durchbricht („Sie schlagen Zorya“). Die spirituelle Nähe zwischen dem Komponisten und dem Dichter ist kein Zufall. Sviridovs Kunst zeichnet sich auch durch eine seltene innere Harmonie, ein leidenschaftliches Streben nach Güte und Wahrheit und gleichzeitig einen Sinn für Tragödie aus, der aus einem tiefen Verständnis für die Größe und Dramatik der gerade erlebten Ära resultiert. Als Musiker und Komponist von enormem, einzigartigem Talent fühlt er sich vor allem als Sohn seines Landes, geboren und aufgewachsen unter seinem Himmel. In Sviridovs Leben selbst bestehen direkte Verbindungen zu volkstümlichen Ursprüngen und zu den Höhen der russischen Kultur.

S. Yesenin ist Sviridovs engster und in jeder Hinsicht wichtigster Dichter (ca. 50 Solo- und Chorwerke). Seltsamerweise lernte der Komponist seine Gedichte erst 1956 kennen. Die Zeile „Ich bin der letzte Dichter des Dorfes“ schockierte und wurde sofort zur Musik, aus deren Keim das „Gedicht zum Gedenken an Sergei Yesenin“ entstand – ein bahnbrechendes Werk für Sviridov, für die sowjetische Musik und allgemein dafür, dass unsere Gesellschaft viele Aspekte des russischen Lebens dieser Jahre versteht. Yesenin hatte, wie Sviridovs andere Haupt-„Co-Autoren“, eine prophetische Gabe – bereits Mitte der 20er Jahre. er prophezeite das schreckliche Schicksal des russischen Dorfes. Der „Eiserne Gast“, der „auf dem Weg des blauen Feldes“ kommt, ist nicht die Maschine, die Jesenin angeblich fürchtete (wie sie einst dachten), es ist ein apokalyptisches, bedrohliches Bild. Der Gedanke des Dichters wurde vom Komponisten in der Musik gefühlt und offenbart. Zu seinen Yesenin-Kompositionen zählen Chöre, die in ihrer poetischen Intensität magisch sind („Die Seele trauert um den Himmel“, „Am blauen Abend“, „Herde“), Kantaten, Lieder verschiedener Genres bis hin zum Kammergesangsgedicht „Die Castaway Rus‘“ (1977). Jetzt, Ende der 80er Jahre, wird die Arbeit an einem neuen Oratorium nach den Gedichten des jungen Yesenin „The Bright Guest“ abgeschlossen.

G. Sviridov verspürte mit seiner charakteristischen Einsicht früher und tiefer als viele andere Persönlichkeiten der sowjetischen Kultur das Bedürfnis, die russische poetische und musikalische Sprache, die unschätzbaren Schätze der antiken Kunst, die über Jahrhunderte geschaffen wurden, zu bewahren, denn vor allem diese nationalen Reichtümer In unserem Zeitalter des völligen Zusammenbruchs von Grundlagen und Traditionen, im Zeitalter der erlebten Missbräuche besteht eine reale Gefahr der Zerstörung.

Die Vokal- und Chormusik von Georgi Wassiljewitsch Sviridow ist mit keiner anderen zu verwechseln – ihre fantasievolle Welt, die mitreißenden Intonationen und die Zugänglichkeit fesseln den Zuhörer vom ersten Ton an. Diese Musik ist einfach und schlicht. Aber diese Einfachheit ist eine Folge eines tiefen Verständnisses für die Komplexität des Lebens und des Verlangens und auch der Fähigkeit, einfach darüber zu sprechen. Diese Einfachheit erscheint vor dem Hintergrund der komplexesten Suchen der meisten modernen Komponisten phänomenal und unverständlich.

Der Held von Sviridovs Werken ist ein Dichter, Bürger, Patriot, verliebt in sein Heimatland. Sein Patriotismus und seine Staatsbürgerschaft – ohne laute Worte, aber erfüllen die Werke des Komponisten mit einem ruhigen, gedämpften Licht, das Wärme und enorme alles erobernde Kraft ausstrahlt. Alle Gedanken, alle Bestrebungen von Sviridovs Helden konzentrieren sich auf das Interesse am Vaterland, den Menschen, der russischen Kultur und Tradition. Und seine Gefühle manifestieren sich nie oberflächlich, sondern immer tief, keusch, rein, aufrichtig auf russische Weise.

Das Thema des Mutterlandes, Russland, zieht sich durch alle Werke Sviridovs verschiedener Genres: im monumental-heroischen „Pathetischen Oratorium“, im lyrisch-epischen „Gedicht zum Gedenken an Sergei Yesenin“, in Gesangszyklen zu Gedichten von A.S. Puschkina, S.A. Yesenina, A.A. Blok. Aber ganz gleich, wessen Gedichte die Grundlage von Sviridovs Liedern und Chören bilden, sie werden immer auf Sviridovs einzigartige, originelle Art in Musik übersetzt.

Ein großer Platz in der Vokal- und Chormusik von G.V. Sviridov beschäftigt sich mit Bildern russischer Natur, manchmal hell, saftig, wie in großen Strichen gemalt (wie in „Gedicht zum Gedenken an Sergei Yesenin“), manchmal zart, wie verschwommen, „Aquarell“ („Im Herbst“, „ „Diese armen Dörfer“ nach Gedichten von F. I. Tyutchev), dann streng, hart („Holzrus“ nach den Versen von S. A. Yesenin). Und was dargestellt wird, geht immer durchs Herz, gesungen mit Liebe. Die Natur ist untrennbar mit der Weltanschauung des lyrischen Helden Sviridov verbunden. Sie ist belebt, auf geheimnisvolle Weise unverständlich.

Eine solch gesteigerte Wahrnehmung der Natur beruht auf der Tiefe der Natur des Helden, seiner spirituellen Subtilität und seiner poetischen Sensibilität.

G.V. Sviridov ist bestrebt, in seinem Gesangs- und Chorwerk die bedeutendsten Ereignisse und Phänomene unserer Geschichte und unseres modernen Lebens widerzuspiegeln, zum Beispiel die Schlacht von Kulikovo („Lied von Russland“ nach den Versen von A.A. Blok), revolutionäre Ereignisse („Gedicht zur Erinnerung“) von Sergei Yesenin“, „Pathetisches Oratorium“ nach Gedichten von V. Mayakovsky).

Aber nicht nur epochale Phänomene fanden in Sviridovs Musik ihre Verkörperung, sie spiegelte auch das einfache Alltagsleben der Menschen wider. Und dabei schafft der Komponist, der zu großen gesellschaftlichen Verallgemeinerungen aufsteigt, ungewöhnlich vielschichtige Bilder und manchmal ganze tragische Schicksale. Das Volksleben ist in Sviridovs Werken sowohl eine besondere Lebensweise als auch eine besondere Welt des Glaubens und der Rituale; das ist auch eine hohe Moral, ein hohes ethisches Prinzip, das den Menschen geholfen hat zu überleben und ihre Identität zu bewahren; Dies ist schließlich lebendiges Leben, ununterbrochen über Jahrhunderte, Jahrtausende hinweg – trotz aller Seuchen, Invasionen oder Umwälzungen. Die Wahrheiten des Volkslebens sind in sehr unterschiedlicher Musik verkörpert: intensives lyrisches Gefühl – und stille Zärtlichkeit, verborgene Leidenschaft – und strenge Feierlichkeit, erhabene Traurigkeit – und rücksichtslose Kühnheit, Unfug.

„Drei Chöre aus der Musik zur Tragödie von A.K. Tolstoi „Zar Fjodor Ioannowitsch““ (1973) ist in gewisser Weise eine Schlüsselkomposition im Werk von G.V. Sviridova. Von dort führt eine Linie bis zur Höhepunktperiode von Sviridovs Schaffen. Nach und nach entwickelte der Komponist die Idee, sich dem orthodoxen Alltag als poetischer Quelle der Kreativität zuzuwenden. Musikarbeitsbücher ermöglichen es, den Anfang zu entdecken und die allmähliche Transformation dieser kreativen Idee im Laufe der Zeit zu verfolgen. Nach Jahr sieht es so aus:

1978 – „From Easter Hymns“ (für Solobass, gemischten Chor und Sinfonieorchester);

1979 – „Songs of Great Saturday“ (für Solobass, gemischten Chor und Sinfonieorchester);

1980-1985 – „Messe“ (für gemischten Chor ohne Begleitung);

1985 – „Die Größe von Ostern“ (für Lese-, gemischte und Kinderchöre);

1985 – „From Mystery“ (für gemischten Chor und Symphonieorchester).

Von 1985 bis zum 11. Dezember 1997 arbeitete Sviridov an seinem letzten Werk, das zu einer Art spirituellem musikalischen Testament für ihn wurde. Nachdem die Musikmanuskripte nun größtenteils aussortiert sind, kann man sich das Ausmaß dieses Plans vorstellen. Tatsache ist, dass das von Sviridov selbst zur Veröffentlichung vorbereitete Werk „Gesänge und Gebete“ nur ein kleiner, oberflächlicher Teil des musikalischen „Eisbergs“ ist, der im handgeschriebenen Meer des persönlichen Archivs des Komponisten verborgen ist. Hat die ausgeführte Ausgabe von „Lieder und Gebete“ 16 Teile, so umfasst der Kompositionsplan des Hauptwerks, das üblicherweise den Titel „Aus der liturgischen Poesie“ trägt, 43 (dreiundvierzig!) Titel.

„Aus der liturgischen Poesie“ ist ein Werk, in dem traditionelle Texte für den orthodoxen Gottesdienst vom Komponisten sowohl für einen unbegleiteten Chor (der dem ungeschriebenen Kanon des orthodoxen Gottesdienstes entspricht) als auch für Solisten, einen von einem Orchester begleiteten Chor, arrangiert wurden. Dabei handelt es sich um hohe spirituelle Kunst, die nur in gemischten, kirchlichen und weltlichen Formen zum Ausdruck kommt. Und doch, so Georgi Wassiljewitsch selbst, „herrscht in ihm der höchst feierliche Geist des orthodoxen Gottesdienstes.“

Es stellte sich heraus, dass dies die innere Bedeutung der Entwicklung von Sviridovs Kreativität war, dies war der spirituelle Weg des großen Künstlers, eines russischen Mannes von außergewöhnlicher Natur in all seiner Vollständigkeit und Vielseitigkeit, der mit seinem Volk alle Stürme und schweren Zeiten überlebte Das 20. Jahrhundert.

Sviridov setzte die Erfahrungen russischer Klassiker fort und entwickelte sie weiter, vor allem M.P. Mussorgsky und bereicherte ihn mit den Errungenschaften des 20. Jahrhunderts. Er nutzt die Traditionen antiker Gesänge und ritueller Gesänge; Znamenny-Gesang und gleichzeitig modernes urbanes Massenlied.

Sviridov entwickelte und führte die Traditionen der Vokal- und Vokalsinfoniemusik fort und schuf neue Genrevarianten davon. Gleichzeitig zeigte er im Bereich der Harmonie und der musikalischen Form etwas Neues, Einzigartiges und Individuelles.

„Gedicht zum Gedenken an Sergei Yesenin.“

Viele von Sviridovs Werken sind mit der figurativen Welt der Poesie verbunden. Der Kreis der Dichter, deren Gedichte zur literarischen Grundlage seiner Musik wurden – Kantaten, Oratorien, Gesangszyklen – charakterisiert den Komponisten weitgehend als Musiker höchster Kultur.

Sviridovs Lieblingsdichter ist Sergei Yesenin: Von zweihundert Liedern wurden mehr als fünfzig auf der Grundlage von Yesenins Gedichten geschrieben. Es war Sviridov, der Yesenins Poesie als Dichter von enormer Tiefe und Ausmaß erstmals wirklich in die Musik einführte – nicht nur als Autor lyrischer Offenbarungen, sondern auch als Philosoph.

Im Jahr 1955 wurde G.V. Sviridov schafft eines seiner besten Werke – „Gedicht zum Gedenken an Sergei Yesenin“. „In diesem Werk wollte ich das Erscheinungsbild des Dichters selbst, die Dramatik seiner Texte, seine charakteristische leidenschaftliche Liebe zum Leben und diese wahrhaft grenzenlose Liebe zu den Menschen nachbilden, die seine Gedichte spannend macht. Es sind diese Merkmale der Arbeit dieses wunderbaren Dichters, die mir am Herzen liegen. Und das wollte ich in der Sprache der Musik sagen ...“ – so definierte der Komponist die Essenz seines kreativen Plans und seine Haltung gegenüber einem der besten Dichter Russlands.

Das Bemerkenswerte an diesem Werk ist vor allem, dass der Autor der Musik die figurative Struktur von Yesenins Gedichten, die ganze Vielfalt der Stimmungen und ihre Schattierungen, die den Seelenreichtum des russischen Nationalcharakters charakterisieren, sehr getreu wiedergibt. Es gibt schmerzende Melancholie, die Traurigkeit der Einsamkeit und die Unzufriedenheit mit dem Leben und die Liebe zur Natur, sei es ein Schneesturm, ein Wintersturm oder ein Sommernachmittag, vor dem ein Bild eines leidenden Bauern, einer Ernte oder ein poetisches Bild eines Sommernacht und eine magische Szene eines heidnischen Ritus erscheint. Es erscheint nicht nur das Bild des Dichters, sondern auch das Bild der Menschen, unter denen er aufgewachsen ist und denen er seine besten Lieder gewidmet hat.

Alle Gedichte von Yesenin sind von russischer Liederlichkeit durchdrungen. Diese Liedhaftigkeit liegt nicht nur in der besonderen Melodie der Gedichte, in ihrer Melodik – die gesamte figurative Welt des Dichters scheint von den Klängen der Taljanka, Zhaleyka und des Horns durchdrungen zu sein. In seinen Gedichten gibt es Lieder über den Mäher, den Guslar, den Hirten, den Gesang der Vögel, das Rauschen des Windes, die Wälder, sogar die Jahreszeiten singen von ihm („Der Winter singt, ruft“). Und egal, was Yesenins Helden tun – ob sie Reigen leiten oder Rekruten verabschieden – überall erklingt ein Lied. Die Gedichte des Dichters sind voller Bilder sowohl von bäuerlichen als auch städtischen, manchmal vorstädtischen – das sind die Intonationen von Gedichten, in denen sich verschiedene Stile kreuzen. All dies spiegelt sich in Sviridovs Musik wider.

Am deutlichsten kam im „Gedicht zum Gedenken an Sergei Yesenin“ die unauflösliche Verbindung zweier Prinzipien zum Ausdruck – des rein Persönlichen, des Subjektiven und des Objektiven; sie entsprechen der Solostimme und den Chören.

Chorepisoden sind entweder voller Dynamik und scharfer Vergleiche, oder sie sind zurückhaltend und verallgemeinert. Sie scheinen Bilder des Dorflebens nachzubilden. Vor uns: mal eine lebhafte Winterskizze, mal eine energiegeladene Dreschszene, mal ein altes poetisches Volksritual, mal ein trauriges Bild einer verwüsteten Heimat.

In den Solo-Episoden („In that land“, „Du bist mein verlassenes Land“) fällt besonders die Kombination aus Intonationen eines Bauernliedes und einer urbanen Romanze auf.

Der Gesang wurde zur Grundlage für spätere Werke von Sviridov wie die Kantate „Wooden Rus“, „Frühlingskantate“ und viele Chöre.

4. „Chora“ a cappella.

Werke von G.V. Sviridov für Chor und Cappella gehören neben Werken der Gattung Oratorium-Kantate zu den wertvollsten Abschnitten seines Schaffens. Die Bandbreite der darin aufgeworfenen Themen spiegelt sein charakteristisches Verlangen nach ewigen philosophischen Problemen wider. Im Grunde handelt es sich dabei um Gedanken über das Leben und den Menschen, über die Natur, über die Rolle und den Zweck des Dichters, über das Mutterland. Diese Themen bestimmen auch Sviridovs Auswahl an Dichtern, hauptsächlich einheimischen: A. Puschkin, S. Yesenin, A. Nekrasov, A. Blok, V. Mayakovsky, A. Prokofiev, S. Orlov, B. Pasternak... Sorgfältige Nachbildung der Indem er die individuellen Merkmale der Poesie eines jeden von ihnen berücksichtigt, bringt der Komponist gleichzeitig ihre Themen während des Auswahlprozesses näher zusammen und fügt sie zu einem bestimmten Kreis von Bildern, Themen und Handlungssträngen zusammen. Doch die endgültige Verwandlung jedes Dichters in einen „Gleichgesinnten“ erfolgt unter dem Einfluss der Musik, die kraftvoll in das poetische Material eindringt und es in ein neues Kunstwerk verwandelt.

Basierend auf einem tiefen Eindringen in die Welt der Poesie und der Lektüre des Textes entwickelt der Komponist in der Regel sein eigenes musikalisches und figuratives Konzept. Ausschlaggebend ist in diesem Fall die inhaltliche Identifikation der dichterischen Primärquelle mit der wesentlichen, menschlich allgemein bedeutsamen Sache, die ein hohes Maß an künstlerischer Verallgemeinerung in der Musik ermöglicht.

Im Mittelpunkt von Sviridovs Aufmerksamkeit steht immer der Mensch. Der Komponist liebt es, Menschen zu zeigen, die stark, mutig und zurückhaltend sind. Naturbilder „dienen“ in der Regel als Hintergrund menschlicher Erlebnisse, passen aber auch zu Menschen – ruhige Bilder der Weite der Steppe...

Der Komponist betont die Gemeinsamkeit der Bilder der Erde und der Menschen, die sie bewohnen, und verleiht ihnen ähnliche Merkmale. Es überwiegen zwei allgemeine ideologische und figurative Typen. Heroische Bilder werden im Klang eines Männerchors nachgebildet, dominiert von weiten Melodiesprüngen, Unisono, scharf punktiertem Rhythmus, Akkordstruktur oder Bewegung in parallelen Terzen, Forte- und Fortissimo-Nuancen. Im Gegenteil, der lyrische Anfang ist hauptsächlich durch den Klang eines Frauenchors, eine sanfte Melodielinie, Subvokalität, Bewegung in gleichmäßigen Längen und eine ruhige Klangfülle gekennzeichnet. Diese Unterscheidung der Mittel ist kein Zufall: Jedes von ihnen trägt bei Sviridov eine gewisse ausdrucksstarke und semantische Last, und der Komplex dieser Mittel stellt ein typisches Sviridov-„Bildsymbol“ dar.

Die Besonderheit des Chorsatzes eines jeden Komponisten zeigt sich in seinen charakteristischen Melodietypen, Gesangstechniken, Methoden zur Verwendung verschiedener Arten von Texturen, Chorklangfarben, Registern und Dynamik. Auch Sviridov hat seine Lieblingstechniken. Aber die gemeinsame Qualität, die sie verbindet und den nationalrussischen Anfang seiner Musik definiert, ist Gesang im weitesten Sinne des Wortes, als ein Prinzip, das sowohl die modale Basis seiner Thematik (diatonisch) als auch die Textur (Unisonanz, Subvokalität, Chorpedal), Form (Vers, Variation, Strophie) und Intonation-figurative Struktur. Eine weitere charakteristische Eigenschaft von Sviridovs Musik ist untrennbar mit dieser Qualität verbunden. Nämlich: Vokalität, verstanden nicht nur als die Fähigkeit, für die Stimme zu schreiben: als stimmliche Bequemlichkeit und Wohlklang von Melodien, als ideale Synthese von musikalischer und sprachlicher Intonation, die dem Interpreten hilft, bei der Aussprache eines Musiktextes sprachliche Natürlichkeit zu erreichen.

Wenn wir über die Technik des Chorschreibens sprechen, sollten wir zunächst die subtile Ausdruckskraft der Klangfarbenpalette und der Texturtechniken beachten. Sviridov beherrscht die Techniken der subvokalen und homophonen Entwicklung gleichermaßen und ist in der Regel nicht auf nur eine Sache beschränkt. In seinen Chorwerken lässt sich eine organische Verbindung zwischen Homophonie und Polyphonie beobachten. Der Komponist verwendet oft eine Kombination aus einer Unterstimme und einem homophon präsentierten Thema – eine Art zweidimensionale Textur (Unterstimme – Hintergrund, Thema – Vordergrund). Die unterstützende Stimme gibt meist eine allgemeine Stimmung vor oder malt eine Landschaft, während die anderen Stimmen den spezifischen Inhalt des Textes vermitteln. Sviridovs Harmonie besteht oft aus einer Kombination von Horizontalen (ein Prinzip, das aus der russischen Volkspolyphonie stammt). Diese horizontalen Linien bilden manchmal ganze strukturierte Schichten, und durch ihre Bewegung und Verbindung entstehen dann komplexe harmonische Konsonanzen. Ein Sonderfall der strukturierten Vielschichtigkeit in Sviridovs Werk ist die Technik der doppelten Stimmführung, die zur Parallelität von Quarten, Quinten und ganzen Akkorden führt. Manchmal wird eine solche Duplizierung der Textur gleichzeitig in zwei „Etagen“ (im Männer- und Frauenchor oder in hohen und tiefen Stimmen) durch die Anforderungen einer bestimmten Klangfarbe oder Registerhelligkeit verursacht. In anderen Fällen wird es mit „Plakatbildern“ in Verbindung gebracht, mit dem Stil von Kosaken- und Soldatenliedern („Ein Sohn traf seinen Vater“). Am häufigsten wird jedoch Parallelität als Mittel zur Lautstärkeregelung verwendet. Dieser Wunsch nach maximaler Sättigung des „musikalischen Raums“ findet seinen lebendigen Ausdruck in den Chören „The Soul Is Sad About Heaven“ (nach den Worten von S. Yesenin), „Prayer“, in denen das auftretende Ensemble in zwei Chöre aufgeteilt ist, eines davon dupliziert das andere.

In Sviridovs Partituren finden wir weder traditionelle Chorstrukturtechniken (Fugato, Kanon, Imitation) noch Standardkompositionsschemata; es gibt keine allgemeinen, neutralen Töne. Jede Technik ist durch einen figurativen Zweck vorgegeben, jede stilistische Wendung ist ausdrucksspezifisch. In jedem Stück ist die Komposition völlig individuell, frei, und diese Freiheit wird durch die Unterordnung der musikalischen Entwicklung unter die Konstruktion und Sinndynamik des poetischen Grundprinzips bestimmt und intern reguliert.

Bemerkenswert ist die dramatische Eigenart mancher Chöre. Zwei gegensätzliche Bilder, die zunächst in Form unabhängiger, vollständiger Konstruktionen präsentiert werden, scheinen im letzten Abschnitt auf einen Nenner gebracht zu werden und zu einer figurativen Ebene zu verschmelzen („Am blauen Abend“, „Der Sohn traf seinen Vater“, „Wie das Lied geboren wurde“, „Herde“) – das Prinzip der Dramaturgie, ausgehend von Instrumentalformen (Symphonie, Sonate, Konzert). Generell ist die Umsetzung von Techniken, die instrumentalen, insbesondere Orchestergenres entlehnt sind, im Chor typisch für den Komponisten. Ihre Verwendung in Chorwerken erweitert das Spektrum der Ausdrucks- und Gestaltungsmöglichkeiten der Chorgattung erheblich.

Die bekannten Merkmale von Sviridovs Chormusik, die ihre künstlerische Originalität bestimmen, führten zu einer breiten Anerkennung der Chöre des Komponisten und einem raschen Anstieg ihrer Popularität. Die meisten von ihnen sind in den Konzertprogrammen führender inländischer Profi- und Amateurchöre zu hören und werden auf Schallplatten aufgenommen, die nicht nur in unserem Land, sondern auch im Ausland veröffentlicht werden.

Fünf Chöre zu den Worten russischer Dichter.

Diese Kompositionen sind Sviridovs erste Werke im Genre des unbegleiteten Chors. Jeder der Chöre ist ein völlig eigenständiges Werk mit eigenen figurativen und emotionalen Merkmalen und Genremerkmalen. Daher können sie entweder alle hintereinander oder einzeln durchgeführt werden. Gleichzeitig verbindet sie in einem Zyklus der Appell des Komponisten nicht nur an Dichter gleicher Nationalität, sondern vor allem an bedeutsame, bleibende, ewige Probleme: über Jugend und Verblassen, über Leben und Tod, über die Liebe zu das eigene Heimatland. Dabei handelt es sich um eine Kette von Überlegungen des Künstlers über die komplexe Variabilität und Vielfalt der ihn umgebenden Welt, die sich in den Kontrasten seiner subjektiven Wahrnehmung in verschiedenen Lebensabschnitten (entweder romantisch und naiv enthusiastisch oder alltäglich langweilig, gleichgültig) ausdrückt tragische Unvermeidlichkeit von Konflikten und in der majestätischen Harmonie ewiger Anfänge – der Natur und der Kreativität, die sie hervorbringt.

„Über die verlorene Jugend“ zum Text von N.V. Gogol;

„Am blauen Abend“ nach Gedichten von S. Yesenin;

„Ein Sohn traf seinen Vater“ nach Gedichten von A. Prokofjew;

„Wie das Lied geboren wurde“ nach Versen von S. Orlov;

„Herde“ nach Gedichten von S. Yesenin.

Sviridov interpretiert isolierte einstimmige Gesangsstücke gattungsmäßig wie Teile seiner Zyklen. Jedes davon ist ein Lied, eine Geschichte, ein Bild oder eine Szene. Aber trotz der bedeutenden Rolle der epischen, landschaftlichen und Genreprinzipien in Sviridovs Chören ist überall ein kraftvoller „unterirdischer“ Fluss der Lyrik zu spüren. Die Schicksale des Helden und des Volkes verschmelzen, und die objektive Erzählung ist stets von der Subjektivität der Gedanken über das Leben, über die Natur, über den Menschen durchdrungen. Von hier aus, von dieser Polysemie, muss das Volumen des Inhalts der Chöre herrühren, dass bei der Wahrnehmung ein Gefühl der Tiefe entsteht, das sich hinter der Einfachheit verbirgt.

Es kommt bereits aus dem ersten Refrain – „About Lost Youth“. Die von Sviridov übernommenen Worte Gogols (ein stark gekürzter und gleichzeitig leicht modifizierter Prosaauszug aus dem sechsten Kapitel von „Dead Souls“) sind einer der bemerkenswerten lyrischen Exkurse im Gedicht, ein Monolog eines lebensweisen Mannes. der mit der Kindheit die Spontaneität und Frische der Gefühle verlor, diese spirituellen Eigenschaften aber nicht vergaß, sich seines Verlustes deutlich bewusst. Und die Musik drückt denselben tiefen Gedanken aus, den Gogol an anderer Stelle in „Dead Souls“ zum Ausdruck brachte: „Nehmen Sie alle menschlichen Bewegungen mit auf die Reise, die aus den sanften Jahren der Jugend in strengen, bitteren Mut auftauchen, nehmen Sie alle menschlichen Bewegungen mit, verlassen Sie sie nicht.“ Unterwegs stehst du später nicht mehr auf.“

Die erste Hälfte des Stücks besteht aus Erinnerungen an die Vergangenheit und führt uns „in die Jahre unwiderruflich vergangener Kindheit“, Erinnerungen, die warm sind. Die Melodie mit Intonationen, die manchmal der Alltagsromantik „nahe“ sind, ist von ruhiger und heller Traurigkeit durchdrungen. Man denkt also an den klaren, kalten Herbsttagen an den Frühling ... Die fallenden Quart-Intonationen und Phrasenenden klingen elegisch, wie süße Seufzer: „vorher“, „Jugend“, „Kindheit“. Der Nachklang eines Soprans (aus dem Chor) mit einer „romantischen Sexte“ unterstreicht die Wärme der emotionalen Atmosphäre.

Im zweiten Abschnitt klingt die Musik anders. Es beginnt mit den Worten: „Jetzt schaue ich gleichgültig, gleichgültig auf die Straße ...“. Pianissimo, eingefrorene Akkorde des Chores... Eine leere Quinte auf dem Wort „indifferent“... Ein Bild, das Kälte und Müdigkeit ausstrahlt. Die Bewegung, der Nervenkitzel des Lebens liegt hinter uns. Nach den einfachen und sanften Harmonien des ersten Abschnitts erscheinen die harmonischen Verschiebungen in den Worten scharf, in denen der Kontrast zweier Lebenszustände mit größter Kraft zum Ausdruck kommt („Und was in den vergangenen Jahren eine lebendige Bewegung in den USA erweckt hätte Gesicht, Lachen und unaufhörliches Reden, jetzt gleitet es vorbei, die Lippen schweigen ...“).

Diese gegensätzlichen Abschnitte werden durch den kürzesten „Refrain“ vereint. Derselbe lakonische Satz klingt. Zuerst ohne Worte (Nachhall), und dann mit den Worten: „Oh, meine Jugend, oh, meine Frische!“ Und das erweist sich als ausreichend, um dem Ganzen eine starke Einheit zu verleihen, denn hier kommt in einem Satz, in äußerst prägnanter Form, der Leitgedanke des gesamten Chores zum Ausdruck: Vergiss die Jugend, diese wunderbare Zeit nicht des Lebens!..

Indem er seine Gedanken teilt, spricht Gogol mit dem Leser wie mit sich selbst. Und auch Sviridov strebt in allem nach größter Spontaneität, Aufrichtigkeit und Schlichtheit des Ausdrucks. Der Tenor-Solist „singt“ nicht die Noten, versucht nicht, mit der Überwindung stimmlicher Schwierigkeiten anzugeben, kurz gesagt, gibt keine Konzerte. Der Held redet einfach und erlebt die Vergangenheit noch einmal. Der Eindruck einer Konversation entsteht insbesondere dadurch, dass es sich hier nicht um Poesie, sondern um Prosa handelt. Und obwohl es in ein metrisches Raster (variables Metrum: 6/8 – 9/8) „gelegt“ und in gerundeten melodischen Phrasen transportiert wird, macht sich seine prosaische Struktur dennoch bemerkbar: Es bilden sich asymmetrische und sich nicht wiederholende Phrasen, der Rhythmus und Deren Struktur ist frei von „Rechteckigkeit“, so dass überall ein Gefühl von beiläufiger, improvisierter Äußerung entsteht.

Das gleiche Thema der verlorenen Jugend erklingt im zweiten Refrain – „In the Blue Evening“ (Text von S. Yesenin). Auch intonatorisch ist es mit dem vorherigen Stück verbunden – es beginnt mit demselben Gesang, der den ersten Refrain beendet („Oh, my freshness!“). Aber seine Bilder sind anders. Im ersten Refrain bedeutet „Jugend“ die Kindheit, klar und einfältig, im zweiten sprechen wir von der Jugend, von der Zeit der Liebe, dem Aufblühen der Lebenskraft.

Der Anfang des Chores besteht aus dicken Akkorden mit tiefem Bass. Die Fantasie malt das Bild eines „samtenen“ Mondabends, der Zeit, als der Held jung und schön war. Alles ist berauschend schön und voller Träume.

Die Worte in der Musik werden ausdrucksstark ausgedrückt: „schön und jung“, in den Intonationen ist eine Art Stolz und Pathos zu hören. So drückt Musik nicht nur die Verträumtheit der Jugend aus, sondern auch ihre Stärke, die sich besonders im Moment des Aufschwungs aller Stimmen bemerkbar macht („Es war einmal …“).

Und dann gibt es, wie im ersten Refrain, einen Kontrast: Von den Visionen der Jugend kehrt das Denken in die Gegenwart zurück. Doch nun hört man in der Musik nicht nur Bedauern, sondern auch den Schrei der Seele, ein großes Lebensdrama, eine unwiederbringliche Katastrophe wird vermittelt.

Mit einfachen und originellen Mitteln wurde ein Gefühl des Zusammenbruchs, der „Zerbrochenheit“ erzeugt. Die abschließenden Schlüsselworte werden zweimal ausgesprochen: „Alles ist wie im Flug vergangen.“ Sobald die Phrase auf dem melodischen Höhepunkt des gesamten Stücks (A) mit einem scharfen Schrei (ff nach mp) auf einem schwachen Schlag beginnt – als ob ein Schrei ausgebrochen wäre, der nicht zurückgehalten werden kann. Die Melodie bewegt sich sanft vom D-Dur-Dreiklang abwärts und „stolpert“ plötzlich auf fatale Weise: In der Oberstimme erscheint ein fremder Klang – F-Bekar (Es-Dreiklang), in der Harmonie – Akkorde entfernter Tonarten (B-Dur). , e-Moll). Dann wird die Abwärtsbewegung nicht von D-Dur, sondern vom d-Moll-Dreiklang, vom F-Bekar in der Melodie wieder aufgenommen – von dem Klang, bei dem der „Zusammenbruch“ erfolgte.

Nach dem komprimierten Höhepunkt kommt die Auflösung. „Das Herz ist kalt geworden und die Augen sind verblasst“, sagen die Bässe und Altstimmen traurig und müde in ihren tiefen Lagen. Und dann erklingen die ersten Intonationen wieder wie der Anfang dieses Liedes, das sich hätte entfalten und erblühen können, das Glück ankündigte, aber scheiterte. Jetzt werden sie langsam ausgesprochen und erstarren auf hallenden, vibrierenden Akkorden. Die Visionen der Jugend gehören der Vergangenheit an, sie leben nur noch als schmerzlich süße Erinnerung.

So kommt in diesem Refrain in einzigartiger und lakonischer Form die gleiche Idee zum Ausdruck wie im Epilog des Zyklus „Mein Vater ist ein Bauer“ – „Es gibt ein gutes Lied der Nachtigall“: Die Jugend ist schön und wehe diejenigen, die es verschwenden...

Der Chor „Ein Sohn traf seinen Vater“ (Worte aus A. Prokofjews Gedicht „Oh, die Regimenter kamen“) ist in Konzept und Struktur einzigartig. Dies ist eine Geschichte über eine der Episoden des Bürgerkriegs, in der es weder die Namen der Helden noch ihre Eigenschaften gibt, sodass man nur vermuten kann, dass der Sohn, der in der Schlacht starb, ein roter Partisan war. Aber einen großen Raum nehmen Bilder der Natur ein. Alles – wie es in einem Volkslied geschieht, für das nicht die Ereignisse selbst wichtig sind, sondern ihre Bedeutung, die sich insbesondere durch die emotionale Reaktion der Natur als lebendiges, belebtes Wesen offenbart.

Sviridovs Chor ist in der ungewöhnlichen Form einer „musikalischen Geschichte“ aufgebaut, die aus fünf „Gliedern“ besteht, von denen jedes ein vom Material her eigenständiges Lied (oder besser gesagt ein Liedvers mit einer Volksmelodie) ist. Dadurch wird die musikalische Dramaturgie sehr deutlich: Jedes der Bilder ist lakonisch und verallgemeinert zugleich, seine Kanten sind scharf umrissen. Ein kleines Theaterstück enthält monumentalen Inhalt.

Der Refrain dient sowohl als Exposition als auch als Handlung: „Und bis heute erinnern wir uns an den Don und die Donez; In der Nähe des Zveni-Gebirges, im Tal, traf ein Sohn seinen Vater. Es singen ausschließlich Männerstimmen, meist unisono. Der Satz ist breit, „episch“. Die diatonische Dur-Melodie ist schwungvoll und eckig, ohne Halbtöne, mit entschlossenen, kühnen Würfen – etwas Kraftvolles, Solides, Blockiges. Ein episches Bild, das an die Volksmelodien der Donkosaken und einige der besten Lieder von A. Davidenko erinnert (zum Beispiel „From the Midday Sky“, „First Horse“).

Dies ist die Verkörperung der Männlichkeit. Etwas anderes, Weibliches zeigt sich in der nächsten Folge: „Auf dem wüsten Weg ...“. Ein sanftes Lied lyrischer Natur wird von Frauenstimmen „begonnen“ und fließt wie ein transparenter Quellstrom. Die volkstümliche Diatonik (Melodie, Echos und Harmonie) manifestiert sich nun von der anderen Seite – nicht mit Strenge und Kraft wie im Refrain, sondern mit der keuschen Reinheit des lyrischen Ausdrucks. Hier erklingt die Stimme der Natur – die Stimme des Mitgefühls und der Beruhigung.

Mittelpunkt und Höhepunkt der Geschichte ist die Szene des Kampfes zwischen Vater und Sohn (dritte und vierte Folge). Zunächst scheint das friedliche Lied weiterzugehen, aber sein Fluss „beschleunigt sich“, und nun sind entscheidende Sätze zu hören: „Der Vater drehte den Säbel, der Sohn stand in den Steigbügeln.“ Wie durch ein Wunder verwandelt sich das Lied in ein Gemälde. Phrasen mit rednerischen Ausrufen (im Sinne revolutionärer Gesänge) sind so konstruiert, dass die Bewegungen beider Kämpfer dahinter „gesehen“ werden. Im ersten gibt es einen Schwung (Abheben zum fünften: „...der Elternteil mit einem Säbel“), im zweiten ein Heben und Anhalten („ein Ruck“ zum fünften und seiner Umgebung: „stand auf in den Steigbügeln“). Es gibt auch eine weitere Bildlichkeit, wo vom Tod seines Sohnes gesprochen wird („Durch das Tal gerollt...“ – Abwärtsbewegung).

Der Höhepunkt wird von einem mutigen, heroisch-epischen Anfang dominiert. Wenn alle Stimmen unisono im Fortissimo singen: „The Peacock’s Tail Spread“, erkennen wir den Rhythmus und den Charakter der epischen Phrasen des Refrains.

Es scheint, dass die Kette der Ereignisse geschlossen ist, die Geschichte zu Ende ist. Aber so wie das Volkslied damit nicht enden würde, endet auch Sviridovs Chor nicht. Es folgt eine weitere, vielleicht bemerkenswerteste Episode – ein „Requiem“ für den Ermordeten, seine „Trauerfeier“.

Ruhe stellt sich ein. Der Ton ändert sich. Die Hauptrolle übernehmen die Altstimmen (in den Biegungen ihrer gewundenen ersten Phrase erkennt man die veränderten Konturen des Refrains) und die Soprane.

Wer singt das? Führen Frauen die Trauerfeier für ihren Sohn durch? Oder nimmt ihn das Land, für das er starb, in seinen Schoß auf? Die Vorstellungskraft kann dem Zuhörer beide Bilder suggerieren. Aber die Bedeutung ist dieselbe: Die Stimme des Mitgefühls erklingt erneut und dank ihrer außergewöhnlichen Reinheit wird die Leistung des Helden noch erhöht.

Die gesamte letzte Folge ist ein Triumph der Lyrik. Von Anfang an herrschen Licht, Ruhe und Nachdenklichkeit in der Musik (die Stopps auf jeder Silbe im Wort „clear“ sind übrigens gut). Dann breitet sich der musikalische Fluss immer weiter aus, Frauenstimmen tragen ihn weiter und höher (ein fließender Übergang von D-Dur nach H-Dur). Und doch erinnert auch hier der epische, „epische“ Anfang an sich selbst. Die strenge Schlussphrase des Basses (eine scharfe Wende zurück nach D-Dur) erinnert an den Refrain und bringt den Gedanken zurück zum heroischen Bild, dem Bild von Mut und Stärke.

Am schwierigsten ist es, über den vierten Chor zu sprechen – „Wie das Lied entstand“ (Worte von S. Orlov). Es ist schwierig, weil darin „nichts passiert“ und seine Musik auf den ersten Blick äußerst einfach und eintönig ist, aber sie wirkt mit einer Art magischer Kraft, die sowohl tiefe Erlebnisse als auch endlose Gedanken hervorruft. Für neun Strophen wird eine Tonart beibehalten: natürliches d-Moll mit Abweichungen in F-Dur und B-Dur. Die gleichen Gesänge und Phrasen variieren. Ungefähr das gleiche rhythmische Muster bleibt erhalten: wellenförmig, schwankend, „einlullend“... Diese Beständigkeit und Selbstbeherrschung offenbart, was uns am russischen Volkslied erfreut: die Integrität der Stimmung, die gemächliche Entwicklung von Gefühlen und die Zurückhaltung ihres Ausdrucks (Bemerkenswert ist, dass im gesamten Chor nur einmal die Klangfülle MF auftritt, der Rest geht auf Klavier und Pianissimo). Und im Inneren gibt es eine Fülle von Schattierungen und Details.

Der Beginn des Refrains ist eine Art Exposition, die nicht so sehr die Charaktere und den Schauplatz der Handlung vorstellt, sondern vielmehr die Stimmung, die das Stück dominieren wird. Ohne Voranmeldung oder Einleitung beginnt die Musik mit der Hauptliedmelodie (Sopranstimmen, dann Altstimmen). Ausgehend von lyrischen urbanen Melodien (wie „Oh you, share, my share“) erschafft Sviridov ein völlig neues melodisches Bild – bestechend natürlich, geradlinig, herzlich und darüber hinaus streng, frei von jeglicher Sensibilität. Es ist eng mit dem russischen Volkslied verwandt und entwickelt sich nach seinen ursprünglichen Gesetzen (und kein Stadtlied, zu dem es aufgrund seiner Intonationsnatur hingezogen wird, sondern ein Bauernlied!). Freie Variation der Hauptmelodie (kombiniert mit anderen Gesängen), subvokale Polyphonie, modale Variabilität – alles erfüllt das Lied mit reichem Innenleben und Abwechslung.

Der Liedanfang dieser Musik ist untrennbar mit dem Sprechanfang verbunden. Die Melodie ist rund und melodisch, sie singt eine kleine Quinte, wie in vielen anderen lyrischen Melodien von Sviridov, wie auch in russischen Volksliedern. Die Melodie rotiert in Dur um die Quinte und wirkt dadurch leicht, schwebend und klingend. Andererseits wird jedes Wort und jede Silbe klar dargestellt. An manchen Stellen weicht der Gesang dem Reden über zwei oder drei Töne. Obwohl hier die Stimmung im Vordergrund steht, spiegelt die Musik auch die visuellen Bilder der Gedichte wider: Der hohe Ton der Sopranistin hebt ab und streckt sich, wenn sie von „lockigem Rauch“ spricht; Wie eine Feuerzunge bricht eine melodische Phrase aus den Worten „Flammen tanzen im Tempel“ empor.

Der Beginn des Chores schafft eine Atmosphäre der Konzentration, der ruhigen Besinnung und des Vertrauens. Und das Lied entsteht in dieser Umgebung. Es entsteht mitten im musikalischen Gefüge, in der Lage, die bereits von Frauenstimmen „bewältigt“ wurde. Es wurde nicht von außen hierher gebracht, sondern strömt aus dem tiefsten Herzen ... „Hoch, hoch und subtil brachte der Tenor das Lied hervor ...“ Frauenstimmen singen, und der Tenor-Solist führt zu diesem Zeitpunkt sein wunderbares Spiel frei -Stimme ohne Worte, als ließe er die Frauen sagen, oh, dann sein Lied: „Es geht nur darum, wie ein Mädchen lebte... auf der anderen Seite des Flusses hinter Sheksna allein...“.

Dann übernimmt der Basssolist das Lied.

Wieder einmal kann man sehen, wie geschickt und einfühlsam Sviridov die Klangfarben des Chors für dramaturgisch fantasievolle Zwecke einsetzt (denken Sie an „Ein Sohn traf seinen Vater“). Männerstimmen kamen nicht nur erst dann zum Vorschein, als die Gedichte zum ersten Mal über sie zu sprechen begannen. Jede der Stimmen hat ihre eigene Linie, ihren eigenen Charakter.

Und dann sind auch die Klangfarben am Geschehen beteiligt. Die zweite Exposition des Chores – „Bärtig, in voller Kraft...“ klingt im Gegensatz zur ersten. Rein männliches Thema (Bass und Tenor). Hier sind die Melodielinie und die Struktur des Chors einfacher, etwas rauer (zuerst Unisono, dann parallele Terzen, und nur das Wort „sang“ wird durch einen vollen Akkord hervorgehoben). Die Gedrungenheit und Schwere des Klangs tiefer Bässe kommt gut zur Geltung, wenn von „harten irdischen Straßen“ die Rede ist, davon, dass „das Leben aus einem bestimmten Grund gegeben wurde“. Im Gegenteil, die Texte, das Herzhafte und Sanfte, das hinter der Männlichkeit steckt, werden wiederum von weiblichen Stimmen zum Ausdruck gebracht. Überraschend berührend, wie eine unerwartete, aber menschlich verständliche Offenheit, klingt ihre offen emotional romantische Intonation in den Worten „es ging ihnen durch den Kopf“ und „es war einfach mehr als einmal schwierig.“

Im Vergleich und der Kombination von männlicher Strenge mit weiblicher Sanftheit und Wärme offenbart sich nicht nur die direkte Bedeutung, sondern auch der Subtext des Liedes, das zwei Männer am Feuer singen: „Und es ist nicht so, dass das Glück an ihnen vorbeigegangen wäre. Und es ist nicht so, dass sie ungeliebt sind, sie sind allein im Waldland.“ Es gibt keinen Grund, sich über das Schicksal zu beschweren, aber... sie wurden traurig, als sie sich an das „Mädchen“ erinnerten. Und der Gedanke an etwas Helles, Gutes, Zurückgelassenes, eine Erinnerung an die Jugend, ohne überhaupt dramatische Emotionen hervorzurufen (im Gegensatz zu den ersten beiden Chören), wärmt die Seele und verleiht dem Lied hohe Poesie. So offenbart sich die innere Schönheit der spirituellen Welt der „bärtigen Männer“, so ist ihre harte Lebensreife durch eine Kontinuität mit den reinen Träumen der Jugend verbunden. Das ist die wahre Modernität dieser Helden, die sich mit ihrer Integrität und unverbrauchten Kraft gegen Yesenin stellen.

Aber nirgendwo im Chor kommt das Gefühl zum Vorschein, es strömt nicht heraus. Und auch das Fazit – „So wurde das Lied geboren“ – wird mit völliger Einfachheit und Schlichtheit ausgesprochen. Und dann folgen die Sänger mit ihren Gedanken und Augen dem geborenen Lied, das „zu den blauen Sternen fliegt“, und es fliegt in die Luft und schmilzt in der Luft wie der Rauch eines Feuers ...

Das ist dieser Chor, in dem strenge Wahrheit mit ehrfurchtsvoller Poesie verschmilzt, in dem das Erhabene, Tiefe und Weise mit seltener verallgemeinernder Kraft und in äußerster Einfachheit zum Ausdruck gebracht wird.

Ein weiterer Höhepunkt künstlerischer Verallgemeinerung ist der „Tabun“-Chor. In Yesenins Gedicht wird die Idee der Liebe zum Mutterland auf frische und ungewöhnliche Weise vermittelt: als ob der Dichter, der die ganze Erde betrachtete, sie plötzlich wie ein Märchenland sah, in dem er mit der Kraft seines In der Fantasie erblühte alles Gewöhnliche in magischen Farben und erschien traumhaft schön, wunderbar. Die Wiese verwandelte sich in eine blaue Bucht, in der „der Ton der schwankenden Mähnen“ der Herden sank und die Pferde selbst „mit ihren Nasenlöchern die goldene Plakette der Tage wegbliesen“. Wie schön ist das Mutterland! Es gibt so viel ungewöhnliche Schönheit in seinen Wiesen und Hügeln, in der einfachen Melodie eines Hirten!... So kann man die Gedanken des Dichters ausdrücken. Und so hat es der Komponist verstanden.

Deshalb klingt der Anfang des Refrains wie eine Hymne. Sviridov „schnitzt“ hier ein Thema von kraftvollem, man könnte sagen heroischem Charakter, frei ausgebreitet (wie weite Wiesen) und gleichzeitig voller enormer Kraft und Pathos. Dies ist ein majestätischer Ruf, eine „Trompetenstimme“, die über die Felder und Hügel rauscht. Es wird zunächst nur vom Bass vorgetragen und geht dann in hymnische Akkorde aller Männerstimmen über.

Daneben ist ein weiteres Bild zu sehen: „Ein Hirte spielt ein Lied auf einem Horn.“ Die Sopranistin kräuselt sich in einem Muster aus bescheidener, unbefangener Melodie mit Echo. Dies ist die andere Seite des Erscheinungsbildes unserer Heimat, die Verkörperung ihrer Seelenfülle und diskreten Schönheit, dies ist das Bild eines Menschen vor dem Hintergrund einer Landschaft. Und es steht im Einklang mit dem majestätischen Naturbild: Die Bässe erklingen noch einige Zeit in der Oktave, die vom Eröffnungsgesang als Grundlage des Hirtengesangs übrig geblieben ist.

Allmählich entfaltet sich dieses neue Bild (im Verhältnis zu dem das vorherige ein epischer Bildschirmschoner war) immer weiter. Alles darin atmet Ruhe, Frieden, Stille. Wieder vor ihm steht, wie im „Rauch des Vaterlandes“ und im Epilog aus „Das Land der Väter“ oder in der Romanze „Exil“, ein Symbol für die völlige Verschmelzung des Menschen mit der Erde, sein Eintauchen in die Natur und Auflösung darin. Aber auch hier gibt es etwas Neues: Diese Bilder wurden auf einen anderen nationalen Boden übertragen, und nun verherrlicht der Komponist sein Heimatland, das russische Land.

Die figurativen Details in diesem Gemälde sind wunderbar. Hier spricht der Dichter darüber, wie er „mit der Stirn starrt und der Herde zuhört“ und massive Harmonien mit paralleler Bewegung der Außenstimmen und einem stehenden Pedal in den Mittelstimmen unbeholfen den Takt markieren. Auf einen Schlag beschreibt die Musik auch das „spielerische Echo“ (den Ausruf der Sopranistin).

Und dann scheint eine unmerklich auftauchende entfernte harmonische Abweichung (Es-Dur – Ges-Dur) den Horizont zu erweitern und neue, unbekannte Distanzen zu offenbaren ...

Danach stechen die letzten Sätze besonders deutlich hervor:

Ich liebe deine Tag- und Nachtdunkelheit

Für dich, oh Mutterland, habe ich dieses Lied komponiert.

Von dem Gemälde aus geht Sviridov erneut zum Nachdenken über. Die Liebe zum Vaterland umfasst sowohl seine Stärke als auch seine Zärtlichkeit und spiegelt wider, was ihr für alle gemeinsam und für jeden Einzelnen am Herzen liegt. Und in diesem letzten Abschnitt des Chores wird die Größe des Mutterlandes noch einmal laut verkündet, die Hymne darauf erklingt noch einmal (einer der Sätze der Einleitung wird wiederholt) und sofort in einem ruhigen, bescheidenen, vertrauensvollen Satz („ und die Dunkelheit der Nacht“) wird das patriotische Gefühl als persönlich, intim ausgedrückt.

Die letzte Reflexion vergangener Tage (die Gegenüberstellung von Es-Moll und C-Dur) beleuchtet den Schluss dieses Chores. Im Rahmen der Miniatur schuf der Komponist erneut Bilder von großer allgemeiner Bedeutung und drückte einen großen Gedanken aus.

Dies sind die fünf Chöre von Sviridov. Lassen Sie sie keinen Kreislauf bilden. Da man aber die Tendenz des Autors kennt, Kompositionen mit einem einheitlichen Konzept zu schaffen, lohnt es sich, zu versuchen, in der Chorsuite eine einheitliche Idee zu finden. Beim ersten Kennenlernen fällt nur die Verbindung zwischen den ersten beiden Chören ins Auge, da beide den Erinnerungen an die Jugend gewidmet sind. Dann scheint sich der Komponist von diesem Thema zu entfernen. Aber wenn man sich alle fünf Stücke einmal ansieht, wird man feststellen, dass sie alle eine Idee entwickeln.

Es war einmal, in „Autumn“ und „John Anderson“ aus einem Zyklus nach Gedichten von Burns vermittelte Sviridov Gedanken über den Wechsel von Zeitaltern und Generationen, über den Übergang von Frühling und Sommer zu Herbst und Winter, vom Morgen und einen halben Lebenstag bis zum Abend. Ist das nicht die Art von Denken, die in Chören verkörpert wird? Der erste Refrain spricht von der Kindheit, der zweite von der Jugend, der dritte von der Jugend, die in einen tödlichen Kampf um ihre Zukunft eintritt, der vierte von der Reife des Lebens und der fünfte vom Sonnenuntergang, allegorisch gesehen, vom Abend des Lebens. Und hier kommt die Hauptidee der Suite zum Ausdruck: das Ergebnis des Lebens, „der Abschluss der irdischen Weisheit“ – die Verschmelzung des Menschen mit seiner Heimat, Harmonie mit der Natur, Liebe zum Mutterland. Poetische und weise Idee!

Sviridovs Chöre sind ein bedeutender Beitrag zur sowjetischen Chorliteratur, ein neues Wort darin. So werden sie von den Zuhörern behandelt, die ihren Auftritt mit ständiger Freude annehmen, und so werden sie auch von den größten Meistern der Chorkunst bewertet.

Chorkreativität G.V. Sviridova

(Unbegleitete und begleitete Chöre)

Drei Gedichte von A. Puschkin: „Wo ist unsere Rose, meine Freunde?“,

„Es gibt eine Stadt in Russland namens Luga...“, „Wenn das Leben dich täuscht.“

2. Gedicht „Herbst“ von F. Tyutchev.

3. Gedicht „Trauer“ von A. Tolstoi.

4. Gedicht „Hymnen Russlands“ von F. Sologub.

5. „Zapevka“-Gedicht von I. Severyanin.

6. Zwei Chöre zu Gedichten von S. Yesenin: „Blizzard“, „Du bist mein gefallener Ahorn“.

7. Gedicht „Bastard Man“. Gedichte von P. Oreshkin.

8. „Schwanengrotte“. Gedichte von N. Brown.

9. „Puschkins Kranz“ nach Gedichten von A. Puschkin (Konzert für Chor):

„Wintermorgen“;

„Poletchushko – kleines Herz“;

"Maria";

"Echo";

„Griechisches Fest“

„Kampfer und Moschus“;

„Sie haben Zorya geschlagen...“;

"Natascha";

„Steh auf, Ängstlicher…“

„Das weißseitige Zwitschern ...“.

10. „Ladoga“ nach Gedichten von A. Prokofjew (Chorgedicht):

„Lied über die Liebe“

"Balalaika",

„Seewasser“

„Nachtgesänge“

"Bart".

11. „Nachtwolken“ nach Gedichten von A. Blok (Kantate):

„Am grünen Ufer ...“

„Der Stundenzeiger nähert sich Mitternacht…“

"Liebe",

„Balagantschik.“

12. Vier Chöre zu Gedichten von A. Blok (aus dem Zyklus „Lieder der Zeitlosigkeit“):

"Herbst",

„Felder löschen“

„Der Frühling und der Zauberer“

"Symbol".

13. „Kursk-Lieder“, Volkswörter (Kantate):

„Grüne Eiche…“

„Sing, sing, kleine Lerche ...“

„Die Glocken läuten in der Stadt…“

„Oh, wehe, wehe meinem kleinen Schwan“

„Vanka hat sich einen Zopf gekauft...“

„Meine dunkle Nachtigall ...“

„Jenseits des Flusses, jenseits der Schnellen...“

14. „Fünf Chöre zu den Worten russischer Dichter“:

„Über die verlorene Jugend“ (Worte von N.V. Gogol),

„Am blauen Abend“ (Gedichte von S. Yesenin),

„Ein Sohn traf seinen Vater“ (Gedichte von A. Prokofjew),

„Wie das Lied geboren wurde“ (Gedichte von S. Orlov),

„Herde“ (Gedichte von S. Yesenin).

15. Zwei Chöre zu Gedichten von S. Yesenin:

„Du singst mir das Lied vor...“ (Frauenchor für 4 Stimmen),

„Die Seele ist traurig über den Himmel...“ (Männerchor für 12 Stimmen).

16. Drei Chöre aus der Musik zur Tragödie von A.K. Tolstoi „Zar Fjodor Ioanowitsch“:

"Gebet",

„Heilige Liebe“

„Gedicht der Reue.“

17. Konzert zum Gedenken an A. Yurlov:

"Weinen",

"Abschied"

„Choral“.

18. Drei Miniaturen:

„Round Dance“ (Gedichte von A. Blok),

„Vesnyanka“ (Worte aus Volksdichtungen),

„Kolyada“ (Volkswort).

19. Vier Lieder nach den Worten von A. Prokofjew:

„Links ist ein Feld, rechts ist ein Feld ...“,

„Kriegslied“

„Nacht des Soldaten“

„Unser Mutterland ist Russland.“

8.Abschluss

Sviridovs Kreativität ist ein herausragendes Phänomen der spirituellen Kultur unseres Volkes. Seine Musik, einfach und weise, wie ein Volkslied, einladend und erhaben, nimmt in der russischen Kunst einen besonderen Platz ein.

Sviridov versteht es, das Ewige im Neuen und das Neue im Ewigen zu sehen und uns zu zeigen. Sein Werk ist eine lebendige Verkörperung der Unsterblichkeit der Traditionen der russischen Kultur und der unerschöpflichen Fähigkeit dieses mächtigen Baumes, sich mit frischem Saft zu füllen, Früchte zu tragen und neue Triebe und Zweige hervorzubringen.

Sein innovativer Beitrag zur Oratorien-Kantata-Chor- und Romantikmusik steht auf Augenhöhe mit dem, was Prokofjew für Oper und Ballett, Klaviermusik und Schostakowitsch für die Genres Symphonie und Kammermusikinstrumente geleistet hat.

Und es bedarf kaum einer besseren Bestätigung von Sviridovs kreativer, moderner Herangehensweise an die Traditionen der nationalen Kunst als der allgemein anerkannten Tatsache, dass er (wie andere große sowjetische Komponisten) bereits eine eigene Tradition in der russischen Musik geschaffen hat. Es markiert einen neuen Schritt auf dem Weg des Fortschritts der nationalen Kultur und spielt eine wichtige Rolle im spirituellen Leben der Gesellschaft, in ihrer Weiterentwicklung. Diese Sviridov-Tradition soll viele, viele Jahre weiterleben und sich weiterentwickeln und die wertvolle jahrhundertealte Erfahrung der russischen Kultur mit neuen Errungenschaften bereichern.

Die Musik von Georgy Sviridov lebt in den Herzen von Millionen Menschen. Es kam mit Puschkins Romanzen von 1935 zu uns – überraschend frisch, originell, in denen sich seine künstlerische Sprache erstaunlich früh wiederfand: zugleich einfach und komplex, klar und weise, strahlend russisch und absorbierte die Erfahrung der Weltmusik, von Bach und Schubert bis Glinka und Prokofjew. Dieser Stil durchdringt das gesamte grandiose und vielfältige Werk von Sviridov: große Kantaten-Oratorien-Leinwände und intime Gesangstexte, malerische Orchesterwerke und raffinierteste Kammerinstrumentalmusik.

Sviridov arbeitete buchstäblich bis zu den letzten Tagen seines Lebens. Auf die Frage, wie es ihm gehe, antwortete der 82-jährige Komponist ehrlich: „Schlecht“, fuhr aber gleich fort: „Das macht nichts – wir müssen arbeiten, es gibt so viele Pläne, Vorbereitungen.“

Literaturverzeichnis:

Alfeevskaya G. Geschichte der russischen Musik der Sowjetzeit. – M., 1993.

Asafiev B. Russische Musik des 19. – frühen 20. Jahrhunderts. – L. 1968.

Vasiliev V. Essays zur Dirigenten- und Chorausbildung. – L., 1990.

Zhivov V. Durchführung einer Analyse eines Chorwerks. – M., 1987.

Iljin V. Essays zur Geschichte der russischen Chorkultur der zweiten Hälfte des 16. und frühen 20. Jahrhunderts. – Teil 1. – M., 1985.

Buch über Sviridov/Zusammengestellt von A. Zolotov. – M., 1983.

Krasnoshchekov V. Fragen des Chorstudiums. – M., 1969.

Levando P. Chorstudien. – L., 1984.

Musik für Kinder./Fragen der musikalischen und ästhetischen Bildung. Bd. 5. – L. „Musik“. 1985.

Bird K. Neue Chormusik. „Sowjetische Musik“ 1961, Nr. 12.

Bird K. Über Musik und Musiker: Artikel aus verschiedenen Jahren / Zusammengestellt von B. Tevlin, L. Ermakova. – M., 1995.

Samarin V. Choreologie: Lehrbuch. – M., 1998.

Sokhor A. Georgy Sviridov. All-Union-Publikation „Sowjetischer Komponist“. – M., 1972.

Ukolova L.I. Dirigieren/Lehrbuch für Studierende weiterführender Berufsbildungseinrichtungen. Ausbildung. – M., Humanitäres Verlagszentrum Vlados. – 2003.

SWIRIDOV GEORGY WASILIEVICH

(1915-1998)

Der zukünftige Komponist wurde in der kleinen Stadt Fatezh in der Provinz Kursk geboren. Sein Vater war Postangestellter und seine Mutter Lehrerin. Als George erst vier Jahre alt war, war die Familie Waise: Sein Vater starb während des Bürgerkriegs. Danach zogen die Mutter und ihr Sohn nach Kursk. Dort ging Yuri (so hieß Sviridov als Kind) zur Schule, wo seine musikalischen Fähigkeiten zum Ausdruck kamen. Damals beherrschte er sein erstes Musikinstrument, die gewöhnliche Balalaika. Sviridov übernahm es von einem seiner Kameraden und lernte bald so viel, nach Gehör zu spielen, dass er in ein Amateurorchester russischer Volksinstrumente aufgenommen wurde. Der Direktor des Orchesters, ein ehemaliger Geiger Ioffe, organisierte Konzerte und Musikabende, die klassischen Komponisten gewidmet waren. Während er in einem Orchester spielte, verfeinerte Sviridov seine Technik und hörte nie auf, von einer musikalischen Ausbildung zu träumen. Im Sommer 1929 entschloss er sich, eine Musikschule zu besuchen. Bei der Aufnahmeprüfung musste der Junge Klavier spielen, aber da er zu diesem Zeitpunkt noch kein Repertoire hatte, spielte er einen Marsch seiner eigenen Komposition. Die Kommission mochte ihn und er wurde in die Schule aufgenommen.

An der Musikschule wurde Sviridov Schüler von V. Ufimtseva, der Frau des berühmten russischen Erfinders G. Ufimtsev. Die Kommunikation mit diesem sensiblen und talentierten Lehrer bereicherte Sviridov in vielerlei Hinsicht: Er lernte professionell Klavier spielen und verliebte sich in die Literatur. Während seines Studiums war er ein häufiger Gast im Haus der Ufimzews, und es war Wera Wladimirow, die Swiridow riet, sein Leben der Musik zu widmen.

Nach seinem Schulabschluss setzte er seinen Musikunterricht bei einem anderen Lehrer, M. Krutyansky, fort. Auf seinen Rat hin ging Sviridov 1932 nach Leningrad und besuchte eine Musikhochschule unter der Leitung von Professor I. Braudo, um dort Klavier zu studieren. Zu dieser Zeit lebte Sviridov in einem Wohnheim und spielte abends im Kino und in Restaurants, um sich zu ernähren.

Unter der Anleitung von Yudin schrieb Sviridov in nur zwei Monaten sein erstes Kurswerk, Variationen für Klavier. Unter Musikern sind sie bis heute berühmt und werden als Lehrmaterial verwendet. Sviridov blieb etwa drei Jahre in Yudins Klasse. In dieser Zeit schrieb er viele verschiedene Werke, das berühmteste war jedoch ein Zyklus von sechs Romanzen nach Gedichten von Puschkin.

Unterernährung und harte Arbeit beeinträchtigten jedoch die Gesundheit des jungen Mannes, er musste sein Studium unterbrechen und für einige Zeit nach Kursk, in seine Heimat, gehen. Nachdem er an Kraft gewonnen und seine Gesundheit verbessert hatte, trat Sviridov im Sommer 1936 in das Leningrader Konservatorium ein und wurde Gewinner eines persönlichen Stipendiums, das nach A. Lunacharsky benannt wurde. Sein erster Lehrer dort war Professor P. Rjasanow, der ein halbes Jahr später von D. Schostakowitsch abgelöst wurde.

Unter der Leitung seines neuen Mentors vollendete Swiridow die Arbeit an einem Klavierkonzert, das im Jahrzehnt der sowjetischen Musik, das dem 20. Jahrestag der Revolution gewidmet war, zeitgleich mit Schostakowitschs Fünfter Symphonie uraufgeführt wurde.

Ein solch erfolgreicher Abschluss des Konservatoriums versprach dem jungen Komponisten glänzende Aussichten, er bekam endlich die Möglichkeit, seiner Lieblingsbeschäftigung professionell nachzugehen. Doch all diese Pläne wurden durch den Krieg durchkreuzt. Gleich in seinen ersten Tagen wurde Swiridow als Kadett an einer Militärschule eingeschrieben und nach Ufa geschickt. Allerdings wurde er bereits Ende 1941 aus gesundheitlichen Gründen demobilisiert.

Bis 1944 lebte Sviridov in Nowosibirsk, wohin die Leningrader Philharmonie evakuiert wurde. Wie andere Komponisten begann er, Kriegslieder zu schreiben, von denen das berühmteste vielleicht „Lied vom Tapferen“ nach Gedichten von A. Surkow war. Darüber hinaus schrieb er Musik für Aufführungen der nach Sibirien evakuierten Theater. Zu diesem Zeitpunkt musste Sviridov erstmals für das Musiktheater arbeiten und schuf die Operette „Das Meer breitet sich aus“, die vom Leben und Kampf der baltischen Seeleute im belagerten Leningrad erzählte.

1944 kehrte Sviridow nach Leningrad zurück und ließ sich 1950 in Moskau nieder. Nun musste er sein Recht auf eigenständige Kreativität nicht mehr nachweisen. Darüber hinaus ist Sviridov der Schöpfer eines interessanten Musikgenres, das er „musikalische Illustration“ nannte. Der Komponist scheint ein literarisches Werk durch Musik zu erzählen. Dabei handelt es sich in erster Linie um einen Zyklus, der Puschkins Erzählung „Der Schneesturm“ gewidmet ist. Aber das Hauptgenre, von dem sich der Komponist nie trennte, sind Gesang und Romantik. Vokalmusik nimmt den Hauptplatz der Kreativität ein. Er arbeitet mit Gedichten verschiedener Dichter und enthüllt deren Erscheinungsbild auf neue Weise.

Sviridov entwickelte und führte die Traditionen der Vokal- und Vokalsinfoniemusik fort und schuf neue Genrevarianten davon. Gleichzeitig zeigte er im Bereich der Harmonie und der musikalischen Form etwas Neues, Einzigartiges und Individuelles.

Dem Publikum ist Sviridovs Musik zu den Filmen „Time, Forward!“ weithin bekannt. (1965) und „Blizzard“ (1974).

Sviridovs atemberaubende Chorzyklen brachten ihm weltweite Berühmtheit („Dezembristen“ nach den Worten von A. Puschkin und den Dichtern der Dekabristen, „Gedicht zum Gedenken an Sergei Yesenin“, „Pathetisches Oratorium“ nach V. Mayakovsky, „Fünf Lieder über Russland“ nach dem Worte von A. Blok usw.). Sviridov arbeitete jedoch auch in populären Genres, zum Beispiel in der Operette („Lichter“, „Das Meer breitet sich aus“), im Kino („Auferstehung“, „Das goldene Kalb“ usw.), im Schauspieltheater (Musik für die Stücke von A. Raikin, „Don Cesarde Bazan“ usw.).

Sviridov wurde von fast allen Autoritäten großzügig mit Titeln und Auszeichnungen ausgezeichnet: Er wurde dreimal mit Staatspreisen der UdSSR ausgezeichnet, 1960 mit dem Lenin-Preis, 1970 mit dem Titel „Volkskünstler der UdSSR“, 1975 mit dem Titel „Held von“. Sozialistische Arbeit.

Das letzte Lebensjahr des Komponisten war für seine Familie einfach ungeheuerlich. Am 11. Dezember starb Georgi Wassiljewitschs jüngerer Bruder, am selben Tag erkrankte der brillante Musiker selbst und am 31. Dezember starb sein jüngster Sohn, ein japanischer Spieler, in Japan. (Sviridov verlor seinen ersten Sohn noch früher). Sie begruben Sviridov Jr. und bald auch den Älteren ...

Der zivile Gedenkgottesdienst und die Beerdigung von G. Sviridov fanden am 9. Januar 1998 in Moskau statt. Nach der Trauerfeier in der Christus-Erlöser-Kirche fand die Beerdigung von G. Sviridov statt. Die letzte Ruhestätte des großen Komponisten wurde auf dem Nowodewitschi-Friedhof gefunden.

Daher sind Sviridovs Werke in Russland und im Ausland weithin bekannt. Er schrieb mit gleicher Leichtigkeit sowohl ernste als auch leichte Musik, weshalb sich die Menschen in sie verliebten.

Georgi Wassiljewitsch Swiridow widmete sich von Beginn seiner Karriere an der Vokal- und Chormusik. Romanzen zu den Gedichten von Puschkin von Lermontov Blok, Liederzyklen zu den Worten von Beranger, Burns und Isaakyan Prokofjew wurden in den goldenen Fundus der sowjetischen Gesangsliteratur aufgenommen. Sviridov ist ein origineller Vokal- und Chorkomponist. Sviridovs stimmliches und chorisches Schaffen ist einzigartig in seiner Breite, die verschiedene poetische Stile abdeckt. Der Komponist wandte sich der Poesie von Shakespeare und Burns, Puschkin und Lermontow, Nekrassow und Isaakjan, Majakowski und Pasternak, Prokofjew, Orlow, Twardowski und anderen zu. Aber Swiridows Favoriten waren immer zwei wahrhaft russische Dichter, in denen er ewige Themen fand, die in sind Stimmen Sie sich mit heute ab - A. Blok und S. Yesenin.

Sviridov hatte eine reiche melodische Begabung. Die Melodie ist singend, russisch, gefühlvoll – das „Allerheiligste“ von Sviridovs Schaffen. Die Definitionen von Sviridovs Stil sind charakteristisch: „Sviridovs Werk ist ein Lied im wörtlichen (Interesse an Gesangsgenres, Aufmerksamkeit für das Wort) und im übertragenen Sinne (unermüdliche Verherrlichung des Mutterlandes) des Wortes“ und „Liedhaftigkeit“ im weitesten Sinne des Wortes als Prinzip, das die Besonderheiten der Thematik bestimmt. ... wird zu einer der Hauptqualitäten, die das Nationale in seinem Werk offenbaren.“

Sviridovs Meisterschaft im Chorschreiben zeigte sich besonders in seinen „Fünf unbegleiteten Chören zu den Worten russischer Dichter“, die 1959 zwischen zwei Chorbildern entstanden: „Gedicht zum Gedenken an S. Yesenin“ und „Pathetisches Oratorium“. Dieses Werk offenbart wichtige Stilmerkmale des Komponisten. Sie sind in vielerlei Hinsicht bezeichnend für die Entwicklung einer der Richtungen des modernen Chorschaffens. Als beste Studie zum Werk von E. Sviridov gilt zu Recht die Monographie von A. Sokhor, deren Materialien wir bei der Analyse von Chorwerken verwenden.

„Fünf unbegleitete Chöre“ (1959) wurde nach Gedichten verschiedener Dichter geschrieben, die durch das Hauptthema von Sviridovs Werk vereint sind – das Thema des Mutterlandes, ein kollektives Bild des russischen Landes, seiner Natur und seiner Menschen, wunderschön in ihrer Aufrichtigkeit und Spiritualität Reinheit. Es ist kein Zufall, dass Sviridovs Musik als „Quintessenz“ von allem Russischen gilt: Natur, Landschaft, menschliche Seele, Gesang, Poesie, Religion. Ein tiefes Eindringen in die Seele des Volkes, ein Verständnis für die Natur der russischen melodischen Musik – in Bauern- und Stadtliedern, in Znamenny-Gesängen – weckt Analogien zur Musik Rachmaninows. Der Komponist versteht es, in seinem Werk gesellschaftlich bedeutsame Themen und Texte, Bilder seiner Heimat und heroische Seiten der Revolutions- und Bürgerkriegsgeschichte zu verbinden. Aber das patriotische Hauptthema, das Thema der Liebe zum Vaterland, erhält in ihm eine lyrische und philosophische Verkörperung. Als Einführung in die Sammlung dient der Refrain „On Lost Youth“ (basierend auf einem Prosaauszug aus dem zweiten Band von „Dead Souls“ von N.V. Gogol) – Erinnerungen an vergangene Kindheit und Jugend. Der zweite und fünfte Chor der Sammlung sind nach Gedichten von S. Yesenin, dem Lieblingsdichter des Komponisten, geschrieben. Der dritte und vierte Bericht erzählen von der Begegnung eines Sohnes mit seinem Vater und von „der Geburt eines poetischen Liedes“ und basieren auf Gedichten von Dichtern der Sowjetzeit – A. Prokofjew und S. Orlow.

Im Refrain „About Lost Youth“ wird die Erzählung aus der Perspektive des Solisten (Autors) erzählt. Der Solopart betont die Bedeutung semantischer Details und wird dem Chorgesang ohne Worte gegenübergestellt. Die Melodie des Chores wird durch die Intonation und den Rhythmus des Textes bestimmt. Die Musik enthält elegische Traurigkeit, die für alltägliche Liebesromane charakteristisch ist (Teil 1), und die Bitterkeit des Verlusts (Teil 2). Daher die homophone Struktur (Solo- und Begleitstimmen). Die zweiteilige Strophenform wird sowohl durch den Tonplan als auch durch die Variabilität der Funktionen in Kadenzen hervorgehoben. Die melodischen Phrasen der Kadenzen dieses Chors gehen in das Hauptmaterial des nächsten zweiten Chors „In the Blue Evening“ ein, bilden dessen Ausgangspunkt und verbinden beide Chöre mit thematischer Einheit, wie von A. N. Sokhor angedeutet. Der intonationsthematische Zusammenhang dieser Chöre zeigt sich in der Ähnlichkeit der Themen und Handlungsstränge ihrer kompositorischen Grundlage. Diese Ähnlichkeit wird jedoch vom Komponisten als Voraussetzung für den Kontrast ihrer Opposition genutzt.

Im zweiten Refrain „In the Blue Evening“ wird die Erzählung im Auftrag des Autors erzählt, aber vom Chor vorgetragen. Die Bildhaftigkeit des musikalischen Bildes wird in den Vordergrund gerückt, das nach der Beschreibung von A. N. Sokhor: „Alles ist berauschend schön und von Träumerei gefärbt.“ „Was für eine innere Schönheit, Strenge und Zurückhaltung im Ausdruck von Gefühlen diese wahrheitsgetreue Musik ist.“ gefüllt mit! Nur zuweilen wird die Dur-Eleganz der allgemeinen Farbgebung von durchdringenden Tönen tiefer Trauer und Enttäuschung übertönt. Der Übergang vom kurzen „Requiem“ (Männerquartett mit Bratschen) zum „endlosen“ Dur hinterlässt einen unauslöschlichen Eindruck Kadenz, als würde er die alten Träume der Jugend in einem müden Herzen wiederbeleben. In diesem Chor stand Sviridov offenbar Yesenin in nichts nach: Die Klänge des Dichters kamen dem Dichter der Worte gleich“, schreibt O. Kolovsky.

„Ein Sohn traf seinen Vater“ ist ein Heldenlied voller emotionaler Intensität über eine dramatische Episode des Bürgerkriegs. Es steht dem Thema aus dem „Gedicht zum Gedenken an Jesenin“ nahe („Die Bajonette und Gürtel der Roten Armee leuchten, hier können sich Vater und Sohn treffen“). Ein Fragment des Liedchens von S. Yesenin (aus „Lied vom Großen Marsch“) entfaltet sich im Chor (nach dem Text von A. Prokofjew) auf der Bühne. Das lyrische Konzept des Chores gibt den Geist einer epischen Erzählung und Legende wieder. Die Handlung offenbart keine dramatischen Ereignisse; sie wird im Subtext angedeutet. Der Refrain ist in freier Form geschrieben und besteht aus fünf Episoden. Der energiegeladene Männerchor mit melodischem Auf und Ab im punktierten Rhythmus erinnert an die tapferen Lieder der Donkosaken. In vielfältiger Variabilität verändert sich nicht nur die intonationsrhythmische und textliche Grundlage der Musik, sie transformiert sich auch in die Gattung des Refrains. Die Variation des Refrains dient als dramatisches Ausdrucksmittel. Der erste Teil ist durch die Chorbesetzung, in der sich Männer- und Frauenchöre abwechseln, in zwei Hälften gegliedert. Die zweite Folge, vorgetragen von einem Frauenchor („Auf dem wüsten Weg“), klingt sanft wie ein lyrisches Mädchenlied. Anschließend vereinen sich die Chorgruppen und präsentieren eine einstimmige Strophenform. Den dramatischen Kontrast und Höhepunkt bilden die 3. und 4. Episode („Der Wind ging mit unsicherem Gang“ und „Der Pfau spreizte seinen Schwanz ...“). Der gemischte Chor klingt kompakt, kraftvoll, die Tonlage steigt, das Tempo beschleunigt sich, Abweichungen in paralleles Moll und alles bricht ab. Nach einer langen Pause beginnt der letzte Abschnitt mit einer majestätischen, hellen Melodie – einer Hymne an die Zukunft, die den Sieg des Lebens über den Tod bekräftigt. Bei diesem Chor ist alles auf kontrastierende Vergleiche aufgebaut: Zuerst singt der Männerchor, dann der Frauenchor. Im ersten Tutti ist die harmonische Struktur dreiteilig (es gibt auch eine Unisono-Episode). In der letzten Folge gebe es eine „farbenfrohe und klangliche Modulation von den hellen Tönen eines Genrebildes zu den Halbtontönen eines friedlichen Gefühls“. Die Chorstruktur verstärkt den harmonischen Reichtum durch Komplexe (wodurch teilweise die Melodie des Chorgesangs ohne Worte dupliziert wird).

„Wie das Lied geboren wurde“ – gefühlvoller Text. Hinter der scheinbaren äußeren melodischen und rhythmischen Monotonie (Versvariationsform) verbirgt sich eine Fülle von Gefühlen, die Schönheit der russischen Seele, Poesie. „Hier wurde ein Merkmal von Sviridovs Stil besonders meisterhaft demonstriert – Subvokalität in all ihren Erscheinungsformen: Alles beginnt mit einem bescheidenen, einstimmigen Refrain, dann „bleibt“ eine der Stimmen in Form eines Pedals „stecken“, die andere beginnt zu Echo. Es entsteht die dreistimmige Hauptstruktur des Werkes, die später vertikal und horizontal komplexer wird; aus der zweiten erwächst ein massiver Akkord, aus dem Pedal - anmutige kontrapunktische Linien. All dies als Ganzes bildet ein ungewöhnlich melodisches, natürliches- klingende Chorstruktur, genau wie in einem Volkslied. Dieser Chor kann neben Beispielen subvokaler russischer Stile gestellt werden, wie dem Chor der Dorfbewohner von Borodin, den Opernchören Mussorgskis und einigen Chören aus Schostakowitschs „Zehn Gedichten für den Chor“. Hier geht Sviridov nicht nur davon aus den allgemeinen Stil des Volksliedes, sondern setzt in seinem Werk auch einzelne Intonations- und Strukturmuster der Volksliedkunst um und bereichert sie mit den Mitteln professioneller Kompositionstechnik.

„Tabun“ ist ein Lied über Russland. Im weiten Heldenchor männlicher Stimmen bietet sich ein Panorama heimischer Räume. Liebe zu Russland, Bewunderung für seine Natur, ein ungewöhnlich poetisches Bild eines Sonnenuntergangs, eine Pferdeherde in der Nacht, der Klang eines Hirtenhorns – erfüllen den Klang des Chores mit besonderer Ehrfurcht. Schöne Momente der Tonaufnahme weichen philosophischen Überlegungen. Die Chortextur ist reich an Chorpräsentationstechniken (vom Unisono bis zum Tutti, Chor-Bass-Oktavisten-Pedal, Gesang mit geschlossenem Mund), farbenfroh (Modulationen, strukturelle Variabilität) und emotional. Den semantischen Abschluss bildet eine stolze hymnenartige Melodie mit den Worten: „Loving your day and night Darkness.“ Für dich, oh Mutterland, habe ich dieses Lied komponiert!“ Die Partitur dieses Chores ist reich an Kontrasten: häufige Wechsel von Rhythmen, Texturen, Stimm- und Chorfarben: Nach zwei Episoden mit transparenter Textur klingt beispielsweise die schwere siebenstimmige Stimme vor dem Hintergrund des Chorpedals sehr beeindruckend - wie ein „Horizont“, der wiederum durch klingende und melodische Akkorde im Schlussteil ersetzt wird.

In kompositorischer Hinsicht ähnelt die poetische Einheit von „Fünf Chöre“ der Struktur eines der „Jesenin“-Zyklen des Komponisten, „Mein Vater ist ein Bauer“. Durch den Rahmen „vom Autor“ erhalten alle Chöre einen lyrischen Ton.

Diese A-cappella-Chöre spiegelten alle wesentlichen Stilmerkmale von Sviridov wider: Gesanglichkeit (in der Chormelodie und Stimmführung), modale Diatonie und Subvokalität mit ihrer strukturellen und harmonischen Variabilität der Funktionen; Plagalismus (das Vorherrschen von Tertium-Beziehungen mit typischen Dur-Moll-Schwingungen). der russischen Musik), Merkmale der Formation (die Rolle von Versvariationen und Strophenformen), Vielfalt der Chorkompositionen, Klangfarbenreichtum. Chororchestrierung - von der Melodie bis zur Harmonie, die Verwendung von Divisi in allen Stimmen, insbesondere in Männerstimmen, die Sviridov schätzt ihre Stärke, Dichte und Fundamentalität (drei Bassstimmen und ein Tenor). Sviridov verwendet alle Arten des Chorsatzes und legt dabei besonderen Wert auf kontrastierende Vergleiche von Registern, Texturen und Aufführungskompositionen („Herd“, „Ein Sohn traf seinen Vater“) “). Die Farbigkeit von Sviridovs Chorgemälden wird durch eine Vielzahl von Klangfarben-Registerkombinationen, enorme Bedeutung von Textur und Harmonik erreicht

Merkmale des Chorschreibens:

1. Die dominierende Stellung nimmt die Sphäre der Gesangsgattungen ein, die Welt des Komponisten ist die menschliche Stimme;

2. Interesse an Volksmusik, ihren Intonationen, Modi, ihrem inneren Geist und Inhalt;

3. Die Grundlage von Chören ist eine melodische Ebene, die auf der Begleitung (Instrument oder anderen Stimmen) basiert;

4. Charakteristische diatonische Melodien, Helligkeit;

5. Tonharmonie, lange Zeit bewegungslos, eine schwer fassbare Berührung – die Überlagerung eines Akkords;

6. Tonale Zurückhaltung. Die meisten Chöre haben eine unveränderliche Tonart (auch in angrenzenden Teilen von Zyklen);

7. Rhythmus – geprägt von Einfachheit, kann aber auch äußerst skurril sein (wie im Refrain „By the Green Shore“ aus der Kantate „Night Clouds“);

8. Arten der Chorstruktur:

1) Ausdruckskraft von Sviridovs Begleitungen. In Chorwerken gibt es immer eine Schichtung des musikalischen Gefüges in zwei Schichten – die Haupt- und Hilfsschicht (Begleitung). Daher werden der Melodie anhaltende Klänge in einer „anderen“ Klangfarbe (oder einer anderen Gruppe eines gemischten Chors, eines Solos oder anderer Methoden der Klangerzeugung – geschlossener Mund, Vokalklang usw.) hinzugefügt.

2) Akkord, Chortyp („Am blauen Abend“, „Du singst mir dieses Lied“). Eine polyphone Textur ist in der klassischen Form nicht zu finden, da die Vermischung und Verflechtung von Linien nach Ansicht des Komponisten den Ausdruck poetischer Gedanken beeinträchtigt. Und Sviridov schätzte die größte Klarheit der Worte.

9. Das wichtigste Prinzip ist die Verbindung zwischen Worten und Musik. Er ordnet das Wort niemals der Musik unter, illustriert den Text nicht, er liest die Hauptidee, die Hauptstimmung des Verses, und seine Musik stärkt das Wort – sie ist eine Ausdrucksform des Verses und des Gedankens („Über die verlorene Jugend“) ”);

10. Verwendet die Poesie von Puschkin, Jesenin, Lermontow, Blok, Majakowski, Prokofjew.

Georgi Wassiljewitsch Swiridow (3. Dezember 1915 – 6. Januar 1998) war ein russischer Komponist und Pianist, der zahlreiche staatliche Auszeichnungen erhielt. Eines seiner berühmtesten Werke ist die Erzählung „Blizzard“ von Alexander Sergejewitsch Puschkin.

Kindheit

Georgy Vasilyevich wurde am 3. Dezember in der Stadt Fatezh geboren, die derzeit in der Region Kursk liegt. Sein Vater arbeitete sein ganzes Leben lang bei der Post und war ein aktiver Unterstützer der Bolschewiki und unterstützte deren Bewegung während des Bürgerkriegs. Georgiys Mutter arbeitete als Schullehrerin und war eine liberal gesinnte Person, sodass sie die leidenschaftlichen politischen Ambitionen ihres Mannes nie verstand.

Als der Junge vier Jahre alt war, wurde sein Vater bei einem Zusammenstoß zwischen den Bolschewiki und der Opposition getötet. Von diesem Zeitpunkt an bleiben Mutter und Kind völlig allein, ohne Ernährer und Lebensunterhalt, und beschließen, nach Kursk zu ziehen, zu entfernten Verwandten mütterlicherseits. Sviridov geht dort zur Grundschule.

Schon in jungen Jahren zeigt sich das Talent und die Leidenschaft des Kindes für Literatur. Dank Schulclubs nimmt Sviridov an vielen Produktionen teil und versucht sogar, Gedichte zu schreiben.

Im Gegensatz zu seinen Klassenkameraden kennt er bereits mit acht Jahren viele in- und ausländische Autoren und kann sogar die Merkmale ihrer Werke benennen. Allerdings war Literatur nicht das einzige Hobby des jungen George.

Einmal hatte er eine Rolle in einem Schulstück zu spielen, bei dem die Hauptfigur eine kurze Melodie auf der Balalaika vortragen musste. Sviridov ergriff die Initiative, das Spielen dieses russischen Volksinstruments zu erlernen, was dem Jungen die Liebe zur Musik einflößte. Ihm war es zu verdanken, dass Sviridov begann, eigene Melodien zu komponieren und zu versuchen, bekannte Motive nach Gehör herauszusuchen.

Jugend

1936 trat Sviridov in das Leningrader Konservatorium ein, wo er die Grundlagen der Musikkunst bei Schostakowitsch und Rjasanow, zwei prominenten Lehrern dieser Zeit, studierte. Ein Jahr später, als Rjasanow das Talent des jungen Swiridow und seine Liebe zur Musik erkennt, empfiehlt er ihn beim Komponistenverband, und der Mann wird gerne in die Riege der begabtesten Vertreter Russlands aufgenommen.

Zu Beginn des Zweiten Weltkriegs besuchte Georgy die Leningrader Militärschule für Luftüberwachung, Warnung und Kommunikation (VNOS), musste jedoch aufgrund mangelnder Fitness und schlechter Gesundheit nach Nowosibirsk ziehen, wo Komponisten wie er evakuiert worden waren versuchte, die Soldaten aufzuheitern, indem er Lieder und Melodien aus den Kriegsjahren komponierte.

Eine der ersten Kompositionen war „Lied der Tapferen“, für die Surkow die Gedichte komponierte. Nachdem er sich an den neuen Ort gewöhnt hatte, begann Sviridov sogar, Werke für nach Nowosibirsk evakuierte Theater zu schreiben und beteiligte sich an vielen lokalen Produktionen.

Das Werk des Komponisten

Da Georgi Swiridow selbst Puschkin zeitlebens liebte und vergötterte und ihn als den Besten seines Fachs betrachtete, wurden die ersten Werke des Komponisten speziell für die Gedichte dieses großen Dichters geschaffen. Daraus entstanden mehrere Sinfonien und Romanzen. Als bekanntestes Werk gilt „Blizzard“.

Laut Musikkritikern veränderte sich Sviridovs Stil im Laufe seines Schaffens. So schuf er vor seinem Eintritt in das Leningrader Konservatorium hauptsächlich klassische und romantische Kompositionen, die den Werken deutscher Komponisten sehr ähnlich waren. Mit dem Erscheinen des Lehrers Schostakowitsch in seinem Leben begann Georgy jedoch, hauptsächlich russische Kompositionen zu schreiben, die von den ersten Noten an die Originalität und Haltung des Autors in Bezug auf sein Heimatland zeigten.

Es ist schwierig, alle von Sviridov geschriebenen Werke zu zählen. Dazu gehören 7 kleine Stücke für Klavier und 7 Romanzen, die Lermontovs Gedichten gewidmet sind, sowie die berühmte Sonate für Violine (das Werk konnte übrigens lange Zeit wegen fehlender Fragmente am Höhepunkt nicht restauriert werden) und ein Klavierquintett , und viele andere. Kritikern und Bibliographen zufolge hatte Georgy Sviridov einen wirklich enormen Einfluss auf die klassische russische Musik dieser Zeit. Er verstand es wie kein anderer, die Identität und Kultur der russischen Seele, die Bräuche und Traditionen der Völker Russlands hervorzuheben.

Privatleben

Georgy Sviridov war nur einmal verheiratet. Seine Frau war die bezaubernde Elsa Gustavowna, die ihn nicht nur durch ihre Schönheit, sondern auch durch ihren guten Musikgeschmack faszinierte. Sie lernten sich bei einem der Konzerte kennen, bei denen Georges Kompositionen aufgeführt wurden. Nach dem Ende der Veranstaltung kam Elsa auf ihn zu, um ihre Freude über seine Arbeit auszudrücken, und als sie den jungen und talentierten Sviridov sah, verliebte sie sich auf den ersten Blick. Und ein paar Monate später legalisierten sie ihre Beziehung offiziell und führten ein langes und glückliches Leben zusammen.